교양 서양미술 인문여행 시리즈 14
샤를 블랑 지음, 정철 옮김, 하진희 감수 / 인문산책 / 2020년 8월
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최근에 '예술의 쓸모', '그림의 힘' 등 일련의 미술책들을 보면서 그림 보는 재미에 푹 빠졌었는데 

이번엔 좀 더 이론적인 책에 도전해보기로 했다. 사실 이 책과 비슷한 제목인 '내 손 안의 교양미술' 

이란 책을 읽은 지도 그리 오래되지 않았는데 좀 더 전문적인 책을 찾다 보니 19세기 프랑스 당대 최고

미술평론가라는 샤를 블랑의 이 책과 만나게 되었다.


예술 교육을 목적으로 한 책답게 총 18장에 걸쳐 예술, 특히 회화 작품들을 이해하기 위해 필요한 

예술의 기초 지식을 담고 있는데 회화 교과서라고 해도 손색이 없을 것 같았다. 전공자가 아닌 일반

대중이 보기에는 쉽지만은 않은 책이었는데 그래도 좀 더 미술작품들에 대한 이해도를 높이기 위해

최대한 이해하려고 노력하면서 봤다. 먼저 회화의 '독립'으로 시작하는데, 회화는 자연의 모든 실재를

수단으로 영혼의 모든 개념을 하나의 통일된 표면 위에서 형태와 색상으로 표현하는 미술이라고 정의

한다. 흥미로운 점은 조각과 회화가 건축이라는 요람에서 나왔다고 보는 점인데, 같은 태반에서 조각이 

먼저 떨어져 나오고 회화가 나중에 떨어져 나왔다고 한다. 건축이 조각이나 회화보다 먼저라는 사실은

처음 알게 되었는데 인간 영혼의 모든 강조점으로 이어지는 자연의 메아리를 만들어내는 놀라운 작업을

수행한 것이 바로 회화라고 말한다. 회화가 대상을 모방함으로써 영혼을 표현하는 것이라며, 예술이

자연의 주위를 맴도는 것이 아니라, 지구가 태양을 도는 것처럼 자연이 예술의 주위를 도는 것이라고

말하는데 기존에 가지고 있던 예술(회화)과 자연과의 관계를 완전히 역전시키는 발언이었다.


사실 이 책에서 다루는 회화에 관한 이론들은 미술 전공서적의 내용이나 다름이 없어 솔직히 이해하기

쉽지는 않았다. 그나마 이해를 도와주는 것은 실제 작품들을 예로 들어 설명하는 것인데 예시로 든

작품 사진이 대부분 실려 있어서 글로만 읽었으면 도저히 이해가 안 되었을 내용들이 그림으로 보니

조금이나마 저자가 말하고자 하는 바를 알 수 있었다. 마지막에 이 책에 수록된 그림 목록을 나온 

순서대로 따로 정리해 놓고 있어 큰 도움이 되었는데 루브르 박물관이나 바티칸 박물관 등 충분히

예상할 수 있는 유명 박물관(미술관)이 소장하고 있는 작품들이 많았고, 특히 내가 가본 뮌헨의 알테

피나코테크 작품들이 대거 등장해 반가웠다. 사실 시간이 별로 없어 대충 보느라 많은 작품들을 꼼꼼히

보지 못해 아쉬웠던 곳인데 이 책에서 소개된 작품들도 거의 기억나는 작품이 없었다. 그동안 읽었던

대부분의 미술책에선 작가나 작품의 내용에 대한 소개가 주를 이루었던 반면, 이 책은 미술 기법과 

그 효과에 중점을 두고 있다 보니 그동안 그림을 보면서 놓쳤던 부분들이 뭔지를 깨닫게 되었다. 특히

보색에 관한 이론은 이번에 제대로 정리할 수 있었는데 옮긴이의 말에 따르면 이 책에서 처음 제시된

것이라고 한다. 그리고 이 책을 통해 몰랐던 화가와 작품들을 무수히 만났는데 서양회화의 방대함을

새삼 느낄 수 있었다. 이 책 자체가 고흐를 비롯한 후기 인상파 화가들에게 큰 영향을 주었다는데 서양

회화의 기본 이론을 집대성하고 있는 책이어서 언제 시간을 내어 차근차근 다시 읽어봐야 할 것 같다.  


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그림의 힘 (리커버 에디션) - 최상의 리듬을 찾는 내 안의 새로운 변화
김선현 지음 / 8.0 / 2020년 7월
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며칠 전에 '예술의 쓸모'라는 책을 읽어서 그런지 이 책도 그 연장선상에 있는 것 같지만 이 책에선 

미술 작품을 통한 소통과 치유에 중점을 두고 있어 전방위적인 쓸모를 다뤘던 앞의 책과는 약간 초점이

다르다 할 수 있다. 알고 보니 예전에 읽었던 '심리학, 명화 속으로 떠나는 따뜻한 마음여행'이란 책의 

저자여서 구면이었다. 책 표지부터 모네의 '정원의 여인'이란 작품을 사용해서 그야말로 미술책임을

표방한 이 책은 저자가 미술치료 분야의 전문가답게 그림의 힘으로 사람들의 마음을 치유하는 얘기를

담고 있다.


저자는 이 책에서 삶에서 가장 스트레스를 받고 또 가장 향상시키고픈 'Work(일)', 'Relationship(사람

관계)', 'Money(부와 재물)', 'Time(시간관리)', 'Myself(나 자신)'의 다섯 가지를 주제로 저자가 오랜

시간 임상현장에서 효과가 좋았던 명화들을 엄선하여 소개하면서 작품을 소재로 한 에세이 형식의 

글을 담고 있는데 그림을 감상하며 저자가 들려주는 얘기를 들으면서 힐링이 되는 그런 느낌을 받았다.

먼저 '일'에선 지친 머리를 맑게 하고 집중력과 에너지, 의욕을 자극해 일의 행복을 찾는 데 도움을 주는 그림들을 소개하는데, 첫 번째로 소개되는 영광은 빈센트 반 고흐의 '밤의 카페 테라스'가 차지한다.

하루의 일과를 마치고 지친 몸을 이끌고 조용한 카페의 자리에 앉아 휴식을 취하는 그런 여유를 느낄

수 있는 작품인데 마지막에 고흐의 '나는 아무것도 모르지만 별이 나를 꿈꾸게 한다는 사실만은 분명

하다'는 말로 마무리한다. 이렇게 각 작품마다 그림에 대한 설명과 느낌들을 소개하고 있는데 예상 

외로 처음 접하는 작품들이 상당히 많았다. '사람 관계'에선 외로움이나 상처처럼 사람으로부터 오는

결핍들을 치유하고 나의 사람 관계를 돈독히 꾸려나갈 수 있는 그림들로 채웠다고 하는데, 이중섭의

'해와 아이들'이나 정선의 '인왕제색도'가 등장해서 좀 의외라 할 수 있었고, 르누아르의 '물랭 드 라

갈레트의 무도회'나 벨라스케스의 '시녀들' 등 유명 작품도 있지만 역시나 낯선 작품들이 적지 않았다.

'부와 재물' 관련해선 떼려야 뗄 수 없는 돈과의 관계를 긍정적으로 재설정할 수 있도록 도와주는 

그림들을 소개했다고 하는데, 그림만 봐선 돈과 무슨 관계가 있나 싶기도 했지만 대부분 돈보다 더

중요한 뭔가가 있음을 알려주는 그림들이라 할 수 있었다. '시간관리'에선 나를 둘러싼 시간의 흐름을

자연스럽고 편안히 마주할 수 있는 작품들이라 할 수 있었는데, 고갱의 '우리는 어디서 왔는가, 우리는

무엇이며, 어디로 가는가'나 아르침볼도의 '봄 여름 가을 겨울'처럼 인간의 일생의 변화를 담아내어

이 주제에 딱 맞는 작품들도 있었고, 내가 벨기에 왕립미술관에서 직접 봤었던 피터르 브뤼헐의 

'이카루스의 추락이 있는 풍경'(당시엔 이 작품이 이렇게 의미가 있는 줄은 몰랐다)이 등장해 반가웠다.

마지막 '나 자신'에선 나만의 리듬과 스스로에 대한 사랑을 발견하게 해주는 그림들로 마무리를 하는데

역시 자화상(젠틸레스키, 윤두수)이나 자신을 사랑해서 비극을 맞은 나르키소스(카라바조) 등을 다룬

작품들이 등장했다. 이 책을 읽으면서 대부분 내가 모르는 그림들이라 역시 미술의 세계를 제대로 

알기에는 갈 길이 멀다는 사실을 절감했는데 다섯 가지 주제로 다양한 작품들을 소개하며 얘기를

풀어내는 저자의 능력에 새삼 감탄했다. 미술치료 전문가라 그런지 그 수많은 작품들에서 적절한 

작품을 골라내는 안목에 놀라웠고 그림을 보면서 그냥 지나쳤던 부분들을 주목하게 만드는 능력도

돋보였다. 이 책을 읽고 나니 저자가 말하려는 '그림의 힘'이 뭔지 제대로 느낄 수 있었는데 그림 

감상을 하면서 마음을 정화시키는 두 마리 토끼를 모두 잡게 해준 책이었다.   


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2020-09-19 21:12   URL
비밀 댓글입니다.

sunny 2020-09-20 09:45   좋아요 0 | URL
클로드 모네의 ‘정원의 여인‘이란 작품입니다. 책 표지도 감상할 작품입니다.
 
예술의 쓸모 - 시대를 읽고 기회를 창조하는 32가지 통찰
강은진 지음 / 다산초당(다산북스) / 2020년 9월
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보통 예술은 그 자체가 목적이라고 생각하는 경향이 있어 예술을 수단으로 여기는 건 예술을 대하는

제대로 된 자세가 아니라고 생각할 수도 있지만 예술이 여러 분야에서 활용되고 있는 것도 부인할 수 

없는 사실이다. 그래서 이 책에서 대놓고 예술의 쓸모를 얘기한다고 하니 좀 불편한 마음이 드는 사람이

있을 수도 있겠지만 오히려 예술의 영역을 확장한다는 측면에서 생각하면 바람직한 방향이라고 느껴

지기도 하는데 이 책에서 저자는 예술과 예술가의 삶에서 배울 수 있는 32가지의 통찰을 소개한다.


'우리가 예술을 통해 얻을 수 있는 것', '시대를 매혹한 스마트한 전략가들', '예술은 어떻게 브랜드가

되는가', '어디까지 예술이 될 수 있을까', '예술이 가르쳐준 삶의 자세'까지 총 5부에 걸쳐 예술과 

예술가의 삶을 통해 자기 마음을 마주하고, 당연한 문제를 해결할 아이디어를 얻으며, 세상을 매혹한

창조적 전략을 배울 수 있도록 안내한다. 먼저 예술에서 얻을 수 있는 여섯 가지 가치로는 가치 있는

것을 알아보는 심미안, 감정을 위로하는 카타르시스, 감각의 확장과 욕망의 이해, 창조성, 통찰을 

제시한다. 운동을 하면 근력이 좋아지는 것처럼 예술을 감상하면 자연스레 심미안이 좋아진다면서

심미안이 있는 사람은 보통 사람들이 무의미하다고 지나치는 많은 것에서 가치와 아름다움을 발견할

수 있어 일상을 훨씬 더 아름답게 바라볼 수 있다고 말한다. 카타르시스와 관련해선 '예술은 우리 영혼에

묻은 일상생활의 먼지를 씻어준다'는 파블로 피카소의 말을 인용하는데, 에드워드 호퍼의 '밤을 새우는

사람들'을 감상하며 마음속에 켜켜이 쌓인 묵은 감정이 깨끗이 정화되는 카타르시스를 맛보게 해준다.

이렇게 예술은 감각을 넓혀 디테일에 주목하게 하고, 인간의 욕망을 이해하는 법을 알려주는 동시에

창조력과 통찰력을 키워주는데, 2부에선 호가스, 다비드, 루벤스 등 시대정신을 읽고, 위기를 기회로

삼으며, 고객에게 감동을 선사한 예술가들의 삶을 보여준다. 당대의 시대정신을 꿰뚫은 '유행에 따른

결혼' 등을 통해 고객들의 니즈를 정확하게 포착해 스마트한 포지셔닝 전략으로 성공한 윌리엄 호가스, 루이 16세의 국비장학생에서 혁명가 로베스피에르의 친구였다가 황제 나폴레옹의 예술가로 변신을

거듭하며 격동기의 프랑스에서 항상 최고 권력자 곁에 있었던 자크 루이 다비드, 지난 유럽 여행때

갔던 미술관마다 상당수의 작품들을 보여줬고 기대치를 넘는 감동을 선사하는 고객 만족 작품들로 

한 시대를 풍미했던 루벤스 등 자신만의 독특한 무기를 통해 당대 최고의 화가가 된 인물들의 열전을

만날 수 있었다.


3부에선 고흐, 페르메이르, 무하, 마이센 도자기 등을 통해 캐릭터 마케팅과 스토리의 힘, 네트워킹과

열정이 이들을 시공간을 뛰어넘어 오랫동안 사랑받게 만든 비법임을 보여준다. 특히 생전에 겨우 한

작품만 팔았던 고흐가 현재의 명성을 누리게 된 것이 고흐의 동생 테오의 아내였던 요한나가 적극적인

홍보에 나선 결과임을 새롭게 알게 되었다. 4부에선 로스코, 칸딘스키, 마그리트 등 현대미술가와

현대 건축가 프랭크 게리, 중세 태피스트리까지 다양한 예술을 통해 다채로운 욕망을, 5부에선 예술이

삶을 대하는 자세를 주제로, 평생 죽음을 두려워했음에도 '키스' 같은 황홀한 삶의 순간을 표현한 

작품을 남긴 클림트, 아무도 관심 없었던 무대 뒤를 주목한 드가, 문명을 버리고 야생의 힘에 도취된

비운의 화가였으면서 어떤 삶을 선택할지 질문을 던진 고갱 등을 통해 어떻게 살아갈 것인지에 대한

조언을 해준다. 이 책에서 저자는 무려 32가지나 되는 예술의 쓸모를 소개하고 있지만 예술은 굳이 

특별한 쓸모가 아니어도 그 존재 자체만으로도 의미가 있지 않나 싶다. 여러 예술가들의 다양한 예술

작품들을 만나면서 예술의 매력에 흠뻑 빠질 수 있었던 시간이었는데 우리의 삶에 있어 예술이 어떤

역할과 의미를 가지는지를 잘 보여준 책이었다. 


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내 손 안의 교양 미술
펑쯔카이 지음, 박지수 옮김 / 올댓북스 / 2020년 8월
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학교 다닐 때는 미술을 그리 좋아하지 않았다. 별다른 재능이 있지도 않고 그림 등 미술 작업 자체가

재미 있지도 않아 별로 관심이 없었는데 언젠가부터 그림 보는 재미에 빠지기 시작했다. 생각해 보면

학교 다닐 때 미술 시간에 제대로 감상하는 것을 배운 적도 없고 그냥 미술 사조의 변천만 암기해야

해서 미술이 더 재미가 없었던 것 같은데 화가나 작품들에 대한 사연들을 알면서 그림을 보니 그동안

몰랐던 그림들의 의미가 새롭게 와닿았고 화가나 작품들을 하나씩 알아가면서 꼬리를 물며 관련된

작가나 그림들을 찾아보게 된 것 같다. 하지만 여전히 제대로 된 기초가 없는 상태에서 미술을 감상

하다 보니 좀 한계가 느껴지기도 하던 차에 명화감상에 참고가 될 만한 이 책과 만나게 되었다.


이 책은 '명화를 감상하기 전에', '예술 생활 즐기기', '회화의 기법', '화가와 명화 이야기', '서양 

미술사의 이해'라는 다섯 파트로 구성되어 있는데 대부분 평이하면서도 명화감상에 필요한 지식들이

담겨져 있었다. 순수 미술에서 그림의 본질은 '아름다움'으로 그림의 주된 목적은 '눈을 즐겁게 한다'는

것으로 예술품을 창작하거나 감상하면서 우리는 자유와 순수함이라는 두 가지 즐거움을 얻을 수 있다고 

말한다. 그림 감상과 관련해선 '마음속의 렌즈'를 통해 감상하라면서 그림 감상에 있어 쉽게 저지르는 

세 가지 오류로 '무엇을 그렸느냐에 집착하는 것', '그림에 표현된 의미에 집착하는 것', '거창한 비평을 

늘어놓는 것'이라고 얘기한다. 특히 동양화에 대비한 서양화의 특징으로 경계를 나타내는 선을 그리지 

않아 실물과 굉장히 유사하고 투시법과 해부학을 굉장히 중시하며, 화면을 꽉 채워 여백을 남기지 

않고, 서양화의 화면은 대부분 황금 비율을 따르고 있다고 한다. 이렇게 19세기 이전까지는 서양 화풍과 

동양 화풍이 완전히 달랐다가 19세기 말 이후 폴 세잔, 빈센트 반 고흐 등이 동양 회화의 영향을 받아 

주관적 요소를 가미하기 시작하면서 점차 융합되는 형태가 나타나기 시작했다고 한다. 예술적 안목을 

기르는 방법으로 끊임없는 연습, 예술적 감각 기르기, 자연 관찰, 그리기 연습, 명작 감상, 독서와 

여행을 통한 안목 기르기를 제시한다. 이렇게 이 책을 읽다 보니 그동안 모르고 지나쳤던 부분들에 

대해 새롭게 인식하게 되었는데 아무래도 이론적인 부분들이라 약간 지루한 감이 있었지만 파트 4

부터는 화가와 명화, 서양 미술사의 큰 흐름을 다루고 있어 훨씬 흥미진진하게 볼 수 있었다. 시대를 

앞서갔던 밀레를 시작으로 들라크루아와 쿠르베, 휘슬러, 터너, 앵그르, 렘브란트, 에이크 형제, 

레오나르도 다 빈치 등 대표적인 인물들과 작품을 소개한 후 르네상스 시대부터 다다이즘까지의 서양 

미술 사조의 변천사를 깔끔하게 정리하고 있다. 사실 사조는 비슷비슷한 경우가 많아 헷갈리는 경우가 

많은데 대표적인 화가와 작품들을 통해 핵심적인 특징을 요약해서 알려주니 나름 각 사조를 이해하는 

데 도움이 되었다. 분량이 많지 않으면서도 여러 유명 작품들이 컬러로 수록되어 있어 명화 감상의 

즐거움도 맛볼 수 있는 책이어서 미술 교양서로서의 역할을 하기에 충분했다.


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예술은 우리를 꿈꾼다 - 예술적 인문학 그리고 통찰 : 심화 편
임상빈 지음 / 마로니에북스 / 2020년 7월
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미술 관련한 책들을 즐겨 읽다 보니 미술만 다룬 책들은 물론 다른 분야와의 통섭적 시도를 하는 책들도

종종 만나곤 한다. 이 책도 미술을 바탕으로 하여 저자의 여러 지식과 경험을 인문학적으로 연결시켜

다양한 얘기들을 들려주고 있는데, 사실 미술작품 자체의 감상을 좀 더 기대했지만 예상보다 상당히

철학적인 논의들을 다루고 있어 녹록하진 않았다.


'예술적 욕구', '예술적 인식', '예술적 도구', '예술적 모양', '예술적 전시', '예술적 기호'까지 총 6개의

주제로 예술의 다양한 면모들을 탐색하는데, 솔직히 그동안 잘 생각하지 못했던 측면들이 많아 좀 생소

하면서도 새로운 관점들을 만나볼 수 있었다. 먼저 '예술적 욕구'에서는 매혹(끈다)을 핵심 키워드로 

해서 전시(보여준다), 재현(드러낸다), 표현(튄다)의 예술의 여러 방식을 보여주었다. 중간중간 관련된

그림들을 소개하면서 설명을 해주는데, 특히 알렉스(아마 저자의 아내?)와의 티격태격하는 대화를 

통해 전하고자 하는 의미를 좀 더 쉽게 전달하는 것 같았다. '매력'은 딱히 목적이 없어도 그냥 즐길 

수 있는 것이고, '유혹'은 분명한 목적으로 가지고 사람을 기만하는 것이며, '전시'가 '연예인'의 쇼

케이스라면 '예술 감상'은 그 공사 행사 이후에 그 '연예인'이랑 밤새고 예술에 대해 진지하게 대화하는

거라는 등 저자 나름의 독특한 풀이가 인상적이었다. '예술적 인식'에서는 착각의 마술, 투사의 마술,

관념의 마술이라면서 예술을 각각 환영, 뇌, 정치라고 얘기한다. '색안경'이 개인의 습관이라면 

'색깔론'은 사회적인 통념, 혹은 '색안경'이 사람마다 다른 개인적인 패션이라면 '색깔론'은 집단적으로 

입어야 하는 제복에 비유하고, 남반부가 위로 오고 호주가 중심에 있는 호주 학자 스튜어트 맥아더가 

고안한 세계지도처럼 어떤 관점에서 바라보느냐에 따라 세상이 완전히 달리 보일 수 있음을 잘 알려

주었다. '예술적 도구'편에선 화구, 미디어, 재료에 대한 얘기를 늘어놓는데 사실 작품만 늘 생각했지 

어떤 도구로 어떻게 만들어졌는지에 대해 관심이 없었다가 그 중요함을 깨닫게되었다. '예술적 

모양'에선 작품을 구성하는 네 가지 핵심 요소인 형태, 색채, 촉감, 빛을 다루는데, 르네상스 삼총사인 

레오나르도 다빈치의 스푸마토(대기원근법을 바탕으로 형태의 외곽선을 흐리기), 미켈란젤로의 

칸지안티스모(어두운 영역의 채도를 상대적으로 높게 칠하기), 라파엘로의 유니오네(스푸마토와 

칸지안티스모의 절충)와 키아로스쿠로(빛과 그림자의 대조를 극대화함)의 4대 원리 등 다양한 기법들을 

알 수 있었다. '예술적 전시'에선 구성, 장소, 융합을 다루는데, 좋은 예술가는 파격적이 되어서 역사적

으로 중요했던 세 가지 시도로 '가치법', '반원근법', '복합시공법'을 드는 등 다양한 예술적 시도들을 

소개한다. 마지막으로 '예술적 기호'에선 예술을 어떻게 읽을 것인지와 관련해 식상, 추상, 표상의 

세 가지 키워드로 예술의 이해를 돕고 있다. 아무래도 전문적인 내용들이 적지 않다 보니 쉽진 않은 

책이었는데 그냥 일반인의 관점에서 막연히 작품을 감상하는 것에 비해 이 책에서 알려준 다양한 

지식들을 제대로 소화만 한다면 훨씬 다채로운 관점에서 많은 걸 보고 느낄 수 있음을 가르쳐준 책이었다.


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