'예술'이 정의될 수 없다는 사고는 물론 새로운 것이 못된다

'예술'이 정의될 수 없다는 사고는 물론 새로운 것이 못된다
 

베리스 고트Berys Gaut는 <집단개념으로서의 예술 'Art' as a Cluster Cincept>이란 제목으로 예술의 정의에 관해 논증했다.

그는 서언에서 예술의 정의를 말하는 철학자들의 시도들에서 만족할 만한 것을 발견할 수 없다며 주요 논증들인 기능주의자들의 정의, 역사적 정의, 그리고 이 둘에 대한 다양한 혼성물과도 같은 많은 정의들이 나중에 소개되었지만 만족스러운 것은 없다고 일축한다.
이런 정의들에서 집중적 실패를 보고 또는 분석철학의 파산 징조를 보게 된다.
만약 예술의 정의를 내리는 일이 정녕 분석철학의 유일한 목표하면 고트는 말하기를 이 사업은 심각할 정도로 지불불능의 상태 또는 담보물을 찾을 권리를 상실한 절박한 위험에 직면한 것이라고 역설한다.
더욱이 게티어 이후post-Gettier '지식 knowledge'을 규정하는 시도들의 역사는 정확한 분석들을 보장하는 어려움을 충분히 예증하며 만약 분석들이 지식의 관념 위에 무너진 것이라면 그렇게 논의된 그리고 예술의 것과 같은 무정형의 한 관념과 더불어 성공을 보장해주는 어떤 희망이라도 있겠느냐고 고트는 묻고 있다.

'예술'이 정의될 수 없다는 사고는 물론 새로운 것이 못된다.
이런 사고는 1950년대 자신들의 입장을 떠받쳐주는 비트겐슈타인의 '가족유사관념'에서 변화하는 방법들로 끌어들인 몇몇 미학자들에게는 비중을 크게 차지하는 주장이었다.
현재도 예술을 유일하게 명기하는 필요조건과 공동충분조건들을 개별적으로 부여한다는 의미에서 예술이 정의될 수 없다는 그들의 부정적인 주장은 몇 가지를 예외로 하고 부인된 반면 개념의 타당한 특징여부가 가족유사조건들 속에 있다는 그들의 긍정적인 주장은 오히려 더욱 더 폭넓게 배척되었고 이에 대한 변명들은 익히 알려져 있다.
우리가 예술품들을 특정한 패러다임들을 닮은 것들로 특징짓는다면,
첫째 변명이 불완전해서 어떤 오브제들이 패러다임 작품들인지 언급할 필요가 있고
둘째 유사의 관념, 즉 어떤 것이 또 다른 것과 몇 가지 속성에서 동일하기 때문에 어떤 것은 이런저런 점에서 또 다른 것과 유사하다는 것은 매우 무의미해서 특징의 부여가 어떤 것이라도 예술로 간주할 것이다.
특별히 칭찬하지 않을 수 없을 정도로 그들의 입장에 합당하게 진전시킨 비트겐슈타인 학파의 논증들이란 없다.
정의를 찾아내는 데 대한 실패는 '예술'을 상관적이기보다는 본질적 조건들, 즉 따라서 제도적 그리고 역사적 이론들이 다음으로 인기가 있는 그런 조건들 안에서 정의하는 시도로 설명된 반면,
예술이 근본적으로 창조적이므로 '예술'이 정의를 거스린다는 주장은 실제 작업이 아직까지는 부정될 만한 고유한 방법들 안에서 추구되거나 혹은 생산품들이 본래의 것들이 되는 '예술' 정의의 일부가 될 것이므로 도움이 되지 못한다.

아직도 일반적인 승인을 보장해주는 상관적인 정의들의 버금가는 실패는 '예술'이 정의될 수 없기 때문에 정의된 적이 없다는 식의 사고를 부활시켜야만 하며 그렇게 쉽사리 내칠 수 없는 비트겐슈타인의 철학만큼이나 강력한 철학에 근거를 둔 예술의 한 견해가 되는 그런 사고를 경고의 정신이 고무시켜야 만한다.
고트는 이를 '유사에서 패러다임으로resemblance-to-paradigm' 해석할 수는 없더라도 예술에 대해 정확한 특징부여를 주는 가족유사family resemblances에 대한 집단개념으로는 해석될 수 있음을 논해야 한다고 주장하고 있으며,
이런 해석을 위한 논증이 예술에 있어 원형의 중요성에 달려 있는 건 아니더라도 추정되고 있는 예술 오브제들의 실재적 그리고 사실에 입각하지 않는 사례들에 관한 우리가 말하고자 하는 바에 대한 정밀검사에 주로 달린 문제라고 주장하고 있다. 

쉴레, 감히 자위행위를 마다하지 않을 정도로

 김광우의 <뭉크, 쉴레, 클림트의 표현주의>(미술문화)에서  

쉴레, 감히 자위행위를 마다하지 않을 정도로

순수미술을 만화처럼 왜곡시킨 사람으로 말하자면 쉴레를 따를 자가 없을 것이다.
표현을 위해서라면 그는 자신의 드로잉이 만화가 되는 것도 마다하지 않았다.
화가라면 대상의 외관을 변형시킬 때 이를 추하게 나타내기보다는 이상화시키는 것이 일반이지만 뭉크와 쉴레는 그런 태도를 대상의 진실에서 멀어지는 것으로 보았다.
두 사람은 사물의 밝은 면 못지않게 어두운 면도 드러나야 한다고 생각했다.

뭉크와 클림트보다 27-8년 후에 태어난 쉴레에게서 이른 표현주의 그림을 발견하기는 불가능하지만 1910년에 그린 <자화상>은 두 사람과는 전혀 다른 비이성적인 표현주의 그림이라 할 수 있다.
표현주의의 선구자는 아니더라도 그가 그린 그림에서 표현주의의 또 다른 가능성을 볼 수 있다.
표현을 위해서라면 관람자 앞에서 감히 자위행위를 마다하지 않을 정도로 쉴레는 자신의 전부를 회화의 재단에 바쳤다.
1911년 이후에 그린 그림들은 표현주의가 아니면 보여줄 수 없는, 즉 표현주의가 마땅히 짚고 넘어가야 할 주제들을 보여주고 있다.

쉴레의 <자위행위하는 자화상>의 경우
그는 금기시하는 성에 대한 표현을 통해 본능이 결코 부끄러운 것이 아님을 주장한다.
얼마나 많은 사람이 자위행위를 경험하는가!
이런 보편적 행위를 추하다고 비난하는 것은 자신을 속이는 일이다.
사람들이 쉴레의 그림을 춘화로 여기지 않는 이유는 진실이 표현되었기 때문이다.

클림트와 신화

 김광우의 <뭉크, 쉴레, 클림트의 표현주의>(미술문화)에서  

클림트와 신화 
 

클림트는 신화를 현대적으로 해석한 화가로 그의 표현주의에는 고대와 현대를 연결하는 고리가 있다.
즉 본질에 대한 사고가 있는데 이는 신화에 대한 이해가 없으면 파악하기 어렵다.
표현주의의 출발을 따지기 위해 연대를 거슬러 가면 클림트가 1889년에 그린 <흐르는 물 Flowing Water>을 꼽을 수 있다.
여인의 누드를 활처럼 휘어지게 그렸는데 마치 중력에 의해 우주 공간에 떠 있는 모습이다.
그에게 누드는 성적 대상이 아니라 표현의 수단이었다.
그의 그림에서 상징주의 요소가 농후한 것은 인체를 표현의 수단으로 삼기 때문이다.

클림트는 <흐르는 물>에서 누드를 흐르는 물로 상징한다.
<행복의 열망>과 <망자들의 행렬>에서도 클림트는 여인의 누드를 허공에 헤엄치듯 한 방향으로 나아가게 했는데 이런 식으로 누드를 공간에 구성한 예가 과거에 없었다.

"과연 첫 번째 표현주의자는 누구였을까?"

"과연 첫 번째 표현주의자는 누구였을까?" 

 
표현주의 화가들은 자신들이 본 것을 재현하기보다는 사고한 것을 나타내는 데서 회화의 새로운 길을 모색코자 했다.
눈에 보이는 오브제를 어떻게 흡사하게 모사할 수 있을까보다는 정신에 내재한 갖가지 의식과 무의식을 어떤 이미지로 적절하게 표현할 수 있을까 하는 것이 표현주의 예술가들이 추구하는 점이었다.
표현주의라 하면 프랑스의 야수주의, 독일의 다리 그룹, 오스트리아의 삼총사 클림트, 쉴레, 코코슈카 세 사람을 머리에 떠올릴 것이다.
대부분의 미술사나 모던 아트 책이 이 세 가지 유형의 표현주의에 관해 언급하고 있으며 표현주의가 공식적으로 출범한 해로 1905년을 꼽는다.
표현주의의 성격을 규정하는 일이야 이제 와서는 쉬운 일이지만 1905년에 표현주의가 시작되었다고 못박을 일은 아니다.

우리는 이렇게 물을 수 있다.
"과연 첫 번째 표현주의자는 누구였을까?"

표현이 강렬하게 나타난 작품으로 말하라면 미켈란젤로의 <피에타>와 엘 그레코가 피렌체 대성당에 장식한 <십자가에서 내림>을 지적할 수 있다.
렘브란트와 고야가 말년에 그린 그림들도 마찬가지이고 바로크 예술가들의 작품에서도 표현적인 요소는 발견된다.
하지만 이런 것들은 상상 가능한 이미지들에 불과할 뿐 표현 자체를 내용으로 한 작품들이라고 할 수는 없다.
보통사람의 상상을 초월하거나, 이성으로 억누르고 있으나 깊숙한 잠재의식에서 자아를 괴롭히며 분출되는 충동을 솔직하게 묘사한 표현주의 작품이라고 단정할 수 있는 작품은 뭉크로부터 비롯되었다.

뭉크, 쉴레, 클림트의 표현주의 그림에는 프랑스와 독일 표현주의 화가들이 다루지 못한 근본적인 문제들이 아주 많다.
그냥 덮어둘 수 없는 인간의 궁극적인 관심사가 이들의 그림에서 적극적으로 다루어지고 있다.
미술사에서 세 사람의 공헌은 이런 점에서 평가를 받아야 마땅하다.

'표현'이란 말을 처음 사용한 사람은 앙리 마티스이지만 표현주의 그림을 먼저 그린 사람은 뭉크이다.
그는 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 제임스 앙소르 등과 함께 표현주의의 선구자로 칭송을 받는다.
이같은 표현주의 회화는 19세기 말 자연주의와 인상주의에 대한 반발로 나타난 상징주의와 아르 누보와 관련해서 주관주의의 일면으로 이해해야 할 것이다.
주관주의 회화란 극적인 주제를 선택하여 간결하고 명료한 형상과 강렬한 색채를 통해 오브제를 모사하는 회화와는 달리 자신의 생각과 느낌을 자유롭게 표현하는 것이다.

뭉크처럼 자신의 내면세계에 집착한 화가는 드물 것이다.
그가 외부세계보다 내면세계에 집착하게 된 것은 죽음에 대한 경험과 불안 때문이다.
어린 시절 어머니와 누이를 잃었으며 자신도 병에 시달렸다.
그는 자신의 가정을 죽음의 가정으로 기억하면서 그런 불행을 극복할 수 없었음을 고백했다.
그는 끊임없이 죽음을 의식하고 있었고 이런 의식이 그대로 그림에 반영될 수밖에 없었다.

뭉크의 미학은 한 마디로 '혼의 고백'이라고 할 수 있다.
내면 깊은 곳으로부터 더이상 숨길 수 없는 혹은 표현하지 않을 수 없는 것들을 고백의 형상들로 창조해냈는데 <절규 the Scream>에서는 자신의 얼굴을 만화처럼 과장하고 왜곡시켰다.
몸을 비틀면서 입을 벌리고 눈을 크게 뜨고 있는 인물은 과연 무엇에 놀란 것일까?
원근법을 사용하면서 화면을 큰 경사로 단절시키는 다리와 난간, 후방의 가늘고 긴 두 사람, 황색, 적색, 청색에 의한 다이나믹한 필치, 강에 떠 있는 두 척의 배 이외에는 세부를 생략한 표현 등은 극적 효과를 높인다.

많은 사람이 공감하는 현대인의 불안한 감정, 표면적으로는 평온한 가운데 돌연 누군가에 의해 습격당하고, 그리고 주변은 변함없이 평온하게 느껴질 때 한층 불안감정이 더해지고 체념하여 절규하고픈 충동에 쫒긴다.
이 작품에서 절규하고 있는 이와 원경의 인물의 무관함은 이러한 상황을 훌륭하게 표현하고 있어서 불안한 현대인의 공감을 자아낸다.
표현주의 그림으로 손색이 없는 작품이다.

정신적 동요가 대상을 바라보는 방식은 물론 더 나아가 기억의 형태까지도 변화시킴을 뭉크의 그림에서 알 수 있다.
이는 표현주의가 추구하는 점이기도 하다.
뭉크의 그림들은 전통을 무시한 새로운 양식의 회화이며 표현이 매우 강렬해서 회화가 결국 표현임을 충분히 웅변하고 있다.
표현주의가 공식적으로 출볌하기 10년 혹은 그 이전에 이미 표현주의 회화를 추구하고 있는 그는 표현주의의 선구자임이 틀림없다. 

클림트와 뭉크 그리고 여자

 김광우의 <뭉크, 쉴레, 클림트의 표현주의>(미술문화)에서  

클림트와 뭉크 그리고 여자 
 

클림트와 뭉크는 여자의 일생을 나타낸 그림들을 그렸다.
클림트는 여자의 일생을 세 시기로 표현했고 뭉크는 네 시기, 또는 세 시기로도 표현했다.
클림트는 <여자의 세 시기 The Three Ages of Woman>에서 여자 아이와 그 아이를 안은 채 수면으로 빠져든 여인, 그리고 늙은이로 여인의 연령을 상징적으로 셋으로 나눴다.
깊이 잠든 여인의 모습에서 열정을 느낄 수 있는 것은 관능적 여인의 매력이 나타났기 때문이다.
젊은 여인과 대조가 되게 절망적인 모습의 늙은이는 몸을 옆으로 돌리고 한 손으로 얼굴을 가린다.
등이 휘고 아랫배가 나온 늙은 여인의 모습에서 삶을 위협하는 죽음을 묘사했음을 본다.

<생의 네 시기 Four Ages in Life>에서 뭉크는 여자의 일생이 꿈으로 시작되지만 실망과 좌절을 경험하면서 무뚝뚝해지고 나이가 들면서 고독해지는 존재로 묘사했다.

여자에 대한 생각이 다른 뭉크, 클림트, 쉴레는 자연히 사랑이나 섹스, 키스장면을 각각 다른 모습으로 표현했다.
<연인들 Lovers>을 보면 클림트는 남자와 여자를 서로 즐거움을 나누는 성적 파트너로 그렸지만,
<남자와 여자>를 보면 정상적인 남녀관계를 이루지 못한 뭉크에게 섹스는 서로에게 수치심을 느끼게 하는 원만치 못한 행위로 표현되었다.
<포옹하는 두 여인(두 친구)>의 경우 쉴레는 내면에 잠재되어 있는 성에 대한 변형적인 충동을 드러냄으로써 오히려 성의 속박으로부터 자유로워진다고 믿었다.
당시 터부시한 레즈비언의 사랑, 자위행위를 하는 모습 등을 거침없이 표현함으로써 섹스에 대한 호기심과 억압으로부터 자유로워지고자 했음을 본다.
동성애의 역사는 아주 오래되었고 쉴레의 미학에서 빼놓을 수 없는 요소이다.
클림트의 섹스장면과 쉴레의 것을 비교하면 클림트의 그림은 노골적이지만 남자와 여자가 사랑에 도취된 모습이고 쉴레의 그림에는 관람자의 눈과 마주치는 당혹감과 함께 은근히 관람자를 부추기려는 변태적 요소도 내포되어 있다.

열렬히 포옹하고 키스하는 남녀의 모습은 둘이 하나가 되는 영원한 모티프로서 예술가들이 선호한 주제였다. <키스 The Kiss>에서 보듯 뭉크의 키스에서는 심리적 상황이 배제되고 애정의 표시보다는 서로가 서로를 삼키려는 두려운 존재들로 나타난다.
클림트의 <키스>에서는 남자와 여자가 일체가 되고 사랑의 무아지경에 빠져는 반면 뭉크의 것에서는 남자와 여자가 서로의 매력에 이끌려 키스를 하지만 종국에는 배반하고 서로를 괴롭히게 되는 이중적 존재의 모습이다.
뭉크의 <키스>가 어두운 화면으로 나타나는 데 반해 클림트의 <키스>는 사랑을 매우 미화한 장면으로 가장 우아하고 화려하게 나타난 애욕주의 그림이다.