캐리커처Caricature

캐리커처Caricature
 
캐리커처Caricature는 이탈리아어 카리카레Caricare에서 연유한 말로 '무거운 짐을 지게 하다' '과장하다'라는 뜻이다.
얼굴의 각 부위와 사람의 육체적 특징을 과장하거나
어떤 개념을 나타내기 위해 신체를 왜곡하고
때로는 신체의 일부를 동식물로 변경시켜서 표현한다.

캐리커처에는 두 종류가 있는데 하나는 정치적, 사회적, 종교적으로 높은 지위에 있는 자를 풍자의 대상으로 하는 것으로 여기에는 초상적 요소가 강하며 대상이 되는 인물이 어느 정도 일반인에게 알려져 있음을 전제로 한다.
다른 하나는 동시대의 풍속, 습관 혹은 전통을 비판하는 것으로 풍자의 농도는 전자보다 떨어지지만 유머나 우스꽝스러움의 표현이 내재해 있다.
이 경우 특정 인물을 대상으로 하지 않는 경우가 일반이며 인간집단의 특징을 포착하여 주관적으로 과장하는 성격이 농후하다.
브뤼겔P. Brueghel(1525/30경-1569)의 판화가 좋은 예가 되는데 그는 기묘한 우화적 상황설정을 이용하여 풍자의 맛을 고조시켰다.
캐리커처는 미신으로부터 자유롭고 그리스도교의 교리에서 벗어난 미를 추구하기에 안성맞춤이었고 르네상스적 미의 패러다임인 조화와 균형을 깨는 데 적절했다.

캐리커처에 예술적 의미를 부여한 화가로 도미에H. Daumier(1808-79)를 꼽을 수 있다.
시민사회가 성숙해지면서 정치에 대한 시민들의 관심이 높아졌던 19세기 프랑스에서는 캐리커처가 전성기를 맞았다.
18세기 말에 발명된 석판화는 캐리커처 발달에 일조했다.
도미에는 뛰어난 소묘 솜씨로 석판에 부드러운 초크로 교묘하게 대상을 나타냈다.
추한 면을 과장한 캐리커처에서는 툴루주-로트렉과 키르히너의 그림이 두드러졌다. 

클림트의 초상화

 김광우의 <뭉크, 쉴레, 클림트의 표현주의>(미술문화)에서  

클림트의 초상화
 

클림트의 초상화는 마치 사진을 보는 듯한 착각이 들 정도로 실재 묘사에 충실하면서도 색상을 엷게 하여 감성적 느낌이 캔버스에 촉촉히 젖어들게 했으며 장식적 요소를 가미하여 인물을 이상화했다.
헤이만 부인Frau Heymann의 초상으로 알려져 있는 <여인의 초상>은 빛이 골고루 얼굴이 비친 듯한 명암을 사용해 어두운 배경에서 두드러진 얼굴이 관람자를 약간 비스듬히 바라보도록 하여 여인의 오만함을 은근히 나타냈다.
<소냐 크닙스의 초상>(1898년작)에서는 핑크빛 드레스의 선을 색으로 문질러서 모델을 꿈속의 이미지로 이상화했음을 본다.
후기로 갈수록 클림트는 더욱 화려하고 현란한 장식과 색채로 비엔나 여인들을 기쁘게 해주었다.

쉴레는 만화를 그리듯 예리하고 분명한 선으로 회화의 모든 문제를 해결하고자 했다.
쉴레의 초상화는 캐리커처의 성격을 띠는데 이는 툴루즈-로트렉으로부터 받은 영향이다.
순수하면서도 풍자적인 색을 거의 불길할 정도로 대담하게 사용한 툴루즈-로트렉은 회화에서 모델의 몸가짐과 특성을 포착하는 데생이 중요하며 색채는 데생에 의해 정리된 전체 분위기를 만드는 역할만 담당하면 된다고 했다.

초상적 캐리커처에서는 모델과 닮았다고 여겨지는 부분이 두드러져야 하지만 화가는 단지 닮게 그리기보다는 다르게 표현함으로써 관람자가 더욱 더 닮았다는 느낌을 갖게 한다.
초상화가 모델의 장점을 미화하는 것에 반해 초상적 캐리커처는 추한 면을 왜곡시키는 경향이 농후하다.
이런 맥락에서 쉴레의 초상화를 이해하는 것이 바람직하다.
초상적 캐리커처가 동시대 사람들에게만 이해되는 일시적인 것인 데 비해 쉴레의 작품은 추한 면 외에도 인간의 본질적 행위를 과장해서 표현하므로 영구성을 지니고 있다.
쉴레는 평범한 모습보다는 비이성적 혹은 무대 위의 배우처럼 연기하는 모습으로 묘사하려고 했다.

뭉크는 초상을 그릴 때 모델의 외관에 충실하면서도 사진으로는 파악되지 않는 모델의 개성을 시각적으로 나타내고자 했다.
<발터 라테노 Walther Rathenau>(1907년작)의 초상에서 보듯 그는 모델의 개성을 표정과 제스처로 충분히 드러내고 있다.
이런 점은 자화상들에서도 여실히 나타나 그의 자화상들을 보면 파란만장한 인생여정이 눈에 선하게 보인다.

초상화

초상화 
 

초상을 영어와 프랑스어로는 Portrait 내지는 Portraiture라 하고,
독일어로는 Blidnis 내지는 Portrat라고 하는데,
Bildnis를 제외하고 모두 라틴어 Protraho에서 유래했으며 '끌어내다' '노출시키다'라는 뜻이다.
상상의 인물 묘사는 예외이지만 사람의 모습을 묘사할 경우 그 인물과 닮은 점, 즉 초사성이 요구된다.
인물의 독자성과 개성을 표현하는 것이 초상화의 목적이라 할 수 있으므로 이목구비와 신체의 특징과 더불어 표정이나 제스처가 개성을 나타내는 요소로 사용된다.

초상화에서는 묘사대상인 인물에 얼마만큼 충실해야 하는가가 과제이다.
인물의 결점도 묘사되어야 하는지, 아니면 다소 수정을 가해 이상화해야 하는지가 문제이다.
1920년에 신설된 함부르크 대학에서 미술사를 강의한 파노프스키는 초사성과 이상화의 양극 사이에서 화가가 균형을 잃어서는 안 된다고 주장했다.
작품의 형식이 중요한 것이 아니라 주제와 의미가 중요함을 역설한 것이다.

초상을 전문으로 그린 초상화가가 출현한 것은 16세기이며 한스 홀바인 2세(1497/98-1543), 이탈리아의 모로니(1525년경-1578), 네덜란드의 모르(1517/21-1576/77), 스페인의 산체스 코엘로(1531/32-1588) 등이 있다.
이들 대부분은 궁정에 살면서 궁정초상화를 발전시켰다.
17세기에 초상화를 세련되게 더욱 진전시킨 화가들로는 반 다이크(1599-1641)와 벨라스케스(1599-1660)를 꼽을 수 있다.
초상화의 여러 가지 기본형식은 르네상스로부터 비롯되었는데 다 빈치(1452-1519), 라파엘로(1483-1520), 티치아노(1488/90-1576)가 여러 종류의 초상을 그렸다.
뒤러(1471-1528)가 1500년에 그린 <자화상>은 위의 계열에 속한다.
이는 화가가 자기 자신을 의식했다는 증거이다.
정신성을 강하게 표현한 많은 자화상을 남긴 사람으로 17세기의 대가 렘브란트(1606-1669)를 꼽을 수 있다.
프랑스 혁명 이후에는 엄격한 인물묘사로 유명한 고야(1746-1828), 빼어난 데생력으로 초상을 그린 앵그르(1780-1867), 광인의 초상을 그려 유명한 제리코(1791-1824)가 있다.
이후 카메라의 발명으로 초상화의 위상은 크게 달라졌다.
사진이 초상화를 대신하게 되자 인상 통찰을 심화시킨 표현주의 초상화가 두드러졌는데 뭉크, 클림트, 쉴레의 초상화가 대표적이다.

특이하게도 뭉크의 풍경화에는

특이하게도 뭉크의 풍경화에는 

김광우의 <뭉크, 쉴레, 클림트의 표현주의>(미술문화)에서 
 

주제별로 보더라도 뭉크, 쉴레, 클림트 세 사람의 회화 세계는 매우 다르다.
풍경화를 예로 들면 클림트의 풍경화는 관람자의 방을 품위 있게 장식하기에 안성맞춤이다.
클림트는 인공적 자연을 만들어 관람자의 즐거움을 증가시켰다.
그의 빼어난 자연주의 묘사 기술과 섬세한 색상 그리고 장식적 요소는 풍경화를 바라보는 관람자가 즐거움을 만끽하기에 충분하다.
그의 그림에는 눈에 즐거운 것이 마음에 즐거운 것이라는 쾌락주의가 강하게 작용하고 있다.
극도로 이상화된 클림트의 아름다운 풍경화를 보노라면 인공적 자연이라는 생각이 절로 든다.
이는 그가 원하는 자연이라고도 할 수 있는데 자연에서 장식적 소재를 찾아 회화를 위해 자신의 것으로 바꾸었다.

다양한 경로를 통해 영향을 받은 쉴레가 그린 풍경화에서는 누드화에서 보는 이그러진 비정형적인 요소와 장식적인 요소가 있다.
고독한 사람의 눈에 비치는 쓸쓸한 자연이 보이는데 이는 자신의 우울한 마음을 담은 풍경화이다.
클림트가 숲을 선호한 데 비해 쉴레는 자신의 고독한 마음을 상징하는 앙상하고 야윈 불구의 나무를 선택했다.

특이하게도 뭉크의 풍경화에는 그가 평생 씨름해온 물밀듯이 닥쳐오는 불운한 세계의 공포나 위협 같은 것이 전혀 없고, 오히려 관람자에게 위안을 안겨주는 아름다운 자연이 있다.
<파도 the Wave>(1921년작)를 예로 들면 뭉크는 자연주의 색채를 무시하고 붉은색, 초록색, 노란색 등으로 조형성을 강조했다.
사람을 주제로 그릴 때와는 달리 그가 자연에서 위안을 받았음을 알 수 있다.
인물을 그릴 때 배경이 되는 자연은 뭉크의 정신세계를 상징하는 음산하고 불길한 풍경이 되지만, 자연 자체를 관조할 때는 자아를 버리고 바연의 품에 편안한 마음으로 안긴 것 같다.

풍경화Landscape

풍경화Landscape

원래 이 말은 네덜란드와 벨기에 지방에서 사용된 프라이만어인 Landskap에서 유래했다.
이 말이 자연의 경관을 묘사한 그림에 사용되기 시작한 것은 16세기로 처음에는 이 말이 생겨난 지역, 즉 네덜란드 지방의 장르로서의 풍경화를 의미했다.
화가는 관람자의 즐거움을 증폭시키기 위해 인공적 자연을 만들기도 했다.
풍경화는 본래 무질서한 자연에 하나의 통합을 부여하면서 자연 자체보다 더 자연다운 외모를 그리는 것으로 화가가 의식적으로 자연에 질서를 부여하는 행위라 할 수 있다.
화가의 인위성에 의해서 자연성이 달성된다는 의미에서 보면 풍경화는 자연의 인간화된 이미지라 하겠다.