잘 가라, 고도

가까이서 보면 희곡, 멀리서 보면 연극

No. 3

『고도를 기다리며』

2023년 12월 19일 ~ 2024년 2월 18일

국립극장 달오름극장

2024년 1월 6일 토요일 오후 2시 공연 관람

대구 공연

2024년 3월 29일 ~ 3월 31일

아양아트센터 아양홀

3월 30일 토요일 오후 2시 공연 관람

[원작]

사무엘 베케트, 오증자 옮김 《고도를 기다리며》 (민음사, 2000년)

연출 오경택

조연출/무대 감독 최현서

[출연진]

신구 (에스트라공/고고 역)

박근형 (블라디미르/디디 역)

박정자 (럭키 역)

김학철 (포조 역)

김리안 (소년 역)

아일랜드의 소설가 제임스 조이스(James Joyce)는 소설 《율리시스》(Ulysses)를 쓰면서 수많은 수수께끼를 심었다고 공언했다. 비평가와 연구자들이 《율리시스》에 묻힌 수수께끼들을 발굴해서 정답을 알아내느라 끙끙댈 것이고, 그 사이에 자신의 불멸이 보장되리라 생각했다.

* 제임스 조이스, 이종일 옮김 《율리시스》 (전 2권, 문학동네, 2023년)

* [제4 개역판] 제임스 조이스, 김종건 옮김 《율리시스》 (어문학사, 2016년)

극작가 사무엘 베케트(Samuel Beckett)는 젊은 시절 파리에서 2년 동안 영어 교사로 일했다. 타지에서 같은 고향 사람인 조이스를 만났다. 조이스의 문학에 매료된 베케트는 그의 비서가 되었다. 베케트는 시력이 좋지 않은 조이스를 위해 글을 읽어주거나 원고를 대신 써줬다.

* [절판] 사무엘 베케트, 이원기 옮김 《사무엘 베케트 희곡 전집》 (전 2권, 예니, 1993년)

40대 중후반의 베케트는 중견 작가임에도 대중적으로 널리 알려지지 않았다. 그가 쓴 소설들이 난해한 데다가 사생활을 잘 드러내지 않은 성격이라서 일반 독자들은 베케트를 어려워했다. 이때 당시 베케트는 조이스처럼 영원히 마르지 않은 명예를 듬뿍 마시는 불멸의 작가가 되어야겠다고 생각했던 것일까. 중년의 위기를 느낄 만한 나이에 접어든 베케트는 희곡 《고도를 기다리며》(아래 《고도》)를 발표한다.

‘고도(Godot)’는 희곡에서 단 한 번도 등장하지 않는다. 극 중 인물들뿐만 아니라 관객들 모두 하나가 되어 고도의 얼굴 한 번 보기 위해 하염없이 기다린다. 《고도》는 끝이 있는데도, 제대로 끝났다고 할 수 없는 희곡(play)이다. 왜냐하면 이제 ‘고도’는 실체가 없는 인물이 아니라 각자 스스로 알아야 하는 하나의 거대한 수수께끼가 되었기 때문이다. 따라서 고도가 무엇인지 생각하는 일은 정답 없는 수수께끼를 푸는 놀이(play)와 같다. 연극이 끝나도 관객들은 이 놀이는 끝내려고 하지 않는다. 관객들의 머릿속에 자꾸만 고도가 돌아다니고 있기 때문이다. 

두 권으로 된 《사무엘 베케트 희곡 전집》에 『고도를 기다리며』와 같은 장막극뿐만 아니라 단만극도 수록되어 있다. 《고도를 기다리며 외》(용경식 옮김, 하서, 1995년)은 알라딘에 등록되지 않은 책이라서 검색하면 나오지 않는다. 이 책은 『고도를 기다리며』를 포함한 열두 편의 희곡이 수록되어 있다. 제일 밑에 있는 얇은 책은 국립극장이 발간한 『고도를 기다리며』 프로그램 북이다. 작품 분석, 연출 정도, 배우들의 인터뷰 등을 볼 수 있는 자료다. 

생전에 베케트는 고도에 대해 아는 것이 없다고 밝혔다. 사람들은 자신만의 근거를 대면서 고도가 누군지 추측했다. 그렇지만 베케트는 독자와 관객들이 스스로 풀어야 하는 ‘고도’라는 수수께끼를 남겼으면서도 다양한 해석을 반기지 않았다. 실제로 그는 새로운 해석들이 줄줄이 나오면 작품을 왜곡시킬 수 있다고 판단했고, 연출가들에게 대본에 적힌 대사나 지시 사항을 충실히 지킬 것을 요구했다. 수수께끼를 만든 사람이 수수께끼를 푸는 놀이를 마음껏 즐기지 못하도록 규제를 가한 셈이다.

* 그레고리 번스, 홍우진 옮김 《‘나’라는 착각: 뇌는 어떻게 인간의 정체성을 발명하는가》 (흐름출판, 2024년)

《고도》를 두세 번 읽어도, 서울에서 한 연극 『고도』를 봤는데도, 고도가 무엇인지 지금도 잘 모르겠다. 십여 년 전에 고도에 대해 나름대로 해석을 시도한 글을 쓴 적이 있다. 하지만 내 생각이 누군가가 먼저 했다는 사실을 뒤늦게 알았다. 남들과 다른 특별한 한 고도를 드디어 찾았다면서 우쭐거린 그때 내 모습이 부끄럽다. 신경과학자 그레고리 번스(Gregory Berns)는 자신의 책 《‘나’라는 착각》에서 우리 뇌가 타인의 생각을 너무 쉽게 흡수한다고 했다. 그래서 내가 믿는 생각, 내 견해가 온전히 내 머릿속에 나온 것이라고 ‘착각’한다.

수수께끼가 된 고도를 기다리는 게임도, 그의 정체가 무엇인지 푸는 놀이를 지금부터 중단한다. 고도가 내 머릿속에서 자꾸만 자길 보러 오라면서 나댄다. 나는 더 이상 고도를 만나고 싶지 않다. 그것은 ‘내가 만나고 싶은 고도’가 아니라 ‘타인이 만났던 고도’다. 고도에 지나치게 집중하면 배우들의 연기에 몰입하기 힘들다. 대구에서 하는 연극 『고도』을 볼 땐 고도를 찾지 않을 것이다. 

잘 가라, 고도. 오늘은 배우들의 목소리, 숨소리, 몸짓에 집중하고 싶다.

죽은 자는 말이 많다(Dead man talking)

가까이서 보면 희곡, 멀리서 보면 연극

No. 2

『죽음의 집』

극단 폼(form) - 2024 제3회 더파란 연극제(대구, 3월 22일~29일) 참가작

윤영선, 윤성호 지음

김소희 연출

김민우 조연출

액팅 코치 조영근

홍보 정명훈 [주]

[출연진]

이영찬 (황상호 역)

이혜림 (이은희 역, 원작자가 쓴 대본에 나온 이름은 ‘이동욱’)

박지훈 (박영권 역)

곽수민 (강문실 역)

우전 소극장

3월 22일 금요일 저녁 7시 40분경 관람

잠깐만, 이 글을 보는 사람(단 한 사람도 없겠지만, 그래도 혹시나…‥)은 본인 스스로 누군지 잘 생각해 본 후에 글을 끝까지 읽을 것인지 말 것인지 선택하세요.

당신은 죽음을 두렵지 않다거나, 본인이 현재 잘살고 있다고 생각하시나요? 그렇다면, 이 글을 안 봐도 됩니다. 지금 살고 있는 삶이 만족스러운 당신이 이 글을 보는 것은 시간 낭비입니다. 이 글을 보는 것보다 본인이 우선 하고 싶은 것을 즐기면서 사세요.

아! 이런 사람들도 내 글을 안 봐도 돼요. ‘또 책 얘기야? 이번엔 뭘 읽었다고 잘난척하는 거지? 혼자서 책만 보고 글 쓰면서 사는 게 뭐가 그렇게 재미있을까?’라고 생각한 사람들. 네, 저도 알아요. 제 삶이 화려하지 않다는 거요. 그래도 내가 정말 좋아하는 일이에요.

그럼 안녕히 계세요, 여러분. 저는 이제 연극과 책에 대한 글을 써야 해서요.다들 좋아하는 일들 하면서 오늘 하루 즐겁게 보내세요.

긴 사이.

<죽음의 집>은 2007년에 간암으로 세상을 떠난 윤영선 극작가의 미발표 희곡이다. 2012년에 낭독 공연에서 대본 일부가 낭독되면서 <죽음의 집> 초고가 처음으로 극장 무대의 조명을 받았다. <죽음의 집> 초고를 확인한 극작가 겸 연출가 윤성호가 ‘작가 노트’를 단서 삼아 쓰이지 않은 이야기를 새로 썼다. <죽음의 집> 대본의 1부는 고인의 초고이며 2부는 윤성호가 쓴 것이다. ‘죽은 자가 쓴 글’과 ‘살아있는 자가 쓴 글’이 포개진 희곡, 즉 미완성과 완성이 뒤엉킨 <죽음의 집>은 2017년 윤영선 극작가의 10주기 추모 페스티벌에 초연되었다. 2020년 제41회 서울연극제에 공연된 <죽음의 집>은 희곡상(윤영선, 윤성호)과 연출상(윤성호)을 받았다.

* 윤영선, 윤영호 《죽음의 집》 (이안재, 2020년) [주2]

* 《2020 서울연극제 희곡집》 (서울연극협회, 2020년)

* [절판] 윤영선 《윤영선 희곡집: 키스》 (지안, 2008년)

‘극단 폼’이 만든 <죽음의 집>은 윤성호와 윤영선이 쓴 대본을 무대 위에 올린 것이다. 황상호는 자신이 죽었다고 믿는 인물이다. 상호는 ‘살아있는’ 친구 이은희를 자기 집에 초대한다. 그리고 자신이 처한 기이한 상황을 고백한다. 믿을 수 없는 이야기를 접한 은희는 혼란스럽다. 상호는 친구 박영권과 그의 아내 강문실도 초대한다. 그런데 부부 또한 상호처럼 이상한 말을 한다. 두 사람은 상호의 집에 오면서 말다툼했고, 홧김에 자살했다고 고백한다. 은희는 졸지에 집에서 유일하게 ‘살아있는’ 자가 되는데…‥ 상호의 집에 점점 이상한 상황이 일어나자, 은희의 머릿속에 불현듯 궁금증이 일어난다. ‘나도 죽었나?’

<죽음의 집>은 희곡으로 표현된 ‘메멘토 모리(Memento mori)’다. 메멘토 모리는 라틴어로 ‘죽음을 기억하라’라는 뜻이다. 집은 편안히 쉴 수 있는 아늑하고, 안전한 공간이다. 하지만 행복하고 즐거운 내 집이라고 해도 저승사자가 슬쩍 내미는 손길을 막을 수 없다. 그래서 17세기에 ‘메멘토 모리’를 떠올리는 그림이 유행했다. 당시 부유한 사람들의 집에 가면 두개골과 촛불이 그려진 그림 한 점 걸려 있었다. 두개골은 죽음을, 촛불은 덧없는 인생을 뜻하는 상징물이다. 그림에서 이빨을 드러내면서 실실 웃고 있는 해골이 행복하게 살고 있는 집주인에게 귀띔한다. ‘잊지 마! 당신 바로 옆에 내가 있어.’

메멘토 모리가 된 배우들이 연기하는 연극이 관객들에게 말한다. ‘무대 위에 서 있는 나를 앉아서 바라보는 여러분, 죽음의 집’이 실제로 없을 것 같죠? 나, 여기 있어요.’

* 노르베르트 엘리아스, 김수정 옮김 《죽어가는 자의 고독》 (문학동네, 2012년)

하지만 살아있는 자는 여유만만하다. 여전히 죽음은 내 일이 아니니까. 독일의 사회학자 노르베르트 엘리아스(Norbert Elias)는 《죽어가는 자의 고독》에서 인간은 본격적으로 ‘위생’의 중요성을 알기 시작하면서 일상 가까이에 있다고 믿었던 죽음을 멀리하게 되었다고 분석한다. 노화와 질병은 사람을 노쇠하게 만들 뿐만 아니라 추하게 만든다. 노화와 질병이라는 직격탄을 제대로 맞아버리면 죽는다. 살아가는 힘이 얼마 남지 않은 노인은 젊은 사람들과 어울릴 수 없는, 낡고 추레한 존재가 돼버린다. 노화를 부끄러워하는 감정이 생기면서 살아있는 자들은 죽음마저도 집 밖으로 쫓아낸다. 하지만 엘리아스는 그들이 착각하면서 살아가고 있다고 지적한다. 죽음을 외면한 사람들은 건강하게, 오래 살 수 있다고 믿는다. 그러나 막상 자신이 곧 죽음을 맞이한다거나 함께 사는 사람의 죽음을 직면하면 두려워하고 당혹스러워한다. 죽음을 극복할 수 있다는 착각은 죽음에 대한 두려움을 더욱 커지게 만든다.

메멘토 모리의 교훈을 잊지 않은 옛사람들은 살아있는 자들과 죽은 자들이 무덤 주변에서 덩실덩실 춤추는 그림도 좋아했다. 이 그림도 유행하면서 ‘죽음의 춤(Danse Macabre)’이라는 회화 양식이 생겼다. ‘죽음의 춤’은 죽음을 대비하는 살아있는 자의 몸짓이면서도 먼저 떠나간 자들과 함께하는 축제이다. 따라서 내가 죽는 것뿐만 아니라 먼저 죽은 자들도 기억하며 살자는 메시지가 담겨 있다. 

극 중간에 상호, 은희, 영권은 죽음에 대한 부정적인 생각을 잊으려고 춤을 춘다. 그렇지만 즐거운 축제는 오래가지 못한다. 살아있는 자는 언제 그랬냐는 듯이 죽음에 대한 두려움을 잊어버리고, 마음속에 간직하고 있던 죽은 자들을 하나씩 내보낸다. 진짜로 ‘죽은’ 영권과 문실은 잠시 밖으로 나간 뒤에 상호의 집으로 다시 들어오지만, 그들과 함께 술을 마셨던 ‘살아있는’ 은희는 그들이 누군지 알아보지 못한다. 살아있는 자는 죽은 자를 잊어버리거나 때로는 야박하게 쫓아낸다.

<죽음의 집>에 묘사된 죽은 자들(상호, 영권, 문실)은 말이 많고, 감정이 있다. 이들은 자신을 완전히 잊은 사람들이 섭섭하게 느끼지만, 이내 자신이 죽어있는 존재라는 사실을 받아들인다. 그러면서 생전에 하지 못한 이야기를 솔직하게 털어놓고 떠난다. 극작가는 이미 떠나고 없지만, 텍스트에 나온 <죽음의 집>은 여전히 어딘가에 살아 있다. 우리는 살아 있으면서 동시에 죽어가는 존재이다. 살아 있음과 죽음에 ‘사이’는 없다. 살아 있음과 죽음은 철저히 분리할 수 없을 정도로 뒤엉켜 있다. 내 인생에 착 달라붙은 죽음을 지나치게 두려워해서 아득바득 억지로 떼어낼 필요가 없다. 그럴 시간에 내가 정말 좋아하는 일, 정말 하고 싶은 일을 하면서 살자.

[주1] 2월 중순에 처음으로 공개된 포스터(위)와 3월에 공개된 두 번째 포스터(아래)의 도안이 다르다. 첫 번째 포스터에 적힌 출연진 이름에 정명훈 님이 있다. 원래 박영권을 연기하는 배우가 정명훈 님으로 정해졌으나 박지훈 님으로 교체되었다.

[주2] 책에 윤영선 극작가의 <죽음의 집> 초고, 윤성호 극작가가 새로 쓴 <죽음의 집> 대본, 윤영선 극작가의 ‘작가 노트’가 실려 있다.

나는 잘 모르겠어

가까이서 보면 희곡, 멀리서 보면 연극

No. 1

* 연극저항집단 백치들 - 2023 연출 연극 프로젝트

『이번 생은 참기 힘들어』

히라타 오리자 지음

성기웅 옮김

이상명 번안 · 연출

11월 30일 관람

일본의 극작가 히라타 오리자(平田オリザ)의 희곡집은 현재 총 세 권이 번역 출간되었다. 제목은 《도쿄 노트》, 《과학하는 마음》, 《서울 시민》이다. 세 권 모두 2015년에 나왔는데, <혁명 일기>라는 제목의 희곡집은 출간되지 않은 상태다.

* 히라타 오리자, 성기웅 옮김 《도쿄 노트》 (현암사, 2013년)

* [절판] 히라타 오리자, 성기웅 옮김 《과학하는 마음》 (현암사, 2013년)

* 히라타 오리자, 성기웅 옮김 《서울 시민》 (현암사, 2013년)

《과학하는 마음》은 과학자를 주제로 한 네 편의 희곡이 실려 있다. 『과학하는 마음』, 『북방한계선의 원숭이』, 『발칸 동물원』은 ‘과학 3부작’으로 알려진 작품이다. 나머지 한 편은 공연작 『이번 생은 참기 힘들어』(약칭 ‘이번 생’)다.

대명공연거리에 활동하는 극단 ‘연극저항집단 백치들’의 『이번 생』은 낭독극 형식으로 진행되었다. 배우들은 무대 위에 앉아서 대사를 읽는다. 때론 몇몇 인물은 연출된 동선에 따라 움직이면서 연기하기도 한다.

『이번 생』은 시골에서 기생충을 연구하는 학자들의 일상적인 대화 장면이 주를 이룬다. 기생충학자 영민(남우희 분)은 기생충 연구를 위해 시골로 이사한다. 서울 토박이 유정(김강원 분)은 남편의 선택을 존중해서 시골로 왔지만, 여전히 이곳 생활이 낯설고 불편해한다. 그래도 그녀는 남편을 만나러 매일 기생충 연구소를 찾아온다. 영민과 같이 일하는 동료 학자들은 유정의 적적한 마음을 달래주려고 친근하게 대한다. 동료들은 유정에게 자신들이 하는 일과 기생충 관련 지식을 알려준다. 그들과의 대화에 자연스럽게 스며든 유정은 평소에 접하기 어려운 또 다른 ‘삶의 방식’을 확인한다. 하나는 어떻게든 숙주를 만나야만 살 수 있는 기생충의 삶이라면, 또 하나는 연구실 안에서 생활하는 기생충학자들의 삶이다.

『이번 생』에 작품의 전체적 분위기와 완전히 동떨어진 존재가 등장한다. 주영(강민주 분)은 화이트보드에 기생충을 그리다가 말없이 서 있는 수수께끼의 존재를 만난다. 문제의 인물은 ‘여우 가면’을 쓰고 있다. 주영은 여우 가면 사나이가 영민일 거로 생각하고 말을 걸어보지만, 여우 가면 사나이는 묵묵부답이다. 『이번 생』을 번역한 극작가 겸 공연 연출가 성기웅은 작품 해설에서 여우 가면 사나이를 ‘관객과 또 다른 연출가들의 상상력을 채울 수 있는 여백’이라고 말한다. 여우 가면 사나이의 침묵은 그저 단순히 무의미한 행위일까? 아니면 작품 속 인물들과 관객들을 향해 무엇을 말하고픈 무언의 메시지일까?

* 마이클 셔머, 김성훈 옮김 《천국의 발명: 사후 세계, 영생, 유토피아에 대한 과학적 접근》 (arte, 2019년)

나는 여우 가면 사나이가 과학으로 설명할 수 없는 불가사의한 현상을 상징한다고 생각한다. 신 또는 영혼이라고 단정 지을 수 없는 신기한 현상 말이다. 내가 좋아하는 회의주의자 마이클 셔머(Michael Shermer)는 《천국의 발명》에서 불가사의한 현상의 원인이 과학적으로 규명되기 전까지는 즐기자고 말한다. 그 대신에 영혼의 힘과 관련이 있다는 식으로 들먹이지 말아야 하며 ‘잘 모르겠어’라고 반응하면 된단다. 이럴 때 모르는 게 약이다. 견강부회한 해석들을 가져와서 설전을 벌이면 정신 건강에 해롭다. ‘연극에 저런 장면이 나올 수 있구나’하고 재미로 받아들이자.

모두가 주인공이다

이번 달 <일글책> 고전 읽기 모임 선정 도서는 아리스토파네스(Aristophanes)의 희극이다. 지난주 토요일 오전 모임을 위해 『기사』와 『벌』(蜂)을 읽었다. 두 편의 희극을 읽은 분들은 이구동성으로 두 편이 재미없다는 소감을 밝혔다.

* 아리스토파네스, 천병희 옮김 《아리스토파네스 희극 전집 1》 (도서 출판 숲, 2013년)

* 에우리피데스, 천병희 옮김 《에우리피데스 비극 전집 1》 (도서 출판 숲, 2020년)

* 에우리피데스, 천병희 옮김 《에우리피데스 비극 전집 2》 (도서 출판 숲, 2021년)

* 아이스킬로스, 천병희 옮김 《아이스퀼로스 비극 전집》 (도서 출판 숲, 2008년)

* 소포클레스, 천병희 옮김 《소포클레스 비극 전집》 (도서 출판 숲, 2008년)

희극보다 비극이 더 재미있었다고 말한 분도 있었다. 처음 그 말을 들었을 때 그러려니 했다. 하지만 그날 저녁 대명공연거리에 있는 <한울림 소극장>에 펼쳐진 ‘극단 수작’의 연극 「햄릿, 나는 죽이지 않았다」(예병대 작, 박세향 연출)를 보면서 그 말이 우연이 만든 공연 감상의 복선이라는 걸 알았다. <일글책>에서 나온 낮말이 <한울림 소극장>까지 들렸던 것일까. <한울림 소극장>은 <일글책> 바로 건너편에 있다.

* 윌리엄 셰익스피어, 김종환 옮김 《햄릿》 (지만지드라마, 2019년)

* 윌리엄 셰익스피어, 설준규 옮김 《햄릿》 (창비, 2016년)

* 윌리엄 셰익스피어, 이경식 옮김 《햄릿》 (문학동네, 2016년)

* 윌리엄 셰익스피어, 박우수 옮김 《햄릿》 (열린책들, 2010년)

* 윌리엄 셰익스피어, 노승희 옮김 《햄릿》 (펭귄클래식코리아, 2010년)

* 윌리엄 셰익스피어, 최종철 옮김 《햄릿》 (민음사, 1998년)

「햄릿, 나는 죽이지 않았다」는 셰익스피어(Shakespeare)의 희곡 《햄릿》을 재해석한 공연작이다. 덴마크 왕자 햄릿은 ‘고민하는 인간’의 대명사다. 햄릿은 선왕을 암살하고 자신의 어머니 거트루드와 결혼하여 왕관을 차지한 숙부 클로어디스를 복수하고 싶지만, 상황이 여의찮다. 왕자는 혼자서 괴롭게 고민한다. 고민 끝에 미친 척하면서 은밀하게 복수를 준비한다. 그러나 불행하게도 햄릿은 자신이 사랑하는 오필리아의 아버지 폴로니어스를 죽인다. 예상하지 못한 불의의 사건은 오로지 숙부에게만 겨눈 햄릿의 칼날을 어지럽게 만든다. 햄릿의 칼날은 아버지의 복수를 위해 나타난 레어티즈를 지나치지 못한다. 한편 오필리아는 모멸에 찬 햄릿의 날카로운 말에 찔려 커다란 상처를 입는다. 햄릿의 칼날이 초래한 아버지의 죽음은 오필리아의 마음속에 깊이 팬 상처를 더 벌어지게 만든다. 오필리아는 실의에 빠져 미쳐버리고 비참하게 죽는다.

「햄릿, 나는 죽이지 않았다」는 어떤 삶을 살아갈지 고민하는 햄릿이 떠안은 세 가지 선택을 보여준다. 첫 번째 선택은 어머니를 위해 오필리아와 결혼해서 행복하게 사는 것. 두 번째 선택은 이승을 떠도는 아버지의 망령을 위로하기 위해 최대한 빨리 복수하는 것. 마지막 세 번째 선택은 원작 속 햄릿의 선택을 반영한 것이다. 첫 번째 햄릿의 선택은 모든 인물이 행복해지는 희극에 가깝다면, 두 번째와 세 번째 선택은 비극이다. 두 가지 비극이 진행될수록 평탄하게 진행된 희극은 희미해지고, 비극의 농도는 짙어진다. 등장인물의 삶이 크고 작은 갈등에 휘말려 부서지는 소리가 나는 비극이 웃음소리만 나는 희극보다 재미있는 이유다.

* 데이비드 볼, 김석만 옮김 《통쾌한 희곡의 분석: 희곡을 제대로 읽는 방법》 (연극과인간, 2020년)

‘연극적(theatrical)’이란 무엇인가? 미국의 연출가 데이비드 볼(David Ball)은 관객의 열렬한 반응을 유도해내는 모든 것이 ‘연극적’이라고 말한다. ‘연극적 매력’은 관객의 시선을 집중하게 만드는 요소다. 솜씨 있는 극작가와 연출가는 작품을 만들 때 연극적인 요소들을 적절하게 배치해야 한다. 그래야 관객이 연극적 매력에 푹 빠지면서 감정적 반응(즐거움, 슬픔, 분노, 공포 등)을 드러낸다. ‘연극적 매력’의 반대말은 ‘지루함’이다. 지루한 연극은 실패작이다.

「햄릿, 나는 죽이지 않았다」는 관객을 휘어잡는 연극적 매력이 가득한 수작(秀作)이다. 원작 《햄릿》의 원제는 ‘덴마크 왕자 햄릿의 비극(The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark)’이다. 「햄릿, 나는 죽이지 않았다」는 비극인 기존 원작에 두 가지 새로운 이야기가 추가된 형식으로 구성되어 있다. 두 가지 이야기는 햄릿(예병대 분)에게 주어진 또 다른 선택 상황이다.

햄릿의 첫 번째 선택. 1막은 등장인물 모두가 행복하게 사는 ‘덴마크 왕자 햄릿의 희극’이다. 이 희극에서 햄릿은 혼자서 감당하기 어려운 묵직한 고민의 짐을 내려놓는다. 결국 그는 어머니 거트루드(김소현 분)의 행복을 위해 선왕을 죽인 숙부 클로디어스(이동학 분)를 양부로 받아들인다. 햄릿과 오필리아(박은솔 분)는 결혼해서 두 사람 사이에 자식이 태어난다. 귀여운 손자를 안아 보고 싶은 클로디어스가 관객에게 직접 아기 안은 방법을 묻는 장면은 ‘햄릿의 희극’에서 원작에서 볼 수 없는, 가장 재미있는 장면이다. 1막의 연극적 매력은 무대 밖의 현실 세계와 무대 위 극 중 세계 사이에 놓인 투명한 ‘제4의 벽’이 깨지면서 클로디어스가 체면을 내려놓은 ‘손자 바보’로 나오는 장면이다.

1막의 유쾌한 분위기는 웃으면서 즐긴 관객을 방심하게 만든다. 본격적으로 비극이 시작된다. 햄릿의 두 번째 선택. 2막의 햄릿은 원작에 드러난 우유부단한 면모를 보여주지 않는다. 그는 선왕 아버지의 혼을 달래주기 위해 최대한 빨리 복수를 실행한다.

햄릿의 세 번째 선택. 3막은 원작을 반영한 이야기다. 극 중 배우들의 연기가 정점에 이르면서 비극적인 효과는 배가 된다. 햄릿은 선왕을 죽인 숙부의 진의를 확인하기 위해 ‘곤자고의 암살’이라는 궁중 연극을 자신이 직접 연출한다. 햄릿 역의 예병대 배우는 공연작의 연출자다. 배우 겸 연출자가 햄릿이 되어 ‘극 속의 극’을 연출하는 장면은 비극 속의 소소한 희극적인 요소다. 

‘곤자고의 암살’ 공연이 진행되자 클로디어스와 거트루드, 햄릿과 오필리아가 함께 공연을 본다. 여기서 ‘곤자고의 암살’을 보는 네 사람의 표정 연기와 무언의 행동은 3막의 연극적 매력이 발산하는 장면이다. 클로디어스는 ‘곤자고의 암살’의 하이라이트인 독살하는 장면을 보는 순간 수상히 여긴다. 그러면서 거트루드와 귓속말한다. 이 장면은 거트루드가 선왕 암살의 공모자임을 암시한다. 햄릿에게 외면받은 오필리아는 슬픈 표정으로 공연을 본다. 햄릿은 자신이 연출한 공연을 유유히 바라본다. 하지만 공연은 안중에 없다. 그는 그토록 기다리던 복수의 순간을 기다릴 뿐이다. 복수는 햄릿이 진정으로 원하고, 반드시 진행해야 할 ‘희극’의 결말이다. 이 희극이 진행되면 클로디어스와 거트루드는 자신들이 예상하지 못한 ‘비극’의 주인공이 된다. 햄릿에게 버림받은 오필리아 역시 비극의 주인공이다. 3막에 비극과 희극이 공존한다. 네 사람 모두가 비극과 희극의 주인공이다.

극 중 음악 또한 관객을 사로잡는 연극적 매력이 될 수 있다. 햄릿이 선택의 기로 앞에 멈춰서서 고민할 때 90년대 초에 큰 인기를 끌었던 콩트 <이휘재의 인생극장>의 배경음악이 나온다. <이휘재의 인생극장>에서 이휘재가 연기한 주인공은 두 가지 삶을 선택한다. 콩트는 두 가지 삶이 어떻게 진행되며 어떤 결말에 이르는지 보여준다. 이 음악은 역재생된 상태로 나오는데 ‘시간을 되돌리는 순간’임을 강조한다.

‘곤자고의 암살’ 장면에서 나온 음악은 차이콥스키(Tchaikovsky)의 발레 모음곡 <호두까기 인형> 4악장 『꽃의 왈츠』다. 원작의 시대적 배경이 12세기라서 19세기 말에 만든 러시아 음악이 나왔다는 이유로 따지고 싶지 않다. 12세기 덴마크 궁정 내부에 어울릴만한 곡을 찾기 힘들다. 원작의 오필리아는 실성해서 미쳐버리고, 주변 사람들에게 꽃을 주면서 노래를 부른다. 그녀는 쓸쓸히 물에 빠져 죽고, 거트루드는 오필리아의 무덤에 꽃을 뿌린다. 즐거운 분위기의 춤곡 『꽃의 왈츠』는 오필리아의 죽음을 암시한 ‘귀로 듣는 복선’이다. 원작의 주제인 인생의 덧없음을 일깨우는 ‘죽음의 무도(Danse Macabre)’로 해석할 수 있다.

* 디트리히 슈바니츠 《슈바니츠의 햄릿: 그리고 이 작품을 문화적 기념비로 만든 모든 것》 (들녘, 2008년)

원작을 어느 정도 반영하면서 《햄릿》를 재해석한 것은 쉽지 않은 일이다. 더군다나 예병대 배우님은 《햄릿》을 70분으로 압축해서 만들었다. 종이로 된 《햄릿》과 무대 위의 《햄릿》은 다르다. 종이 《햄릿》은 얇고 가볍다. 마음만 먹으면 하루 만에 충분히 다 읽을 수 있다. 하지만 무대 위의 《햄릿》은 셰익스피어의 희곡 중에 제일 길다. 햄릿을 독자적으로 분석한 디트리히 슈바니츠(Dietrich Schwanitz)는 《햄릿》 공연이 보통 2~3시간 걸리기 때문에 저녁 공연으로 적합하지 않다고 했다. 따라서 무대 위의 《햄릿》은 종이 《햄릿》의 완전한 모습을 보여주지 못한다. 게다가 햄릿의 대사는 전체 분량의 40%에 이를 정도로 상당히 많다. 실제로 무삭제판 《햄릿》 공연극이 1899년에 선보였을 때 중간에 휴식 시간이 주어졌다. 

종이 《햄릿》를 무대 위에 올리려면 각본가와 연출자는 과감하게 원작을 해체해야 한다. 「햄릿, 나는 죽이지 않았다」에 잘린 유명한 장면은 햄릿이 궁정 광대 요릭의 해골을 쳐다보면서 탄식하듯이 독백하는 모습이다. 이 장면은 원작 5막 1장에 나온다. 포스터와 입장권에 요릭의 해골이 그려져 있다.

지난주 토요일은 비가 많이 내렸다. 그날 연극을 본 내 선택은 옳았다. 비극이 희극보다 재미있다는 견해에 동의하지만, 비극 같은 일이 실제로 일어나길 원하지 않는다. 당연히 희극 같은 일이 좋을 수밖에 없다. 연극이 끝난 후에 내 갈 길을 막아서던 비가 드디어 그쳤다. 연극으로 연기를 시작한 찰리 채플린(Charles Chaplin)은 “삶은 가까이서 보면 비극이요, 멀리서 보면 희극이다”라는 명언을 남겼다. 채플린 씨, 그날만 당신의 말이 틀렸어요. 종종 우리 삶의 희극은 가까이에 있거든요.

Swagspeare

대구 남구 대명동의 대명 공연문화 거리에 있는 소극장에 연극 공연을 본 건 이번이 두 번째다. 2020년 연말에 일반인을 대상으로 한 연극 공연 프로그램이 진행되었다. 페미니즘 독서 모임 <레드스타킹>을 통해 알게 된 배수정 씨가 연극 공연 프로그램에 참여하여 생애 처음으로 무대 위에 올랐다. 공연작은 페미니즘 희극의 고전으로 알려진 헨릭 입센(Henrik Ibsen)의 《인형의 집》이다. 

* 헨릭 입센 《인형의 집》 (민음사, 2010년)

수정 씨는 주인공 노라(Nora)를 맡았다. 공연을 보기 전에 대구 동네 책방 <서재를 탐하다>에 가서 《인형의 집》을 사서 읽었다. 그런데, 그런데 인상 깊었던 《인형의 집》 공연 감상문을 쓰지 않았다. 그날 내가 미망(迷妄)에 빠졌구먼.

서점 <일글책>에서 진행되는 고전 읽기 모임은 매주 토요일에 한다. <일글책>은 대명 공연문화 거리 근처에 있다. 서점 주인장은 연극 공연을 즐겨 본다. 지난주 토요일에 고전 읽기 모임 회원들과 함께 <우전 소극장>에서 열린 셰익스피어(William Shakespeare)의 희극 《한여름 밤의 꿈》을 봤다.

* 윌리엄 셰익스피어, 최종철 옮김 《한여름 밤의 꿈》 (민음사, 2008년)

[셰익스피어 희곡 전집 출간 400주년 기념 에디션]

* 윌리엄 셰익스피어, 최종철 옮김 《한여름 밤의 꿈》 (민음사, 2023년)

* 윌리엄 셰익스피어, 오수진 옮김 《한여름 밤의 꿈》 (한국외국어대학교출판부 지식출판원, 2018년)

책벌레인 나는 무대 위의 희극을 제대로 맛보고 싶어서 애피타이저로 종이 위의 희극을 눈으로 먹었다. 2019년 8월 마지막 목요일 밤이었지. 그날에 <우주지감-나를 관통하는 책 읽기> 모임이 진행되었는데 선정 도서가 《한여름 밤의 꿈》이었다. 번역본은 민음사 판본이었다. 민음사 판본의 대사는 운문 형식으로 이루어진 원작의 맛을 느낄 수 있게 번역되었다. 역자에 따르면 희극의 시적 대사는 음악성을 효과적으로 전달할 수 있다. 하지만 소리 내어 읽어 보면 생생함이 느껴지지 않는 대사들이 있다. 민음사 판본처럼 ‘읽기 위해 만들어진 극 작품’은 공연용 대사로 쓰기에 어색하다.

* 윌리엄 셰익스피어, 오세곤 옮김 《한여름 밤의 꿈》(예니, 1999년)

반면에 연극인이 번역한 극 작품의 대사는 소리 내어 읽기에 아주 좋다. 연극계의 원로 오세곤이 번역한 《한여름 밤의 꿈》은 출간된 지 꽤 오래됐다. 하지만 종이 극장을 펼치면 극 중 인물들의 대사가 눈앞에서 살아 움직인다. 오세곤이 번역한 대사는 전체적으로 간결하며 감탄사가 많이 나온다. 24년이나 지났는데도 대사가 극 중 인물이 되어 여전히 열연을 펼치고 있다.

‘극단 폼’이 제작한 《한여름 밤의 꿈》 배우들의 연기 폼이 미쳤다. 동작과 대사 모두가 통통 튀고 발랄했다. 관객들이 단번에 알아들을 수 있는 신조어나 재미있는 표현을 적절히 섞은 대사는 《한여름 밤의 꿈》 줄거리를 잘 모르거나 연극 공연을 처음 보는 관객들만 보이는 무대 앞에 세워진 어색한 장벽을 녹아내리기에 충분했다.

사실 셰익스피어는 ‘섹스피어’다. 셰익스피어의 극 작품들을 읽어 보면 성적 암시가 들어간 대사를 확인할 수 있다. 1818년 영국에 어린이들이 보기에 안 좋은 외설적 대사나 잔인하게 묘사된 장면이 삭제된 ‘건전한’ 셰익스피어 작품 전집이 나왔다. 대사가 삭제된 셰익스피어 작품 전집은 ‘문학 검열’의 사례로 거론된다. ‘극단 폼’이 각색한 《한여름 밤의 꿈》은 ‘어른을 위한 희극’이다. 내가 보기에 섹드립은 간간이 나왔고, 과장되지 않은 아주 순한 맛이었다.

* 윌리엄 셰익스피어, 최종철 옮김 《로미오와 줄리엣》 (민음사, 2008년)

《한여름 밤의 꿈》을 ‘눈으로 읽는 고전’으로만 생각하면 공연을 즐길 수 없다. ‘극단 폼’ 《한여름 밤의 꿈》은 원작을 제대로 파괴했다. 극 후반부의 백미인 결혼식 중에 펼쳐지는 우스꽝스러운 공연극 ‘피라모스와 티스베(‘로미오와 줄리엣’의 원형)를 덜어냈다. 노래방에서 신나게 노래를 부르는 티타니아(Titania)의 모습은 공연을 보러 온 관객들이 예상하지 못한 웃긴 장면일 것이다. 

누군가는 고증을 무시할 정도로 원작을 심하게 파괴한 것 아니냐고 따질 것이다. Why not? 스웩(Swag)[주]이 넘치는 배우들의 연기가 좋았구먼. 불만 있으면 셰익스피어에게 따져라. 고대 로마를 배경으로 한 셰익스피어의 비극 《줄리우스 시저》에 영국식 자명종 시계가 나온다.

공연은 결혼식장에서 들리는 ‘축혼 행진곡’이 흘러나오면서 끝난다. 축혼 행진곡은 멘델스존(Felix Mendelssohn)의 관현악곡 <한여름 밤의 꿈>의 7번 곡이다. 비록 잠깐 나오는 배경음이지만, ‘극단 폼’이 원작을 제대로 이해하고 고증하고 있음을 알 수 있는, 멋진 마무리였다. 

[주] 스웩은 《한여름 밤의 꿈》에서 처음 나온 단어다. 셰익스피어, 힙하다, 힙해!