인상주의 화가의 삶과 그림에 대하여~

인상주의 화가의 삶과 그림
시모나 바르톨레나 지음, 강성인 옮김 / 마로니에북스 / 2009년 2월

인상주의 화가의 삶과 그림에 대하여~

인상주의는 가장 널리 사랑 받는 미술 유파 중의 하나다.

어쩌면 미술계의 혁신이라고 할 수 있었던 인상주의.

개인적으로 가장 좋아하는 유파여서 일까.

모네, 르누아르, 드가, 피사로, 마네, 드가, 르누아르, 고갱, 고흐, 세잔, 쇠라, 시냐크......

인상주의 화가들이 즐겨 그린 주제와 그들의 화풍을 담은 책을 볼 때 마다 매력적인 그림들 속으로 빠져 들게 된다.

인상주의(Impressionism)는 르네상스 이후 최초의 총체적인 미술혁신이다. 1960년 초 프랑스에서 발생하여 1886년을 기점으로 순수한 의미의 인상주의는 끝이 나지만, 이후 모든 미술의 방향을 결정하게 되는 중요한 미술사조이다. 인상주의는 르네상스 시대의 산물인 원근법, 균형 잡힌 구도, 이상화된 인물, 명암 대조법 등을 거부함으로써 미술 전통에 혁신을 가져왔다. 인상주의자들은 기존의 미술기법을 거부하고 색채와 빛을 통하여 찰나의 시각적 감각을 표현하려 했다.

인상주의는 19세기 후반 과학과 산업의 발달이 가져온 시대적인 산물이다.

파리는 변화의 중심이었고 부르조아 계층은 새로운 예술 컬렉터로서 미술시장을 형성하기 시작했다.

살롱과 호랑에서는 화가와 예술 애호가들의 끈끈한 관계가 형성 되었다.

인상주의의 역사는 구상 회화의 틀 안에 가두어 생각할 수 없다.

사실주의 소설과 상징주의 시로 이어지는 문학, 바그너의 오페라에서 드뷔시의 아름다운 멜로디로 이어지는 음악, 그리고 철학적인 사상을 아우르는 꽃이 만개한 듯 당시의 풍성한 문화적 풍토 안에서 인상주의를 해석해야 한다. (본문 중에서)

작품의 세부는 정교한 묘사에 의해 나타나는 것이 아니다. 화면을 비춘 밝은 빛, 혹은 화면을 얇게 덮은 투명한 그림자의 상호작용을 통해서 작품 속 세부가 드러나기 때문이다. 빛과 그림자를 느끼기 위해서는 스스로 빛과 그림자가 되어야 한다. 인상주의가 빛과 그림자를 담는 힘을 가질 수 있었던 것은 대상의 일부분을 정교하게 묘사한 것이 아니라, 붓질을 통해 자연의 움직임을 새롭게 재창조하는 기쁨을 표현했기 때문이다. -스테판 말라르메

당시 신고전주의 화풍의 규율에 맞춰 작품을 제작하던 방식에서 차츰 사실주의 회화에 문을 열어주면서 혁명적인 화가들이 모여들게 되었다.

장 프랑수아 밀레와 테오도르 루소를 중심으로 형성된 일련의 화가들은 퐁텐블로 숲의 강가에 모여 작업을 하게 되었다. 일명 바르비종파.

아틀리에에서 벗어나 야외로 나가 자연을 그리게 되면서 눈에 보이는 대로 자연을 표현하고자 했고 그들의 피나는 노력 끝에 인상주의는 꽃을 피우게 되었다.

당시 <르 샤리바리> 잡지 기사에, 루이 르루아는 모네의 작품 <인상-해돋이>의 제목에서 착안하여 인상파 화가들의 화법을 조롱하는 의미로 '인상주의라는 단어를 처음 사용하였다.

마네가 인상주의의 정신적 후원자 역할을 했다면 조르주 쇠라와 폴 시냐크는 '과학적 인상주의' 라는 이름으로 점묘법을 선보이는 파격을 실험한다. '

모네는 초기 작품부터 빛과 색채에 대한 뛰어난 감각을 보여 주었다. 쏟아지는 햇살을 받아 빛나는 아름다운 풍경과 해질 녁의 잠깐 동안 볼 수 있는 노을의 매력, 해 뜰 때의 아침노을의 빛의 번짐을 즐겨 표현했다.

르누아르는 인물의 자세한 묘사보다는 햇살과 그림자기 나타내는 효과를 나타내기 위해 의상에 주안점을 많이 두었고, 드가는 신체의 운동감이나 빛과 색의 효과를 끊임없이 연구했다.

350 점이 넘는 인상주의 화가들의 대표작들을 보고 있으면, 순간적인 빛의 변화를 그렸던 화가들의 노력을 생각하게 된다. 그들의 사물에 대한 몰입과 섬세한 붓질을 보고 있는 듯하다.

이 책은 매혹적인 색채를 사용하며 작품의 완성도를 높였던 인상주의 화가들의 테크닉, 삶, 빛과 자연의 색채를 담은 이야기다.

시대의 어두운 면과 밝은 면, 피할 수 없는 모순들, 사회적 문화적 제약들까지 당시의 시대상황을 아우르며 태어난 인상주의를 재조명하고 있다.