개신교와 서양미술의 변화

종교개혁과 미술
서성록 외 지음 / 예경 / 2011년 9월

"종교개혁과 미술"이라는 제목이 흥미로워 오래전부터 읽고 싶던 책인데, 상호대차시스템을 통해 빌리게 됐다.

미술보다는 종교개혁에 방점을 찍은 책이다.

표지의 개성적인 인물은 크라나흐가 그린 루터이다.

융커 외르크라는 가명을 쓰고 바르트부르크 성에 숨어서 라틴어 성경을 독일어로 번역하던 시절의 루터이다.

흔하게 보는 초상화는 아니라 아주 인상적이다.

여러 저자들이 종교개혁 시대를 살아간 7명의 인물들에 대해 쓴 책이라 관점이 약간 다른 부분도 있지만 전체적으로는 통일성을 잘 갖췄다.

150 페이지의 짧은 분량에도 당시 유럽의 격변기를 살다간 종교개혁가와 화가들을 예술사의 관점으로 잘 설명한다.

저자들이 개신교인이라 그런지, 가톨릭과 다른 개신교적 교리를 화가들이 어떻게 표현했는지에 중점을 둔다.

루터나 칼뱅은 종교개혁가이니 그렇다 쳐도, 뒤러와 크라나흐, 홀바인, 브뢰헬, 렘브란트 등의 화가들이 개신교도라고는 생각해 본 적이 없어서 신선했다.

이들도 성서적 주제를 그렸지만 확실히 이탈리아나 프랑스의 가톨릭 사회의 화가들과는 관점이 다른 것 같긴 하다.

나는 네덜란드가 중산층 시민 계급이 사회를 주도하면서 화가들의 미적 관점이 변했다고만 이해했는데 저자들은 이 화가들이 프로테스탄트적 교리를 받아들이면서 다른 종류의 그림을 그리기 시작했다고 본다.

루터는 선행이 아닌 믿음으로 구원을 얻는 것이고, 구원은 자신의 행위가 아닌 예수 그리스도의 희생을 통한 선물이자 은총이라고 했다.

루터는 종교예술을 거부하지 않았고, 칼뱅도 성상 숭배는 금지했으나 하나님이 만든 세상을 아름답게 그리려는 인간의 예술적 본능은 긍정했다. 

네덜란드 사회에서 성인 대신 주변을 그리는 장르화가 유행한 것도 이런 이론적 배경이 있었던 것이다.

<인상깊은 구절>

20p

루터에 따르면 사람들이 이미지를 느끼고 그림을 그리는 것은 피할 수 없는 것이다. 어떤 형태를 만드는 것을 '자연적인 인간심리 과정의 부분'으로 간주했기 때문이다. 기독교 예술은 이러한 인간 성형의 연장 선상에서 이해할 수 있다. 그는 "십자가와 성인들 같이 기념 및 증거를 위한 형상들에서 본는 것과 마찬가지로 기념과 증거를 위하여 그것들은 칭송할 만하고 귀중하다"고 보았다. 또한 성서의 이야기를 묘사하는 그림은 성서의 글과 유사한 방법으로 교훈을 줌으로써 하나님의 구원을 상기시키는 역할을 하므로 긍정적인 가치를 지닌다고 평가했다. 

53p

"우리는 정신에 의해 살고 그 외에는 죽음에 속한다"라는 명문을 적어 넣었다.

58p

크라나흐가 루터를 도우면서도 그와 적대적이었던 상대진영으로부터 작품 의뢰를 받은 것은 그가 종교적, 정치적으로 주변 인물들과 깊이 연루되기보다 당대 최고의 화가로서 다양한 주류계층에게 선호된 것으로 생각된다. 그는 선제후로부터 귀족이나 왕족, 고위 성직자들만이 지닐 수 있었던 개인문장을 갖는 특권을 선제후로부터 부여받을 정도로 명망이 높았다.

61p

인간의 죄가 그리스도의 피로 깨끗이 씻어지고 누군가의 중재 없이 그리스도를 통해 직접 구원됨을 나타낸다. 이는 가톨릭에서 성인이나 마리아의 중재와 개인의 선행을 통해 구원될 수 있다는 주장과 정반대된다. 루터가 오직 주님의 은총을 통해서만 구원이 이뤄진다고 한 것과 연결된다. 

67p

루터는 신앙고백이 신자의 영혼을 깨끗하게 하여 영성체를 받게 하는 정화의식도, 하나님을 기쁘게 하는 제스처도 아닌, 죄 있음을 다른 사람 앞에서 인정하는 것이라고 했다. 루터에게 죄를 인식하고 용서를 바라는 것은 보상받는 인간의 행위가 아니라 오직 믿음으로 이뤄지는 것이었다. 따라서 믿음이 선행되어야 하고 믿음을 갖게 되면 회개와 위로가 뒤따른다는 것이다.

94p

칼뱅은 조국인 프랑스에서 추방되어 스위스의 제네바에서 교회와 사회의 개혁을 이루었다. 루터가 자신의 조국인 독일에서 영주들의 후원을 받아 교회개혁에 성공한 것과는 대조적이다. 그래서인지 루터교회가 정치적으로 보수적인 반면, 개혁교회는 매우 진취적이다. 루터교회는 16세기 농민전쟁 때 독일의 영주들 편에 섰을 뿐만 아니라, 대체로 독일 국가와 친밀한 관계를 유지해 왔다. 그러나 개혁교회는 처음부터 가톨릭 편인 프랑스 국가의 박해 속에서 살아 남아야 했다. 칼뱅 자신도 제네바에 정착한 후, 그곳의 토착 귀족들과 치열하에 투쟁하면서 교회의 영향력을 키워 갔다. 이러한 초기 조건이 칼뱅을 따르는 네덜란드와 스코틀랜드의 개혁교토들을 시민적명의 주도세력으로 만드는 데 큰 영향을 주었을 것이다.

99p

유아세례와 국가의 정당성을 부정하여 심한 박해를 받은 재세례파도 마찬가지로 성상을 우상 숭배로 받아들였다. 그 결과 루터교회를 제외한 유럽의 개신교회로부터 모든 성화와 조각이 제거되었다. 반면에 성화를 제외한 미술은 오히려 장려했기 때문에 개혁교회가 뿌리내린 네덜란드와 영국에서 바로크 미술이 꽃을 피우기도 했다.

101p

인문주의는 고대의 문화유산을 로마 가톨릭교회의 스콜라주의와는 다른 새로운 방식으로 해석할 수 있게 해주었고 종교개혁을 준비하는데 크게 기여했다. 인문주의가 중세 후기의 위기를 극복하기 위해 재발견해 낸 것이 바로 고대 그리스, 로마의 수사학 전통이었다. 

103p

칼뱅은 하느님 자신을 묘사하려는 유혹에서 벗어나 세계의 아름다움을 표현하는 예술을 하나님께서 주시는 성령의 탁월한 은사들로 생각했다. 그는 예술이 죄에 의해 깨어진 세상보다 더 높은 현실, 즉 타락 이전의 창조의 아름다움을 보여주는 역할을 한다고 믿었다. 따라서 칼뱅은 하나님의 영광과 신성이 나타난 창조 세계를 미적으로 표현해야 한다고 생각했다. 칼뱅의 영향 아래 당시까지 교회로부터 '세속적'이라고 비판받던 자연이나 일상생활의 아름다움을 그리는 회화가 네덜란드와 영국에서 발전했다.

113p

네덜란드인들에게 미술이란 포장되어 팔리기에 충분할 만큼 작은 상품으로서 사고파는 시장 활동과 따로 떼어 생각할 수 없었다. 그 때문에 많은 작품을 팔기 위해 감상자층을 확대하는 것이 무엇보다 중요했다. 이 점이 네덜란드 화가들에게 도덕적 교훈을 제공하며, 감동을 자아내게 하는 주제와 이를 뒷받침하는 명확하고 서술적인 방식들을 선호하도록 했던 것이다. 

119p

"가감 없이 거기에 겨울이 존재함을 인정해야 할 것이다

그 경우 행복은 한동안 힘들어지거나 불가능하게 될 것이다

행복의 부재는 불행이 아님을 상기하자

불행이 가능하다는 것, 불행을 생각할 수 있는 것

혹시 올 겨울이 우리에게 다가올 수도 있음을 받아들이자

삶을 지속하거나 기다리기를 지속하는 것, 아니 기대를 품고 사는 것이다"

(삶이 그대를 속일지라도 슬퍼하거나 노여워하지 말라, 슬픈 날은 참고 견디라, 기쁜 날이 오고야 말리니, 푸쉬킨 시랑 같은 맥락인가? 인생은 고단한 것이라는 정규재씨 말이 생각나는 대목이다)

바로 이러한 맥락으로 인해 브뢰헬이 매우 사실적인 방식으로 가난한 농부의 현실을 묘사할 때조차, 화면에는 지긋이 배어 나오는 낙관과 소망의 정서가 형성될 수 있었던 것이다. 브뢰헬의 세계는 신비로운 낙관주의에 기초하고 있다. 그 존재의 심연에서 신앙의 뜨거운 열망이 식지 않고 있었기 때문일까?

123p

브뢰헬은 당시 네덜란드에서 화가로 잘 알려져 있었다. 많은 사람이 그의 그림을 좋아했고 구매하기 원했다. 사람들은 그의 따뜻한 감성과 신랄한 태도, 천부적인 상상력을 통해 재현된 성서의 이야기와 도덕적 교훈을 즐겼다. 이는 특히 오늘날과 같이 '저자의 죽음'이 보편적 담론이 된 시대에 예술가가 자신의 삶 자체로 쌓아 온 신뢰와 유대감의 힘, 곧 시민들에게 다가서고 교감하도록 했던 잠재력에 대해 새삼 환기하게 한다. 가톨릭과 프로테스탄트 사이에서 야기했던 분열과 혼돈의 상황 속에서 그의 그림들은 언제나 변함없이 동족과 시민과 농민의 편에 서 있었다.

(브뢰헬이 과연 자신의 종교적 신념 때문에 가톨릭 성화 대신 농민 그림을 그렸을까? 그가 태어난 사회과 신교적 가치가 지배하는 곳이고 구매자들이 프로테스탄트 그림을 원해서이지 않았을까?)

124p

브뢰헬은 오늘날의 우리에게 진정한 예술에 내제될 수 있는 창조적 지성의 역량에 대해 진지하게 생각하도록 이끈다. 모든 예술가에게 해당되는 것은 아니지만, 도로시 세이어스의 말에는 당위성이 부여된다. 진정으로 창조적일 때, 예술은 그 자체로 개혁일 수밖에 없기 때문이다. "예술가는 그 주요 전제에 손을 올려놓고 세계의 토대를 흔들어놓는다. 그가 이런 위험한 일에 몰두할 수 있는 것은 자기 집이 이 세상에 있지 않고 영원한 하늘에 있기 때문이다."

창조적 지성이야말로 기독교 교리의 핵심임을 그녀는 확인한다.

(세상을 바꾸는 힘, 자기 시대를 견인해 가는 힘, 인상파와 입체파 정도일까?)

125p

예술은 오로지 '자신만이 그 궁극'이라는 오만방자한 담론으로부터 멀리 떨어여 나와 창조의 심오한 근간인 시간과 영원이 한 인격체 안에서 화해되는 사건과 결부되기를 소망해야 한다.

 이 글은 왜곡된 규범과 혼란과 폭력이 지배적이었던 시대이자 어느 때보다 변화의 욕구가 높은 개혁과도기를 살았던 한 화가가 자신의 그리기를 통해 어떻게 창조적 지성을 구현했으며, 그것으로 어떻게 자신의 시대에 기여했던가를 살피는데 그 의미를 두었다.

127p

화가의 관심은 특정한 사람들에게만 향하지 않고 모든 계급과 지위의 사람들을 주제로 하여 표현하기 시작했다. 현대인들이 쉽게 이해할 수 없는 이 현상은 그때의 인간관이 지위고하에 따른 신분 차별적 인간관이었다는 것을 말해준다. 서민이 그림에서 주연으로 등장하게 된 것을 단순히 명석한 화가들의 통찰에서 비롯되었다고 주장하는 것만으로는 설득력이 부족하다. 인간이 인간으로 조명된 것은 종교개혁자들의 인간에 대한 새로운 정의가 있었기 때문이다. 인간은 '하나님의 가장 높고 가장 풍부한 계시'라는 통찰에 도달하지 않고는 그런 인식은 나올 수 없었을 것이다.

132p

렘브란트를 촉망받는 화가로 만든 이유는 따로 있었다. 그는 시장의 딸과 결혼하여 유력인사들과 친하게 지내는 등 사회 관계망을 넓혔다. 그의 출세를 귀족집안 출신 아내와의 결혼으로만 돌리는 것은 무리가 있지만, 아무튼 사스키아를 만난 덕에 그의 평판이 높아졌고 재력까지 거머쥐게 되었다는 사실은 부인하기 어렵다. 달라진 그의 위상은 자화상에서도 찾아볼 수 있다.

<오류>

65p

도판 설명 "코니크리크 박물관, 안트베르펜"

-> 코니크리 박물관이란 곳이 도대체 어딘가 했더니만 안트베르펜 왕립미술관이었다. 

koninklijk 란 말이 loyal, 즉 왕립이란 뜻이었다. 이 정도는 번역을 해주면 좋을 것 같다.

도판은 훌륭하나 번역이 아쉽다

메트로폴리탄 박물관 가이드북 - Korean 한국어
메트로폴리탄 미술관 지음 / 사회평론아카데미 / 2014년 8월

도판은 너무 훌륭한데 번역의 수준이 아쉽다.

처음에는 내가 이해를 못하나 싶었는데 읽으면 읽을수록 어색한 문장 때문에 가독성이 매우 떨어진다.

이를테면 이런 식이다.

364p

"벨터의 자연 묘사의 개화의 꽃다발로 아름답게 꾸며진 벨터의 화려한 응접실 소파는 그의 가장 최고 전작품을 요약합니다."

찾아보니 역자 정보도 없다.

출판사의 무성의가 아쉽다.

이렇게 훌륭한 도록을 펴내는데, 좀 수준있는 번역자를 찾을 일이지.

읽기 편한 좋은 문장으로 재번역 되길 기대한다.

확실히 메트로폴리탄은 미술관이 아니라 박물관이다.

이 책 역시 회화 작품은 일부만 실려 있고 그 외 전 시대와 지역을 아우르는 인류의 위대한 예술품들을 골고루 소개한다.

널리 알려진 그림 외에는 도판 만으로는 솔직히 감상이 어렵긴 했다.

박물관에 직접 가서 유물들을 보면 물질 그 자체가 주는 강렬한 미적 감동을 느끼게 되는데, 작은 도판만 가지고는 제대로 감상하기가 어려웠다.

그럼에도 다양한 분야를 접하게 된 점은 장점이다.

메트로폴리탄 박물관에 갔을 때 제일 기억에 남은 전시실이 피어리드 룸이었다.

각 시대와 지역별로 실내를 장식해서 당시 주거 분위기를 잘 표현했다.

이 도록에서도 그 부분을 자랑스럽게 설명한다.

서문을 쓴 메트로폴리탄의 관장인 토마스 캠벨이 경영 실적 악화로 최근 물러났다는 뉴스를 봤다.

메트로폴리탄은 국가에서 운영하는 미술관이 아닌 만큼 관장에게도 CEO 같은 경제적 타산성이 요구되는 모양이다.

그와 더불어 지금까지 무료였던 관람료도 25달러로 책정됐다고 한다.

국가보다는 개인이나 시민 사회가 나서서 문화 정책을 펴는 걸 보면 확실히 미국은 자본주의의 최첨단 사회답다.

유물들도 거의 대부분이 기증받은 것들이다.

어떤 경로를 통해 기증받았는지, 구입했는지도 자세히 표기했다.

신생 국가였던 미국이 이렇게나 방대하면서도 질적으로 뛰어난 유물과 예술품을 갖게 된 것은 엄청난 경제력과 더불어 기증이라는 아름다운 전통이 있기 때문인 것 같다.

<인상깊은 구절>

15p

메트로폴리탄 박물관이 예술 작품을 수집하기 전부터 견지했던 이상은 예술은 감상을 통해 개인을 고양시킨다는 근본적인 사회적, 도덕적 전제였습니다. 개인의 사고가 고양되고 산업 및 제조업이 진보하면 더 나은 사회가 실현될 것입니다.

 메트로폴리탄 박물관의 사명은 기원전 8천 년까지 거슬러 올라가는 유물을 비롯 모든 문화권과 그 시대를 망라하는 인류의 가장 위대한 예술적 위엄을 나타내는 작품을 수집하는 것입니다.

 메트로폴리탄 박물관의 역사는 많은 면에서 미국 고유의 가치를 대변합니다. 그것은 포부, 시민의 의무감 및 심오한 관대함에 관한 이야기입니다. 수세기 동안 군주의 후원으로 구축된 유럽의 박물관들과는 달리, 1866년 7월 4일 파리에서의 점심식사 중 박물관의 구상은 시작되었습니다. 미국의 독자적인 박물관이 필요하다고 선포하였습니다. 그 자리에 동석했던 미국인 동지들은 그 목표의 실현을 위해 함께 맹세했으며, 4년 후 메트로폴리탄 박물관은 탄생하였습니다.

(왕조가 아닌 자유민이 대표를 뽑아 건국한 미국이라는 나라의 자부심과 가치가 이 박물관 탄생 비화를 통해서도 드러나는 것 같다. 확실히 미국은 자긍심을 가져도 될만한 나라다)

 1970년 설립 이래 메트로폴리탄 박물관은 일반 대중의 계몽에 전념하였습니다.

 메트로폴리탄 박물관의 역사를 통해 변하지 않은 것이 있다면, 그것은 학술 장려입니다. 소장품을 이해하지도 해석하지도 못한다면 우리는 문화재 창고 역할밖에는 못할 것입니다. 1906년 메트로폴리탄 박물관이 감행했던 이집트 발굴 조사를 계기로, 본 박물관의 고고학 연구 성과는 고대 문명 연구에서 중요한 역할을 했으며 우리가 출판한 수천 권의 서적 중 다수가 이 분야에서 권위를 인정받았습니다.

 박물관 설립 당시 이는 다소 진보적인 생각이었지만, 교회 또는 왕궁이 아닌 개인의 컬렉션을 일반 대중과 공유하겠다는 확고한 결의를 가졌던 기증자들의 뜻은 현재도 그 의의를 잃지 않고 계승되고 있습니다.

 인류의 가장 위대한 예술적 위업을 전시하여 일반 대중을 계몽하고 영감을 주고자 했던 메트로폴리탄 박물관의 설립 취지는 지금도 메트로폴리탄 박물관이 나아갈 방향을 제시해 줍니다.

236p

이탈리아에서 시각 예술계의 영향력 있는 인물이었던 조토는 사후에도 그 명성이 거의 도전받지 않고 남게 되었습니다. 그의 예술은 지금까지도 회화와 연관되어 있지 않은 지적 차별의 특성을 보여줍니다. 

<오류>

287p

잔 다르크는 보불전쟁(1879~71) 이후

-> 보불전쟁은 1870~1871년에 일어났다.

불상과 불교의 역사

나의 불교미술 이야기
배재호 지음 / 종이와나무 / 2019년 1월

국립중앙박물관에서 학예사를 했던 저자의 불교 미술 이야기다.

단순히 불상을 설명하는 수준에 그치지 않고 불상에 담긴 불교 교리와 역사를 설명해 주고 있어 불교 이해에 도움이 됐다.

기독교 교리는 현대 사회가 서구화 되기도 했고, 어려서부터 교회에 다녀 직관적으로 금방 이해를 하는데 불교는 솔직히 지금도 잘 모르겠다.

그저 문화적 관심 때문에 슬쩍 보는 정도라 불상이나 불화, 사찰 등을 제대로 감상하기 힘든 것 같다.

도솔천과 수미산, 욕계, 업보, 윤회, 보살 이런 개념도 이제서야 약간 감이 잡히는 정도다.

저자의 말처럼 우리 문화를 이해하기 위해서는 불교에 대한 이해가 선행되어야 할 것 같다.

문화재를 가지고 불교를 설명하고 있어 쉽게 이해되는 게 장점인 책이다.

한국은 대승 불교의 경전 위주라 석가모니가 출생한 인도 문화와는 거리감이 느껴지는 듯하다.

평범한 소시민들을 위한 컬렉터 이야기

샐러리맨 아트 컬렉터 - 저 같은 직장인도 미술품을 모을 수 있을까요
김정환 지음 / 이레미디어 / 2018년 11월

책을 좋아하지만 책 내용이 좋지 책이라는 물질 자체는 전혀 관심이 없다.

궁금하고 알고 싶은 분야가 무궁무진해서 기존의 책을 다시 보는 경우도 별로 없다.

그렇게 좋아하는 책도 도서관에서 빌려 보는지라, 예술품을 수집하는 것에는 아무런 관심이 없었는데 최근 약간의 호기심과 욕구가 생겨 읽게 됐다.

정말로 소유하고 싶다기보다는, 평범한 소시민이 나름 큰 돈을 들여 작품을 구매할 정도로 예술에 대한 지대한 욕구를 가진 그 심리가 궁금해서다.

어차피 자산가들은 내가 감히 흉내낼 수 없는 계층이므로 별로 궁금할 것도 없지만, 소시민적 컬렉터들은 어느 정도 예산을 세우는지, 어디서 작품의 정보를 얻는지, 생업과 예술에 대한 욕구는 어떻게 조절을 하는지, 보관은 어떻게 하는지 그런 사소한 것들이 궁금하고 마음을 나누고 싶어진다.

저자는 증권맨이면서 그림을 직접 그리고 평론을 하는 어찌 보면 두가지 직업을 가진 사람이라 단순한 독자인 나와는 또다른 계층인 것 같기도 하다.

본인이 직접 작업을 하는 화가이니 작품을 보는 안목이나 수집의 의미가 남다를 것 같다.

고무적인 것은 대부분의 작품이 100만원 미만이고, 많아도 500만원을 안 넘는다고 한다.

그러고 보니 얼마 전에 읽은 고미술 책에서도 삼국시대 토기 등이 100만원 안쪽이라고 했다.

1년에 한 번씩 작품을 구매해 보면 어떨까?

책에도 평범한 샐러리맨 부부 컬렉터 이야기가 나온다.

뉴욕 우체국과 도서관 직원인 보겔 부부가 한 사람의 월급으로 아껴서 살고 평생 2500 점의 작품을 수집해 미술관에 기증했다고 한다.

자녀가 없었을까?

아끼고 사는 것은 나도 얼마든지 할 수 있는데 자녀 교육 때문에 안 될 것 같다.

부부간의 합의도 중요하다. 

어쩜 이렇게 취미가 딱 맞는 사람끼리 부부가 됐을까?

훌륭한 화가들은 작품 수집도 열정적으로 한다는 대목에서 뭉클했다.

렘브란트의 수집벽은 파산을 맞을 만큼 어리석은 행동으로 거론되는데, 예술가들은 정말로 예술 그 자체를 사랑하는 사람들인 것 같다.

미술품 가격이 오를지 여부보다는 컬렉터로서의 기쁨을 느끼라는 주제가 마음에 든다.

저자가 가지고 있는 작품들을 설명해 주는 부분은 흥미로웠다.

그렇지만 솔직히 현대미술은 아직 제대로 이해를 못하겠다.

실제로 그림을 보면 느낌이 달라질 수도 있겠으나 도판과 저자의 설명만으로는 현학적이라는 느낌 뿐이다. 

어떻게 보관을 할 것인가에 대한 이야기도 나오는데, 미술품 자체가 곧 현금화 할 수 있는 재산이다 보니 매우 신중하고 까다롭게 보관법을 설명한다.

집에서 매일 볼 수 있는 것도 아니고 이런 수장고를 따로 만들어야 한다면 평범한 컬렉터들 입장에서는 보관도 쉬운 문제가 아닐 듯 싶다.

<인상깊은 구절>

27p

"모든 미술품은 교양있는 인류 전체의 것이다. 미술품 소유는 그것을 보존하려는 사려깊은 의무와 결합되어 있다." -괴테

52p

"인생에서 살아갈 만한 가치를 부여하는 어떤 것이 존재한다면, 그것은 아름다움을 감상하는 일이다." -플라톤

(아름다움이 우리를 구원할 것이라는 문구가 정말로 현실에서 뚜렷히 느껴진다)

107p

미술품은 두 가지 속성을 지니고 있다. 하나는 장식적 요소이다. 즉 작품의 크기, 무게, 재료, 매체, 물리적 상태 등의 외적 속성이다. 다른 하나는 지적 요소이다. 즉 작품의 미술사적 가치, 품질, 미술가의 창조적 역량 등의 내적 속성을 말한다.

111p

"영감은 아마추어를 위한 것이다. 나머지 사람들은 그냥 일을 하러 가야 한다. 모든 최고의 아이디어는 일을 하는 과정에서 나오는 것이다. 일 자체에서 떠오르는 것이다. 그렇게 아이디어가 찾아오는 것이다." -척 클로스

114p

미술품은 시대의 흐름에 따라 그 가치도 달라지기 마련이다. 사람들의 변하는 감성으로부터 미술품도 자유로울 수 없다는 의미다. 이를 감지하기 위해서는 세계 미술 시장의 흐름을 유심히 살피는 습관을 들여야 한다.

118p

먼저 미술 시장의 활성화 기능이다. 갤러리는 작가와 컬렉터 간의 상업적인 매개를 통하여 미술 시장을 활성화시키고, 새로운 미술 시장을 통하여 미술의 발전을 도모한다. 또한 지속적인 고객 확보와 관리를 하여 미술 시장의 기능을 유지시키고 확대한다. 이것이 갤러리의 기능 중 가장 중요한 역할이다.

 두 번째는 작가 지원 기능이다. 갤러리는 작가에게 전시 기회를 주고, 작품 판매를 하여 간접적인 자본을 지원하는 역할을 한다.

 마지막으로 문화 공간으로서의 기능이다. 갤러리의 가장 기본적인 목적이 작품 판매에 있으므로 이를 위해 작품을 전시하는 것이 일반적이지만, 한편으로는 전시를 통해 일반인들에게 훌륭한 미술품을 감상하게 하는 기능과 역할을 담당한다. 이 점에서는 미술관 못지 않은 문화적 기능을 수행하고 있다고 할 수 있다.

 갤러리스트의 가장 중요한 업무는 좋은 미술품 유통을 통해 미술 시장을 활성화시키는 것이다. 따라서 유능한 갤러리스트가 되기 위해서는 작품의 예술성, 작가의 가능성, 작품의 상업적 가치 등을 종합적으로 판단할 수 있는 능력이 필요하다. 

125p

오늘날에 어떤 물건이 예술품이 되기 위해서는 먼저 예술가가 그것을 예술품으로 선택하고, 명명해야 한다. 이후에 그 물건을 예술 제도 안으로 진입시키면, 미술관, 갤러리, 미술 비평가, 관람객과 미술 시장, 유명 컬렉터가 작품으로 인정하고 가치와 의미를 부여한다.

 오늘날 예술은 단순히 아름다운 완제품이 아니라, 과정인 것이 되었다. 그 과정 가운데서 작품의 매매도 중요한 단계를 이루며, 비로소 매매됨으로써 작품으로 인정받는다. 현대 미술품의 높은 가격에는 매수자가 작품 창작에 참여한다는 자부심과 스스로 창조자가 된다는 약간의 허영, 사치도 포함된다. 

142p

"모든 예술가에게는 시대의 각인이 찍혀 있다. 위대한 예술가는 그러한 각인이 가장 깊이 새겨져 있는 사람이다." -마티스

144p

삶과 재산, 명예를 걸고 자신이 선택한 화가들과 생사고락을 같이 한 그는 볼라르화랑을 열었다. 이곳은 아방가르드 예술의 중심지이자, 예술가들의 천국이 되었다. 무명 화가들을 위한 지속적인 전시와 작품 판매는 화가들의 꾸준한 작품 활동을 가능하게 했다. 그러나 볼라르는 그림과 화가를 단지 경제적 부를 이루는 도구로만 보지 않았다. 진심 어린 지원과 격려로 화가들에게 큰 위로와 믿음을 주었다. 세잔, 피카소 등 많은 화가들이 그에 대한 보답으로 초상화를 그려주었고, 볼라르는 세상에서 가장 많은 초상화를 남긴 남자가 됐다.

146p

이렇듯 과거에도 미술가들의 예술성을 발견하고 세상과 소통하도록 도와주는 화상이 존재했다. 그들은 작품이 당장 반응을 이끌어내지 못해도 묵묵히 작가들의 생활을 지원하고 지지하며 막역한 신뢰를 쌓아 나갔다. 시대가 쉽게 받아들여 주지 않는 작품에 끈기 있게 매달린 화가와 오랜 심적, 재정적 후원으로 인내한 화상에게 시대가 감응할 때, 시간을 초월하는 명작이 탄생할 수 있었다.

171p

피에르 술라주의 추상 작품은 어둠에서 반사됨으로써 존재하는 빛, 보이는 것의 재현이 아닌 존재와 실재에 대한 고찰, 자연의 흐름과 공간의 생성에 대한 순간적이고 영원한 기록을 담고 있다.

172p

"예술은 손끝의 재주가 아닌 정신의 소산이어야 한다. 학문과 교양을 통한 순화된 감성의 표현이 예술이기 때문이다." -장우성

 문인화에서 제시는 필수 요건이었다. 조선 시대에는 스스로 제시를 못 쓰는 화가는 화사가 되어도 진정한 화가로 인정받지 못하였다. 화면에 담긴 작가 고유의 철학적 이해와 공감을 위해서라도 제시를 반드시 병행하여야만 했다.

(시서화가 함께 공존하는 수묵화의 매력인 것 같다. 화가가 그림에 얽힌 시정과 추구하는 바를 제시로써 기록하고, 내용뿐 아니라 글씨 자체가 그림과 어우러져 하나의 멋진 예술 형식이 완성되는 것 같다)

187p

사진이 주는 매력은 재현의 의미보다는 역시 사물에 대한 재해석일 것이다. 내가 보면 그냥 평험한 물건이거나 자연 속의 한 장면인데, 사진 작가가 찍어 놓으면 그 물건에 감정이 실리게 되고, 미처 발견하지 못했던 이미지의 재해석이 묘한 매력으로 다가오는 것이다.

206p

"미술품은 지성을 갖추지 않으면 살 수 없는 재화입니다. 자신의 지성을 가시적으로 보여 줄 수 있는 것은 미술품밖에 없습니다. 자본력과 지성, 교양을 보여 주는 총 집합체가 미술품입니다. 미국, 유럽의 최고 상류층은 미술관 이사들입니다. 뉴욕 메트로폴리탄미술관 이사는 돈으로 살 수 있는 자리가 아닙니다. 작품을 보고, 구입하고, 사회에 기증하고, 그제야 자격이 생기는 명예의 자리입니다. 그들만이 누리는 폼나는 사회죠."

231p

"당신이 인지하고 있든 아니든 간에, 당신은 이미 당신이 가려는 길 위에 서 있다. 달리 부연 설명할 필요 없이, 이것이 내가 하고 싶은 가장 중요한 말이다." -아그네스 마틴

246p

"은행원들이 모이면 예술에 대해 이야기하고, 예술가들이 모이면 돈에 대해 이야기한다," -오스카 와일드

258p

김종학 작가는 화가들이 대체적으로 두 부류라고 말한다.

"첫째는 진지한 이들입니다. 자신을 엄격하게 몰아붙이는 이들이지요. 둘째, 인기에 영합하는 이들입니다. 가령 그림 팔아서 돈을 벌면, 예술품이나 골동품을 사는 게 아니라 재규어 자동차를 사는 사람입니다. 화가라면 이중섭, 박수근처럼 죽어서 그림값이 올라야지, 살아생전에 돈을 지녀서 무엇을 하겠어요?"

(진정한 예술가의 자존심과 자부심이 묻어나는 말이다)

326p

"당신은 옷이든지 그림이든지 어느 하나는 살 수 있어요. 다 살 수는 없어요. 입고 있는 옷차림이 유행에 좀 뒤진다 해도 신경 쓰지 마시고 튼튼하고 편안한 옷을 사세요. 그러면 당신은 절약된 그 돈으로 그림을 살 수 있을 거예요."

"하지만 제대로 된 양복 한 벌 사지 않는다 해도, 제가 갖고 싶은 피카소 그림을 살 만큼의 충분한 돈은 없을 겁니다."

"피카소는 당신에게 맞는 값이 아니죠. 당신 또래, 말하자면 당신의 동년배들의 그림을 사세요. 젊은이들 가운데는 언제나 좋은 화가가 있기 마련이죠."

돈을 절약해서 그림을 구입하라는 것과 비싼 작가들 말고, 동년배 작가의 비교적 저렴한 그림을 사라는 것이다. 헤밍웨이가 궁핍했던 시절의 조언임을 감안하면, 이런 조언은 지금도 여전히 귀담아 들을 필요가 있다.

프랑스 미술 500년

유럽 미술의 거울 프랑스
윤세홍 지음 / 청암 / 2019년 2월

이번 여름 휴가 때 근 20년 만에 파리를 다시 가게 됐다.

가기 전에 많은 미술책들을 읽으면서 열심히 공부했는데 막상 미술관에 가서 그림을 보려고 하니 방대한 양에 질려 제대로 감상도 못하고 온 것 같아 아쉽다.

여러 미술관이 다 좋았지만 특히 오르세 미술관에서 도판으로만 보던 인상파 작품들을 눈으로 봤을 때의 그 감동이란!

특히 마네의 그림은 크기도 대작이지만 너무나 선명한 색채감과 강렬한 평면성, 검은색의 사용 등으로 눈을 뗄 수가 없었다.

왜 마네가 인상주의의 선구자였는지 직관적으로 이해가 될 정도였다.

가장 의문이 들었던 점이, 이렇게도 수많은 작품들 중에서 왜 어떤 것은 명작이 되고 어떤 그림은 그저 그런 작품으로 남느냐는 것이다.

루브르나 오르세 미술관에는 유명한 작품들 외에도 좋은 그림들이 넘쳐났다.

명작의 기준은 무엇인가에 대해 생각해 보는 시간이었다.

벨 에포크 시대라는 말이 실감이 날 정도로 19세기 프랑스 미술의 풍성함과 선구적인 자세는 탁월했던 것 같다.

도서관 신간 코너에 프랑스 미술을 콕 집어 서술한 이 책이 있어서 반가운 마음에 읽게 됐다.

표지나 제목은 읽고 싶은 마음이 1도 안 들게 생겼는데, 짧은 분량에도 불구하고 프랑스 미술 500년을 잘 정리했고 이 작은 책에 도판도 비교적 많이 실렸으며, 인상주의 이후 현대 미술이 추구하는 바에 대한 철학을 잘 설명해 준다.

미술은 근대 이후 목적으로부터 해방되어 수단이 아닌, 예술 그 자체가 되었고 화가들은 장인에서 내면의 미적 욕구를 분출하는 예술가가 되었다.

선이 먼저인가 색이 먼저인가 하는 질문은 회화의 핵심은 형태가 아닌 색면 그 자체라 답할 수 있을 것 같다.

짧은 분량이지만 알기 쉽게 미술 사조와 철학을 설명해 주는 유익한 책이다.

50p

<최후의 만찬>은 당시 유행하던 프레스코 벽화 기법이 아닌 템페라 기법으로 그려져 바로 퇴색이 시작되는 등 그의 도전이 실패한 그림도 많다. 당대에 확립된 다 빈치의 천재 미술가적 이미지는 그의 작품이 얼마 남아 있지 않다는 것에 기인하는 바가 매우 크다.

62p

동시대 사람들로부터 '별 가운데 태양'이라고 불렸던 티치아노는 평생에 걸쳐 초상화, 풍경화, 그리고 신화적, 종교적 주제를 담은 작품들을 640여 점 남겼다. 그의 작품의 특징을 이루는 것은 분명하게 드러나는 색채주의며, 그는 일생 동안 그런 특징을 유지했다. 기나긴 생애의 마지막 무렵 그는 극적인 양식과의 단절을 완수했고, 그것은 이미 바로크적 특성을 향해 있었다.

126p

로댕은 이탈리아 르네상스나 중세 프랑스 조각으로부터 많은 자극과 감회를 받았으나, 그가 추구한 웅대한 예술성과 기량은 18세기 이래 오랫동안 건축의 장식물에 지나지 않던 조각에 생명과 감정을 불어넣어 예술의 자율성을 부여하였다. 그리고 이것을 훌륭하게 성취시켜 회화의 인상파와 더불어 근대 조각의 전개에 커다란 발자취를 남겼다. 그 이후의 조각계는 직간접적으로 모두 로댕을 출발점으로 시작되었다고 할 수 있다.

130p

코로는 그때까지 형성된 풍경화의 고전적 기법에 새로운 개인적인 시정을 불어넣었다. 그는 자연을 사실적으로 표현했지만 밀레나 쿠르베와 같은 방법으로 농부나 노동을 이상화하지 않았기 때문에 당시 고전주의자들과 낭만주의자들 사이의 논쟁 밖에 있었다.

134p

1845년까지만 해도 평론가와 컬렉터들은 코로의 작품에 그리 호감을 보이지 않았다. 그러나 몇몇 평론가들, 특히 보들레르, 고티에, 상플뢰리 등이 자연에 대한 그의 순수하고 진지한 태도와 사실주의에 기초하여 그림을 시처럼 그린다는 것을 알았다. 보들레르는 "코로는 현대적 양식의 풍경화를 개척하고 있다"고 평했다. 이 시기에 쿠르베와 밀레는 주변의 일상적인 장면들을 사실주의 방법으로 묘사했는데, 코로는 두 사람의 방법에 동조하지 않았다.

136p

고상하고 우아하며 교훈적이어야 한다는 당시의 지배적인 미적 규범과 상반되는 노동자나 평범한 사람들을 그리는 것에 대한 앵그르의 불만에 맞서 쿠르베는 "나에게 천사를 보여주면 나는 그것을 그릴 수 있다"라고 대답했던 것이다. 이것은 자신이 경험하지 않은 것은 결코 그리지 않겠다는 태도이며, 그 밑바탕에는 19세기 프랑스의 과학주의적 태도가 깔려 있다. 이런 점에서 쿠르베의 태도는 실증주의와 상응할 뿐만 아니라 에밀 졸라나 공쿠르 형제의 예술 이론에서 발견할 수 있는 과학주의와 연관을 맺고 있으며 그것이야말로 근대 정신의 발현이다.

140p

자연에 대한 로맨틱한 감정과 서정적인 정취가 바르비종파 그림의 특색이었다. 

141p

빛과 형태를 유희적으로 분석한 인상주의 화가들은 시야에 들어온 풍경을 이성적으로 재구성하려 하지 않고 순수 상태에서 얻어진 시각의 느낌만을 재현하고자 하였다. 

 인상주의 일파가 지향한 것은 자연을 하나의 '색채 현상'으로 보고, 빛과 함께 시시각각으로 움직이는 색채의 미묘한 변화 속에서 자연을 묘사하는 데 있었다. 당시 급속하게 기세를 올리기 시작한 실증주의와 사실주의의 흐름을 따라, 눈에 보이는 대로 대상을 재현하려는 운동이 일부 청년 작가들 사이에 일어나 옥외로 나가서 태양의 직사광선 아래 진동하는 자연의 순간적 양상을 묘사하는 일이 시도되었다. 그들에게 자연은 종래의 화가들이 나타낸 것처럼 그렇게 어두운 것이 아니었다. 그리고 그것은 고정된 것이 아니라 오히려 지극히 유동적이고 변화무쌍한 것이어서, 이들은 빛의 변화에 따라 전혀 양상을 달리하는 풍경과 그 속에 포함된 대기의 미묘한 뉘앙스를 표현하는 데에서 쾌감을 누렸다.

 제작 태도에 있어서는 필연적으로 자기들의 직관을 중시하고, 당초에 지향했던 대상의 객관적 재현의 범위를 벗어나 주관적인 감각의 반영에 전념하게 되었다. 인상주의가 미술 또는 사상에 있어서 근대적 감성의 해방 운동이고 객관주의에서 주관주의로 옮겨 가는 중요한 교량이라든가, 서유럽 사실주의 미술의 최종 단계이자 극치인 동시에 20세기 예술을 향한 가정이라고 하는 이유도 바로 여기에 있다.

146p

그들은 이른바 '외광파'로서 언제나 야외로 나가 그림을 그렸다. 따라서 자연계의 모든 색은 빛과 대기에 의해 생겨나고 변화하므로 물체 고유의 색은 없다는 결론에 이르고, 또한 사용하는 색채를 햇빛의 프리즘 분해에 의해 얻을 수 있는 7색으로 한정하려 하였다. 그들은 팔레트에서 검정과 갈색을 추방하고 그늘 부분에도 명도가 낮은 색채인 파랑과 보라를 사용하였다.

 빛의 광휘를 될 수 있는 대로 강조하기 위해 팔레트에서 그림물감의 혼색을 피하고 순색을 작고 짧게 칠하여 시신경을 자극하도록 하는 한편, 서로 다른 순색, 특히 보색 관계에 있는 색들을 세밀하게 병치시켜 색채의 선명함을 한층 강조하기 시작하였다. 이렇게 하여 약간 거리를 두고 보면 서로 인접하는 색들이 보는 사람의 망막 위에서 융합되고, 게다가 그 융합된 색조는 팔레트 위에서 명도가 떨어지는 혼색과는 비교도 안 될 정도로 선명한 색감을 보여 준다. 신인상주의는 인상주의 화가들이 경험 속에서 발견한 이 색채 원리를 더욱 철저화한 데서 출발하였다.

(왜 인상주의 그림들이 관람자의 마음을 확 사로잡는지 이해가 된다. 강렬하고 화려한 색채감이 본질이었던 것이다)

147p

쇠라의 경우 인상파가 경시한 화면 구성이나 형체의 질서를 다시 정밀하게 확보한 것은 신인상주의의 공적이라 할 수 있다.

152p

드가는 인상주의 화가였지만 시력이 나빠서 주로 실내의 정경을 그린 특이한 이력을 가지고 있다. 그는 신고전주의 대가인 앵그르에게서도 그림을 배웠는데, 앵그르는 그에게 "선에 충실하도록 하라"는 조언을 해주었다. 그 조언을 충실히 따른 드가는 소묘에 매우 뛰어났으며, 산업화되어 가는 근대 사회의 모습을 화려한 색채로 그렸다. 드가는 발레리나의 얼굴은 대충 그리는 대신 몸의 균형이나 독특하게 뒤틀린 자세 등을 섬세하게 나타냈다.

156p

쿠르베는 "회화는 본질적으로 구체적인 예술이다. 그것은 실재하는 사물의 재현에 의해서만 구성된다. 추상적 대상은 회화적 영역에 속하지 않는다"라고 주장하면서 사실주의 미학을 펼쳤는데, 이러한 회화 이념에 대한 반발로 상징주의 선언을 발표했다. 그는 예술의 본질적 원리는 "사상에 감각적 형태를 씌우는 것"이라고 주장했다.

 상징주의 미술은 인간의 내면을 강조하고 비합리성을 추구함으로써 일상적인 이미지의 왜곡과 비사실적인 우화 세계 및 주제의 기묘한 병치를 일으켰으며, 이는 19세기 중반 사실주의의 개념을 파기하는 것이었다. 현실적 주제보다는 신화적이고 신비한 주제를 도입하여 상상의 세계를 그리는 것은 어떤 감정이나 사고에 상응하는 조형 세계가 있다고 믿었기 때문이며, 해설이나 설명 없이 감정에 직접 영향을 미치는 미술에 대한 추구가 상징주의 화가들에게 가장 중요했음을 말해 준다.

159p

나비파는 색채 분석에 의존하여 대상을 그대로 묘사하는 인상파의 작품에 싫증을 느끼고 있었던 만큼, 화면을 하나의 창조라고 생각하고 종합적인 구성을 시도하여 자신의 사색을 전개하는 고갱의 작품 경향을 새로운 계시로 받아들였다. 평면적인 병렬이나 장식적인 구성을 채택했을 뿐만 아니라, 작가가 그리는 형태나 색채는 작가의 해석에 따라서 결정된다고 생각했다. 이들은 인상주의의 화풍과 이론으로부터 결별하고 자연을 직접 보고 그리기보다는 기억과 상상에 의존하여 작업하려는 의식적인 노력을 보였다.

 '종합'은 인상주의의 색채 분할과 그 기법의 해체적, 분석적인 경향에 반대하는 개념으로서의 종합을 의미한다. 고갱은 자연에서 광선과 빛의 효과를 탐구하는 데 전념한 인상주의 방식이 지극히 피상적이며, 사상이나 지적 사고를 소홀히 여긴다는 한계를 자각하였다. 그는 눈에 보이는 인상을 충실히 재현하려는 인상주의 기법이 대상을 오히려 해체시킬 위험이 있다고 판단하고, 인상주의가 해체한 색채의 단편들을 강한 윤곽선으로 두른 넓은 면으로 종합하였다. 그럼으로써 작가의 주체성에 기반을 둔 형태와 색채를 회복하고 궁극적으로는 주관과 객관의 종합을 목표로 하였다.

 회화 기법에 있어서는 명암이나 입체감의 표현이 없는 순수한 색면과 선을 토대로 구성 요소들을 거의 이차원적으로 배열한 새로운 장식적인 회화 양식을 추구하였다. 이렇게 이차원의 평면을 강조하는 종합주의의 기법은 주제의 느낌이나 기본 개념을 색면과 선이라는 형식에 종합시키고자 했다. 

 반면 에두아르 뷔야르와 피에르 보나르는 색채를 정성스레 다음어서 신변 제재를 정감있게 묘사하는 앵티미즘으로 나아갔다. '앵티미즘'이란 '친밀한'이라는 의미의 프랑스어 intime 에서 파생된 말로, 서양 근대 회화의 한 경향을 나타내는 용어이다. 일상적인 신변의 광경과 가정 내의 정경, 모자상 등을 제재로 삼는 가정적인 친밀감이 넘치는 회화를 말한다.

168p

야수파는 아카데미즘에 대항하며 인상파 이후의 새로운 시각과 기법을 추진하기 위해 순색을 구사하고 빨강, 노랑, 초록, 파랑 등의 원색을 굵은 필촉을 사용하여 병렬적으로 화면에 펼쳐 대단한 개성의 해방을 시도하였다. 새로운 색의 결합에 대한 기본적인 의도 때문에 이를테면 공기나 수목에 붉은색을 사용하는 등, 전통적인 사실주의의 색채 체계를 완전히 파괴했으며 명암이나 양감도 파기하였다. 격렬한 정신의 표현과 강렬한 색채는 고흐의 작품에서 강한 영향을 받았으나, 그림이 대상으로부터 독립된 색과 형태에 의한 하나의 조형 질서임을 확인시킨 점에서는 고갱과 나피파의 회화관에 연결되어 있다. 순수한 색채의 고양에 기초를 둔 야수파 운동은 결국 외계의 질서를 그대로 화면에 재현하는 것이 아니라 화폭을 자아 해방의 장소로 생각한 점, 그리고 색과 형태의 자율적인 세계를 창조하려 한 점 등에서 20세기 최초의 예술 혁명이었다.

(내가 인상파나 고흐, 마티스를 좋아하는 것도 바로 이런 강렬한 색채감 때문이다. 특히 마티스의 그림을 보면 디자인 일러스트레이션 같다는 생각이 들 정도로 기존 회화와는 아주 다른 느낌이 든다. 형태는 마치 색을 표현하기 위한 형식에 불과한 것 같다)

171p

마티스 역시 세잔의 누드화를 소유하고 있었을 정도로 세잔에 심취해 있었고, 피카소는 당시 미술계에서 가장 진보적으로 평가되면서도 화상들의 후원으로 경제적 여유를 누릴 수 있었던 마티스를 꽤나 의식하고 있었다. 그 때문에 피카소는 더더욱 마티스를 능가하는 보다 혁신적인 누드화를 구상하고 있었다.

 피카소로서는 야수파 화가들이 영감을 얻은 아프리카의 조각과 가면들을 보다 창의적으로 활용하는 것이 하나의 방법이었을 것이다.

173p

브라크는 무엇보다 대상에 뒤지지 않는 공간을 탐구하고 이른바 '물질화'하고자 했다. 피카소의 관심이 아직까지 대상에 머물러 있었다면, 브라크는 대상과 그 배경이 되는 공간의 경계를 허물고 새롭게 구축하는 데 몰두하고 있었다.

178p

1905년경부터 미술의 기본 목적을 자연의 재현으로 보는 것을 거부하며, 르네상스 이래 유럽 미술의 전통적 규범을 떨쳐 버리려 했던 미술 운동을 표현주의라 부른다. 표현주의 화가들은 예술의 진정한 목적은 감정과 감각의 직접적인 표현이며, 회화의 선, 형태, 색채 등은 표현의 수단에 불과하다고 주장하였다. 이들은 감정을 더욱 강력하게 전달하기 위해 구성의 균형과 아름다움에 대한 전통적 개념을 무시했으며, 형태, 색, 구도의 왜곡은 주제나 내용을 강조하는 중요한 수단으로 여겼다.

 19세기말 이전에는 감성적인 메시지의 명료한 전달을 위해 형식의 아름다움이나 구성의 조화가 종속되었기 때문에 전통적 규범의 완전한 파괴는 없었다. 뭉크는 불안, 공포, 애정, 증오와 같은 인간의 가장 근본적인 감정을 격렬한 색채와 왜곡된 선으로 표현한 화가로서 표현주의의 가장 대표적인 선구자 중 한 명으로 평가받고 있다.

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슈비터스에게 메르츠는 '시각으로 확장될 수 있는 모든 예술 형태'를 의미했으며, 이것은 쓰레기임에도 불구하고 조형성을 지닌 작품으로 승화되었다. 우연한 만남과 의외성, 미술적 생명력을 지닌 메르츠는 산업적 詩情 을 감지하게 되며 또한 추상적 차원으로 다가설 수 있는 가능성을 선보였다.