샤또 디켐을 맛보다

토요일 오후 2시, 와인 모임에 참가하는 11명의 사람들이 우리 집에 엄숙하게 모였다.
인터넷으로 주문한 그 유명하다는 샤또 디켐이 도착한 것이다.

일주일에 한 번, 각자 5유로씩 내는 회비로는 최고 50유로 정도의 와인을 맛볼 수 있다.
그 정도도 너무나 훌륭한 와인이겠지만, 여기는 프랑스, 여기서 마셔보지 못하면 한국 가서는 생각도 못 할 거라는 옆지기와 주변인들의 주장에 계 하는 것처럼 조금씩 돈을 모아 비싸고 유명한 와인을 맛보기로 한 것이다. 그러나 몇 천 유로씩 하는 진짜로 비싼 와인들을 넘볼 수는 없으므로 2~300유로 정도로 가격을 정했다.

와인 모임을 한다고 해서 모두들 와인을 잘 아는 것은 아니다. 3명은 와인 공부를 하러 왔고 한국서 학원도 다니고 일도 좀 하고 해서 어느 정도 알지만, 나머지는 거의 와인 초보나 다름없다.
그리고 나, 나는 종류에 관계없이 술 한 잔을 원샷하면 죽을 수도 있는 지경에 이르기 때문에, 술맛을 잘 모른다.
그래서 첫 와인을 선택할 때 모두들 샤또 디켐을 선호했다.
왜? 달달하거든!



CHATEAU D'YQUEM : 세계에서 가장 비싼 화이트 와인을 만드는 곳

얼마 전 샤또 디켐의 봄 여름 가을 겨울을 소개한 비디오를 보았다.
넓게 펼쳐진 포도밭과 성도 볼 만 했지만, 더 시선을 끌었던 건 쇠창살과 자물쇠로 무장된 꺄브(CAVE : 와인저장고)였다. 그 안에 온통 먼지와 거미줄로 뒤덮여 차곡차곡 쌓여 있던 엄청 많은 오래된 와인들...

이켐에서는 보통 수확기에 수확을 하지 않는다.
포도를 수확기에 따지 않고 그냥 두면 지나치게 익어서 결국엔 곰팡이가 피게 되는데, 이렇게 곰팡이가 자알 핀 포도만을 골라 따서 와인을 만든다. (전체 포도의 10~15% 정도, 나머지는 더 질이 낮은 포도주를 만들거나 버려진다.)
이 곰팡이를 '보트리티스'라고 하는데 수분은 증발시키고 당분은 농축되게 만들어 주는 구실을 한다.
보트리티스가 포도에 생기려면 밤에는 기온이 내려가 이슬이 내리고 낮에는 강한 햇볕이 습기를 모두 증발시키는 기후조건이 갖추어져야 한단다. 여기에 딱 맞는 곳이 바로 이켐이 생산되는 소테른(SAUTERNES) 지역이다.
어떤 해에는 이 기후조건이 맞지 않아서 와인 생산을 포기하기도 했다니, 기후가 얼마나 중요한 지 알 수 있다.




우리가 마신 것은 1981년산.
오래된 것일 수록 디켄팅(와인이 공기와 접촉해 숨을 쉴 수 있도록 따 두거나 밑이 넓은 병에 따라 두는 것)이 많이 필요하다고 하는데, 이것은 30분 정도면 족하다고.
발효 2 ~ 8주.
오크통 숙성 1년 반 ~ 3년 반.




코르크에 흠집을 내지 않고 따려고 시도하다가 물기를 흠뻑 머금은 코르크가 부스러져 병 안으로 떨어질 위험에 처해 할 수 없이 코르크 따는 칼을 써야 했다.
14도가 마시기에 적당한 온도.
너무 차게 마시면 와인의 맛을 제대로 느낄 수 없다.




맛과 향은?
만약 라벨을 가리고 무엇인지 모르는 상태에서 마셨더라면 이게 이켐인 지 알 수나 있었을까?
술 맛 모르는 나로서는 절대 알 수 없을 것.--;;
그러나 지금껏 마셔본 스위트 와인과 비교해 본다면 확실히 특색이 뚜렷했다.
꿀과 같은 단맛에 쌉싸름한 끝맛까지...

어, 옆지기가 그러는데 샤또 디켐이 루이뷔똥에 매각되었단다.
유명한 샤또들을 다 사 모으고 있다는데, 이켐이 얼마에 매각되었는지도 밝혀지지 않았다고.

프랑스의 유명한 샤또들은 프랑스 사람이 주인(실소유주)이 아니라 외국 사람인 경우가 많다고 한다.
샤또 라투흐 같은 경우도 주인이 룩셈부르크 왕자라니...

가격 268.70유로. 대략 35만원 돈이다.
한국에서는 얼마나 하는지 모르겠다. 1999년산이 50만원 대라고 들은 것 같다.

그리하여 우리는 주문을 하기도 전에 사다리 타기를 해야 했다.
와인을 다 마시고 난 후 벌어질 라벨과 코르크 마개 쟁탈전을 막기 위해...

[퍼온글] 존 버닝햄

전출처 : 책읽는나무 > [퍼온글] 존 버닝햄

존버닝햄(John Burningham)은 1937년 영국에서 태어났습니다. 버닝햄은 관습을 거스르는 것을 정상으로 받아드리기로 유명한 써머힐 초등학교를 다녔다고 합니다. 어린 시절부터 학교에서 친구들과 어울리지 않고 무심한 얼굴로 자기 혼자만의 세계에 빠져있는 아이였고 청년 시절에는 우방 야전 병원 근무로 병역을 대신하였대요. 런던의 센트럴 아트스쿨에서 미술 공부를 하여 학위를 취득하였으며 여기서 핼렌 옥스버리를 만나 1964년에 혼인하게 되었는데 이때 핼렌은 디자이너였으나 남편의 영향을 받아 그림책 일러스트레이터가 되었다고 합니다.

같은 해에 첫 그림책 <보르카>로 케이트그린 어웨이상을 수상하였고, 1970년 <검피의 아저씨의 뱃놀이>로 같은 상을 한번 더 받았습니다. 그림책 외에도 1966년 이후 12인치 * 8피트 크기의 벽화도 그리는 등 그는 벽화,전시,삼차원 모형,잡지 일러스트,광고 등의 프린렌서 디자이너로도 일을 하였답니다.
존 버닝햄은 간단한 글과 단순한 구성으로 충분히 심오하고 무거운 주제를 표현하는 작가입니다. 그의 그림은 선명하지도 않고 그리다 만 것 처럼 선으로 찍어서 그린것 같이 느껴지기도 하지만 그는 그림책 하나를 구상하고 완성하기까지 시간을 길게 잡는 작가로 알려져있답니다. 오랜 습작 끝에 그는 자신의 독특한 스타일을 구축하였고 어린이 그림처럼 서툰형태의 그림도 그가 의도적으로 어린이와 친숙할 수 있는 그림을 그려내려고 노력한 결과로 얻어진 것이 아니라 자신을 어린 시절로 돌려 보냈을 때에 우러나오는 느낌을 그대로 옮긴 것인듯 합니다.

그는 그림책 한권에 여러 가지 질감의 재료를 마구 섞어서 버무린다. 물감, 크레용, 고무수채물감, 파스텔, 목탄, 먹물, 갖가지 재료들을 사용합니다. 그림책의 언어도 갓 글을 배운 어린 아이의 말투처럼 짧고 어눌하지만,이야기의 간결한 짜임과 누적구성으로도 아이들이 쉽게 이야기에 다가설 수 있게 합니다.

아이들을 외롭게 하는 현실 세계에 반하여,아이들의 상상의 세계나 조화로운 놀이세계,외로움을 새로운 방식으로 표현하고 있는데 특히 그의 환타지 세계를 다룬 작품은 아이들의 호기심을 끌어내여 나름대로 자유롭게 이야기를 풀겠끔 상상의 여백을 늘 남겨두지요. 또한 관습을 비켜감으로써 통쾌함을 가져다 주기도 합니다. 존 버닝햄은 와일드 스미스,찰스키핑과 더불어 영국 3대 일러스트레이터에 한 사람으로 손꼽히고 있습니다.

1937년 영국 태생으로 어린시절부터 학교에 데려다 놓아도 친구들하고 어울리지 않고 무심한 얼굴로 자기 혼자만의 세계에 빠져 있는 아이였고, 청년 시절에는 병역을 기피하면서까지 세상의 소란으로부터 완강히 자신을 지키는 좀 독특한 성향의 사람이었다.
초등학교는 관습을 거스르는 것을 정상으로 받아들이기로 유명한 닐섬머힐 학교를 다녔다. 미술공부는 런던의 센트럴 스쿨 오브 아트에서 했는데, 거기서 헬린 옥슨버리를 만나 1964년에 혼인하게 되었다. 같은해에 첫 그림책 <보르카>로 케이트 그린어웨이상을 수상했다. 헬린 옥슨버리도 남편의 영향을 받아 그림책을 만들기 시작해서, 뛰어난 그림책 일러스트레이터의 한 사람이 되었다


내면을 들여다 보는 단독자


1937년 영국 남부의 아름다운 도시 서리에서 태어났다. 어린 시절부터 혼자 잇기를 좋아해 사람들과 잘 어울리지 않앗다고 한다. 초등학교도 대안학교로 유명한 섬머힐을 졸업했다. 병역의무를 지는 대신에 자원봉사 활동을 하였고 런던 센트럴 아트 스쿨을 졸업하고 이스라엘에서 인형극 애니메이션 작업을 몇 년간 하고난 뒤 1964년에 그림책 작업을 시작했다. 첫 작품 <깃털 없는 거위 보르카>로 담번에 케이트 그린어웨이를 받았는데 이 일을 계기로 그의 스타일을 본격적으로 살리기 시작했다. (출판사의 간섭이나 독자의 반향을 살펴야 하는 신인 입장에서 그러했다.) 그는 글과 그림을 모두 작업하면서 극도로 글을 아꼈고 독자가 보기에 불편한 구도와 이미지를 보였다. 또한 대부분의 책이 반복구조를 가지고 있으며 철저하게 어린이의 시각으로 세계를 본다. 심도 잇는 주제(예를 들면,  죽음, 환경문제, 장애자 문제)를 아무렇지도 않은 듯 다루고 있지만 그 안에는 가늠할 수도 없는 깊이가 담겨있다. 단적인 예로 <우리 할아버지>에는 다른 그림책이 그렇듯이 거의 글이 없고 예의 평면적이고 선이 흩어져 있는 일러스트레이션만이 있다. 그러나 죽음에 대한 모든 것이 담겨 있어 존 버닝햄이라는 거물에 대해 다시금 생각해 보게 한다. 이후 <검피 아저씨의 뱃놀이>로 케이트 그린어웨이를 한 번 더 받았고 영국에서 작업 중이다.

그림책을 통해 전하는 즐거운 깨달음

존 버닝햄은 1936년 영국에서 태어났다. 어린 시절에는 혼자만의 세계에 빠져 있는 공상적인 아이였다. 세일즈맨인 아버지를 따라 10군데가 넘는 학교를 다녔는데, 그 중의 하나가 섬머힐 학교이다. 런던 예술 공예 학교에서 미술을 공부했고, 여기서 나중에 부인이 된 일러스트레이터 헬렌 옥슨버리를 만났다.
존 버닝햄은 1963년에 출간한 자신의 첫 번째 그림책 <깃털 없는 거위, 보르카>가 1964년에 영국에서 전 해에 출간한 그림책 중에서 가장 뛰어난 그림책에 주는 케이트 그린어웨이 메달을 수상함으로써 일약 어린이 그림책의 세계에서 주목을 받게 되었다. 버닝햄의 그림책에는 소심하고, 혼자만의 상상 속에 살고 있는 인물들이 많이 나타나고 있는데, 자신의 분신이라고도 볼 수 있겠다.
그는 또 어린이 그림책 작가로는 드물게 그림책을 통해 사회적 쟁점들을 그려내고 있기도 하다. 첫 번째 작품인 <보르카>에서는 소외와 장애의 문제를, <지각대장 존>에서는 아이와 어른의 의사소통 문제를, <알도>에서는 소심한 아이의 상상 친구를, <야, 우리 기차에서 내려!>에서는 죽어가는 동물의 문제를 기차라는 소재를 통해 그려 내고 있다. 하지만 놀이적으로 표현하고 있어서 즐거움과 깨달음을 준다. 존 버닝햄은 브라이언 와일드스미스, 찰스 키핑과 함께 영국의 3대 일러스트레이터로 꼽히고 있다.

자유로운상상, 자유로운 표현

‘나는 어린이 책을 만드는 것이 즐겁다. 그 과정은 내가 최대한 자유롭게 일하며 내 자신의 아이디어를 실현시켜 주기 때문이다. 마찬가지로 나는 내 작품을 읽고 보는 어린이들이 최대한 자유롭게 자기 나름의 상상을 펼 수 있도록 지나치게 형식적이며 결말이 내려진 이야기를 그려내지 않으려고 노력하고 있다.’ 존 버닝햄(John Burningham)은 간결하고 쉬운 글과 소박한 그림을 최대한 활용하여 어린이들이 꿈꾸는 세계를 생동감 있게 그려낸다. 그의 그림책에는 상상과 현실을 넘나드는 주인공들이 등장을 하며 환상적인 사건이 들어 있다. 그리하여 우리는 현실세계에 있을 때에는 태연자약하고 무표정한 어린이들이, 상상의 친구와 놀고 환상을 경험하고 모험을 떠날 때에는 어린이다운 천진함과 기쁨 가득한 표정을 띄게 되는 그의 어린이들을 만날 수가 있는 것이다.


존 버닝햄의 생애

1963년 4월 27일에 태어난 존 버닝햄(John Burningham)은 현재 가장 주목 받고 있는 영국의 3대 일러스트레이터 중의 한 사람이다. 그는 관습을 따르지 않고 자유주의를 표방하는 것이 정상적인 것으로 유명한 썸머힐 학교(Summerhill School)를 다녔다. 자유주의적인 교육방침과 1950년대 영국의 반항적인 청년문화인 ‘앵그리영맨'과 사회주의 리얼리즘이 그의 예술활동에 크게 영향을 미친 것으로 보인다.
1956년에 런던의 센트럴 예술학교(Central School of Art)에서 본격적으로 미술공부를 시작했으며 1959년에서 1960년까지 1년 동안 그는 중동에서 애니메이션 인형 영화의 무대디자인, 모델, 인형을 만들었으며 London transport 와 The british transport commission에서 포스터를 디자인하기도 했다. 대학 졸업 후 예술가로서의 일을 하고자 하였으나 그리 성공하지는 못했던 것으로 보인다. 그러던 중 아동도서를 개발하기로 결심, 1963년 그의 첫 그림책 ‘깃털 없는 거위 보르카(Borka the adventure of goose without feathers)(1963)를 출판하였다. 이 작품은 그에게 영국에서 가장 뛰어난 그림책에게 주는 상인 ‘케이트 그린어웨이(Kate greenaway medal)’를 안겨주었고, 이 상은 버닝햄이 세계의 어린이들을 위하여 그림책을 쓰고 그리는 작가겸 일러스트레이터로서 그의 길을 가게 한 계기가 되었다.


작품세계

존 버닝햄의 그림책에는 상상과 현실을 넘나드는 주인공이 등장하며, 환상적인 사건이 들어 있다. 그러므로 그의 그림책을 읽는 어린이들은 저절로 환상의 세계 속으로 빠져들게 된다.


작가의 세계관 - 자유로움과 상상

앞에서 언급한 바와 같이 어린 시절 자유주의 교육을 표방하는 썸머힐 학교에서의 수학은 그의 세계관에도 영향을 주었다. 그는 날카롭고 예민한 시선으로 세상을 바라보고 있으며 이러한 모습은 그의 그림책에서도 엿보인다. 실제로 그는 부모와 어린이 사이의 소원한 관계, 자율에 대한 바람, 그리고 가끔은 어린이들이 지닌 파괴성(Destructrice)에 대해 관심을 갖는다. 그러나 그는 그림책을 통해 훈계하거나 가르치려 하지 않는다. 다만 타성에 젖은 것들이나 사회적 관습을 피하고 대신 꿈과 환상으로 아름답게 채색하여 보여주려 할 뿐이다. 버닝햄은 자유로운 상상을 극찬했으며 이러한 그의 생각은 그의 그림책의 형식과 내용에 직·간접적으로 영향을 주었다.

첫째, 버닝햄의 그림책들은 독자가 이야기를 이해하기 위해 직접 추측하고 이야기에 살을 붙이고, 연결짓도록 하는 복잡한 ‘열린 결말(open-ended)’을 지니고 있다. 이것은 이전까지의 그림책들이 독자에게 책 속의 내용에 대해 친절하게 이야기해 주는 직선적 서술 방식을 취했던 것과는 구별되는 점이다. 본문에서 주인공의 모험이 직접적인 글로 서술되지 않기 때문에 독자는 책을 읽는 과정에서 수동적으로 그림책의 이야기를 따라가는 것이 아니라 그들 나름의 방식으로 이야기를 창조하는 능동적인 참여자가 된다. 이렇게 미완성된 구조와 모호한 결말을 지닌 그림책을 오히려 독자인 어린이들의 정신활동을 자극하여 능동적으로 이야기에 몰입하게 하는 특징을 지닌다.

둘째, 버닝햄의 등장인물은 모두 다양한 형태의 환상 세계에 참여한다. 예를 들어 <지각대장 존>에서 존 패트릭 맥헤너시는 등교길에 여러 가지 이상한 경험을 한다. 즉 하수구에서는 악어를, 덤불에서는 사자를, 강에서는 파도를, 학교 교실에서는 선생님을 혼내주는 고릴라를 만나게 된다. <알도>나 <야! 우리 기차에서 내려>, <구름나라>에서도 어린이들에게 다양한 환상세계를 선사해주며 동시에 어린이들이 자유롭게 이야기의 진행에 참여하도록 독특한 형식을 취한다.

일러스트레이션의 특징


버닝햄의 그림은 솔직하고 순박하다. 그의 그림책 속에 나오는 인간과 동물들의 모습은 모두 어린아이가
마구 그려놓은 듯하다. 그의 그림들은 끊긴 듯하지만 연결되어 있는 짧은 선으로 되어 있어서 막히거나 딱딱한 느낌보다는 전체적으로 자유분방한 느낌을 준다. 버닝햄의 작품은 매 작품마다 콜라주 기법과 크레용, 파스텔, 펜, 컬러펜슬, 분필 등의 혼합 재료를 적절히 이용하여 새로운 화풍의 그림을 담고 있다. 이것은 장난스러우면서도 멋스럽게 표현되어 자유로운 상상의 세계를 효과적으로 담고 있다. 무엇보다도 버닝햄의 독특한 개성은 그가 자신의 그림책마다 적절하게 이용하고 있는 페이지의 대비이다. 즉 <물밖으로 나와 셜리>에서는 왼쪽 지면에 부모가 심하게 잔소리 하고 있는 현실이 옅은 파스텔 색조로 제시되고, 그 오른쪽 지면에는 셜리의 상상 세계가 화려하게 채색된다. 이렇게 성인의 세계와 어린이의 세계를 동시에 보여줌으로써 두 세계가 동시에 존재할 수 있음을 보여주는 것이다. 이것은 보는 이들에게 강한 인상을 남겨준다. 그는 이러한 효과를 위해 순간의 표현과 자연스러운 상황은 초벌스케치를 그대로 드러내어 연출한다. 그리고 그 다른 쪽 지면에는 화려한 색채의 그림을 배치한다. 이것은 두 가지 입장의 그림을 한 장면에 보여줌으로써 두 실체의 존재와 동시성을 반영해주는 효과를 갖는다.

<야 우리 기차에서 내려!>

내가 처음으로 버닝햄을 만난 것은 바로 이 책에서였다. 서점 한구석을 돌다가 우연히 만나게 된 버닝햄은 나의 입가에 미소를 띄게 하기에 충분했다. 주인공 꼬마소년은 기차놀이를 하다가 일찍 학교에 가야 한다는 엄마의 두 손에 이끌려 침대로 간다. 그렇지만 꿈 속에서도 기차는 계속 달리고… 우리의 주인공, 꼬마의 친구인 강아지 인형과 기차여행을 계속하게 되는데 기차가 달리면서 동물 승객들이 하나 둘씩 타게 된다. 조금 전까지도 기차에 오르기 위해 사정을 하던 그들은 이미 주인이 되어버린 양 옆구리에 손을 얹고 당당히 큰 소리로 새로운 승객들에게 외친다. “야 우리 기차에서 내려!” 그러나 곧 새로운 동물들을 이내 친구로 맞아들이는 그 천진난만한 모습들이란. 어린이들의 천진난만한 주인 행세가 사랑스럽기까지 할 지경이다. 어쩜 어린이들을 이렇게 잘 알고 있는지 감탄하지 않을 수가 없다. 아, 이런 그림책도 있는 거구나 싶었다.

가벼운 펜터치, 왠지 완벽하지 않은 듯한 형태, 정성껏 칠하지도 않은 듯한 그림에서도 아이들의 사랑스러움을 더해준다. 나는 처음 만난 버닝햄을 마냥 좋아하게 되었다. 그리고서야 나중에야 그가 영국 3대 일러스트에 속하는 유명인이라는 것도 알게 되었다. 물론 우연한 캐릭터의 발견으로 성공을 거머쥔 행운아가 아닐까 의혹에 찬 눈으로 바라보기도 했지만 이 그림책 속의 주인공들을 위해 6개월이란 짧지 않은 시간을 각각 쏟아부었다는 사실도 알게 되었다. 그의 어설픈 듯한 스케치를 흉내내 본다. 우연의 일치라 하기엔 너무 어려운 리얼리티(사실감)를 발견해내고는 또 한번 놀랄 수 밖에 없었다. 그의 자유분방한 터치와 색, 상상의 나래를 펴는 이야기는 어린이들뿐만 아니라 우리 모두에게 무한한 자유를 주는 그림을 그리도록 나를 또 한번 유혹하는 것이다.

버닝햄의 아동관

버닝햄의 그림책은 어린이와 성인 사이의 상호작용과 그 안에서 일어나는 ‘힘’의 관계를 보여주고 있으며, 성인과 어린이의 상호작용 중에서 어린이에게 지금까지 기대되어왔던 ‘선한 행동’이라는 인습에 대한 문제를 제기하고 있다. 이것은 버닝햄이 아동은 천성적으로 현명하고 현실적이며 그가 지닌 선천적인 방식으로 선하게 자라나기 위해서는 자유롭게 살아야 할 필요가 있다는 ‘닐’의 철학에 영향을 받은 것이라 본다. 흥미로운 것은 버닝햄의 작품에서 그려지는 성인들은, 현실 세계에서는 어린이들을 신체적으로 통제할 수 있는 힘을 지니지만 어린이의 상상세계에서는 어떠한 힘도 지니지 못한다는 것이다.

버닝햄의 그림책 속의 어린이는 태연자약하고 무표정하다. 특히 그들이 현실세계에 있을 때에는 더욱 그러하다. 그러나 상상의 친구와 노는 ‘알도’, 환상을 경험하는 ‘존’, 상상의 세계로 모험을 떠나는 ‘셜리’의 표정은 어린이다운 천진함과 기쁨으로 가득차 있다. 이렇듯 버닝햄의 작품에서 그려지는 어린이는 현실에서는 나약하고 힘없는 존재지만 상상 세계에서는 무한한 능력을 지닌 존재로 묘사된다. 이것은 어린이들은 선천적으로 강한 힘을 지니고 있어 자유로운 상상을 통해서 그 힘을 깨닫게 되며, 환상세계로의 여행은 어린이들을 진정한 배움으로 이끈다는 생각을 반영하는 것이다.

출처 산그림 http://www.picturebook-illust.com/index.html

꼬리)  한사람이 쓴 글이 아니라 존 버닝햄을 소개하는 글들을 모아놓은 글입니다.

작품들

        

        

        

        

        

        

        

  

[퍼온글] 철학이 담긴 동화작가 레오 리오니

전출처 : 책읽는나무 > [퍼온글] 철학이 담긴 동화작가 레오 리오니

레오 리오니(Leo Lionni)는 1910년 네덜란드의 암스테르담에서 태어났다.
리오니의 집 근처에는 유럽을 대표하는 박물관이 두 곳 있었고, 그의 두 삼촌들은 미술품 수집가, 건축가였다. 안팎으로 예술적 분위기가 물씬 풍기는 주변 환경 덕분에 리오니는 어릴적부터 그림, 조각, 건축, 그래픽 디자인 등 예술적 분위기에 흠뻑 젖어 살았다.
리오니의 방 앞에는 달력처럼 샤갈의 원화(原畵)가 걸려 있었고, 대부분의 학교 친구들이 공원에 모여 축구 시합을 하는 토요일마다 리오니는 연필과 접는 의자를 들고 박물관으로 가서 혼자 그림을 그리곤 했다.
암스테르담에서의 이런 어린 시절은 그가 열 두 살 때까지 계속되었다. 이런 어린 시절 덕분에 리오니는 정식 교육을 받지 않았음에도 불구하고, 그래픽 디자이너, 일러스터, 애니메이터, 조각가 등 다양한 예술 분야에서 활동할 수 있는 소양을 길렀으며, 글보다 그림이 아름다운 그림책을 쓸 수 있었다.

한편 리오니는 파충류, 곤충, 어류 등 휘귀한 동물에도 관심이 많았다. 그는 직접 사육장을 설계하고, 건축했으며, 그 안에 거북이, 도마뱀, 쥐, 나비, 가시고기 등 다양한 동물을 길렀다.
이러한 어린 시절의 경험은 리오니가 그림책을 쓰는 데 많은 영향을 미쳤다. 그의 책에 나오는 대부분의 주인공이 쥐, 도마뱀, 물고기 등을 비롯한 동물들이라는 것을 보면 이를 짐작할 수 있다.
한 인터뷰에서 노년의 리오니는 "어느날 문득, 나는 내 작품의 장면 하나 하나가 사육장의 바로 그 모습이라는 것을 깨달았다. 내 책의 주인공들도 70여 년 전 바로 내 다락방에 살았던 생쥐와 거북이, 달팽이, 가시고기, 나비들이라는 것을 깨달았다."고 말한 바 있다.

열 두 살 이후 1928년까지 리오니는 가족들과 함께 프랑스, 벨기에, 스위스, 이탈리아 등지를 여행하며 보냈다. 이처럼 어린 시절의 예술적 분위기, 다양한 나라를 돌아다니며 쌓은 경험들, 경제학 박사 학위를 가지고 있으면서, 그래픽 디자이너, 조각가, 미술가, 애니메이터 등 다양한 분야에서 활동한 경력은 그가 다양한 소제와 유머, 상상력이 넘치면서도, 복합적인 철학적 의미들을 내포하는 그림책 작가로 성장할 수 있었던 또 하나의 배경이 되었다.

1928년부터 30년까지 리오니는 쥬리히 대학을 다녔으며, 모타 페네토니(Motta Panettoni)제과 회사에서 일했다. 1931년에는 노라 머피(Nora Maffi)와 결혼하여 이탈리아에서 살았으며, 그의 광고 에이전시 회사를 창업하고 경영해 나가기도 했다. 그리고 밀라노에 살면서 유럽의 예술잡지들에 미술과 유럽 건축에 관한 기사들을 기고하기 시작했다.
이 때 리오니는 자신에게 그래픽 디자이너의 길을 열어 준 세 사람을 만나게 된다.

그러던 중 1935년에는 제노바 대학에서 경제학 박사 학위를 받았다. 조각, 건축, 일러스트레이션, 그래픽 디자인에서 애니메이션까지 모든 예술 분야에서 여러 차례 수상 경력이 있을 뿐만 아니라, 많은 업적도 남긴 리오니는 그의 전 생애를 통해 미술이나 디자인과 관련된 정식 교육을 받지 않았다.

이탈리아에서 살던 리오니는 1939년 2차 대전과 함께 무솔리니와 파시스트들의 독재와 탄압을 피해 미국으로 건너갔다. 미국에 건너간 리오니는 필라델피아에 있는 광고 에이전시 회사에서 일했다. 이 곳에서 경력을 인정받아 그는 미국 예술가 협회에서 주는 상을 수상하기도 했다.

1945년에는 미국 시민권을 얻고, 뉴욕에 아파트를 마련했다. 또 1947년에는 뉴욕 노리스트 겔러리(Norlyst Gallery)에서 유화와 수체화가 주가 된 개인전을 열었다. 이를 개기로 리오니는 뉴욕과 일본 등지를 중심으로 여러 차례 개인전을 열게 된다.

개인전이 있던 1947년에는 프랑스와 이탈리아에 걸쳐 있는 휴양지 리비에라에 집을 사고, 이 곳을 중심으로 유럽을 두루 돌면서 그림을 그리고 여행도 즐겼다.

이후 10여 년 동안 리오니는 <프린트(Print)>를 비롯한 유명 잡지의 공동 편집진으로 지내기도 하고, 퍼슨스 디자인 학교(Parsons School of Design) 학장으로 있기도 했다. 그리고 국제 예술가 협회를 비롯한 많은 단체의 장(長)으로 일하기도 했다. 또 <뉴욕 타임즈>나 <포춘> 같은 유명 잡지의 아트 디렉터로 일하기도 했다.

한편 1959년에 10여 년 동안 일하던 <타임사(社)(Time Inc.)>를 그만두고, <포춘> 잡지사에서 일하게 되면서 다섯 살과 세 살 된 손자를 데리고 기차 여행을 하게 되었다.
<라이프>지를 보고 있던 리오니는 손자들이 기차 안을 이리저리 뛰어다니는 것을 보고 어찌할 바를 몰랐다. 아이들을 진정시키기 위해서는 뭔가가 필요했다. 그것도 아주 빨리.
그런데 우연히 <라이프>의 한 면을 펼쳐든 순간 리오니에게 아주 기막힌 생각이 떠올랐다.
그 페이지는 파랑, 노랑, 초록 등의 색으로 장식된 페이지였는데 리오니는 손자들을 불러 놓고, "할아버지가 이야기 하나 들려줄게." 하며 아이들을 불렀다. 그리고는 서류 가방을 테이블 삼아 무릎 위에 올려놓고, 세 가지 색이 그려진 페이지를 찢었다.
그리고 파랑색이 있는 부분을 망치지 않도록 조심하면서 둥글게 찢었다. 노란색과 초록색도 마찬가지 방법으로 찢은 다음 리오니는 세 조각들을 들고 즉석에서 이야기를 지어내기 시작했다. 아이들은 할아버지 이야기를 듣고 너무나 흥분했다.

이렇게 해서 세상에 나온 그림책이 <꼬마 파랑과 꼬마 노랑(Little Blue and Little Yellow)>이다. 그리고 이 작품은 레오 리오니가 어린이 그림책 작가로 활동하게 되는 개기가 된 책이기도 하다.
한편 이 책은 1960년에 <뉴욕 타임즈>가 뽑은 올해의 좋은 그림책 베스트 텐에 선정되었다. 이 책이 내용은 파란색 작은 얼룩과 노란색 작은 얼룩이 서로 껴안고 초록색 얼룩이 된다는 것이다.

이 책을 시작으로 리오니가 쓴 많은 그림책들이 다양한 기관에서 주는 상들을 수상한다. <조금식, 조금씩
(Inch by Inch)>는 1960년 <뉴욕 타임즈>가 뽑은 올해의 좋은 책 베스트 텐에 선정되는가 하면, 1962년에는 루이스 캐럴 상(Lewis Carroll Shelf Award)을 수상했으며, 독일 청소년 문학상(German Youth Book)에서 주는 명예의 책(Honor Book)에 선정되었다.

<으뜸 헤엄이>는 1963년에 <뉴욕 타임즈>가 선정한 올해의 좋은 책 베스트 텐에 선정되는가 하면, 1966년에는 5년 동안 기억에 남는 어린이 책 베스트 50에 선정되었다.
또 1966년에는 독일 어린이 문학상 그림책 부문 상을 받는가 하면, 1967년에는 체코슬로바키아 브리티슬라바에서 열린 세계 일러스트레이션 비엔날레에서 주는 그림책 상을 받았다.

비평가들 사이에서 대단한 호평을 받은 <프레드릭(Frederick)>은 1967년 <뉴욕 타임즈>가 선정한 올해의 좋은 책 베스트 텐에 들었으며, 1968년 독일 소년·소녀 문학상(German Juvenile Book Award)을 받았다.

<새앙쥐와 태엽쥐(Alexander and the Wind-up Mouse)>는 크리스토퍼 상(Christopher Award)을 수상하는가 하면, 1970년 지 선정 "올해의 눈에 띄는 책"에 선정되었다.

한편 레오 리오니는 애니메이션 분야에서도 혁혁한 업적을 남겼다. 1970년에 테헤란 영화제에서 두 작품으로 다섯 개 부분 상을 휩쓸었을 뿐만 아니라, 소위 리오니의 고전이라 일컬어지는 작품들도 애니메이션으로 만들어져 1988년에 열린 미국 영화·비디오 페스티발에서 상을 받기도 했다. 리오니의 이런 경력은 그가 애니메이션 분야에서 활동할 수 있는 길을 열어 주었다.

이 밖에도 리오니는 <물고기는 물고기야>, <아주 신기한 알>  <제각기 자기 색깔>, <초록꼬리> 등 우리 나라에서도 소개되어 많은 독자들을 가지고 있는 작품들을 비롯한, 40여 편이 넘는 그림책들을 남겼다. 이 작품들은 모두 철학적이고, 삶의 질을 높일 수 있는 꿈과 상상의 세계, 심오한 사상들이 녹아 있다.

리오니는 1997년에는 <세계 속에서(Between Worlds)>라는 자서전을 펴내기도 했다.
현재 그는 뉴욕에 있는 아파트와 이탈리아의 17세기 농장 풍의 잡을 오가며 아내와 많은 시간을 보내며 지내며 파킨슨씨병을 앓고 있는 육체적 어려움에도 불구하고 꾸준히 작품 활동을 계속하다가 1999년 10월 12일 89세의 나이로 세상을 떠났다.

◈레오 리오니의 작품세계

1) 그림책의 비중를 한 단계 높인 레오 리오니

문학 전반에서 아동 문학이 높은 비중을 차지하고 있는 선진국에서도 그림책은 그다지 인정받고 있는 분야는 아니었다. 또 글과 그림을 동시에 쓰고 그린 사람들도 흔히 글을 쓰고 동시에 그림까지 그린 글 작가로 소개되는 것이 대부분이었다. 그러다 보니 글 양이 비교적 적고, 내용도 간단한 그림책이 제대로 된 대접을 받지 못하는 것은 당연한 결과이다.
그런데 레오 리오니는 대부분의 글·그림 작가와는 달리 자기 그림책에 글까지 쓴 사람으로 평가된다. 이는 글보다는 그림을 염두에 둔 평가이다.

레오 리오니는 주로 꼴라주 기법을 사용한 그림들을 그리고 있다. 잘 다듬어진 형태, 군더더기 없는 모양과 선 , 화려한 색채, 적당한 여백, 유머가 넘치는 장면들 등은 그 누구도 따를 수 없는 그림이다. 비록 리오니의 작품들이 짧지만 철학적인 텍스트가 담겨 있다 하더라도 그의 책을 특별하게 하고, 아주 높은 수준으로 끌어올리는 것은 그의 이런 그림이라 생각한다.

리오니는 "그림책은 문학의 복합성 속으로 들어가는 문"이라 말한 적 있다. 아직 글을 읽지 못한 아이들, 복잡한 구성과 동시에 쏟아지는 여러 사상들 등을 감당하기 어려운 청소년, 분량도 많고, 복잡한 구성의 문학 작품들로부터 떠나 명쾌한 인생관과 세상에 대한 가치를 발견하고 싶어하는 어른들, 어릴적 동심으로 돌아가고 싶은 어른들에게 새로운 지평을 열어 준다고 생각했다.

한편 그림책은 아직 문자에는 익숙하지 않지만 독서를 시작하려는 아이들에게 독서 준비 과정으로서도 중요한 역할을 한다.
이런 생각 아래 리오니는 80년대 초반부터 <수(Number)>, <글자(Letter)>, <단어(Word)> 등 일련의 글자 없는 그림책 시리즈를 펴냈다. 어린이들은 이를 통해 책이라는 세계에 발을 들여 놓게 되고, 독서하는 습관을 기를 수 있게 된다.
이런 일련의 노력 덕분에 영미권과 유럽을 비롯한 세계 여러 나라에서 그림책 분야의 독자층은 폭발적으로 늘어나게 되었고, 아동문학, 아니 문학 전반에 걸쳐 그 비중이 높아지게 되었다.

2) 어린 시절의 반영

앞에서도 말한 바와 같이 레오 리오니의 작품들은 그의 어린 시절을 고스란히 담고 있다. 어린 시절 리오니는 삼촌의 영향을 받아 아주 유능하고 성실한 건축가였다. 아주 작은 파충류, 어류 같은 동물들을 좋아해서 많은 동물들을 수집했다. 그는 작은 다락방에 돌과 이끼를 깔고, 흙과 나무를 가져다가 사육장을 지었다. 이 사육장은 너무도 꼼꼼해서 마치 진짜 동물원 같았다고 한다.
이 곳에는 생쥐도 있고, 도마뱀도 기어다니고, 나비도 날고, 거북이와 가시고기 등 다양한 동물들이 있었다. 여름 내내 햇볕과 색깔, 이야기를 모으는 들쥐 시인, <새앙쥐와 태엽쥐>에 나오는 태엽쥐가 되어 인간에게 사랑 받고 싶어하는 생쥐, 마법사 도마뱀 등과 <으뜸 헤엄이>, <물고기는 물고기야>에 나오는 다양한 물고기들, <아주 신기한 알>에 나오는 악어와 개구리 등은 모두 어린 시절 리오니가 만든 사육장에 있었던 바로 그 동물들이다.

뿐만 아니라 한 인터뷰에서 리오니는 책의 주인공뿐만 아니라 그가 책에서 묘사한 바닷속, 오솔길, 들판 등도 그가 어릴 적에 사육장에 만들었던 실제 모래, 이끼, 바위, 물, 풀 등이라고 한다. 리오니는 자신도 미처 의식하지 못한 사이에 어린 시절의 기억을 떠올린 것이다.

리오니는 "좋은 어린이 책은 삶에 대한 원초적인 호기심과 기쁨을 잃지 않은 아직 어린이로 남아 있는 모든 독자들에게 어필할 수 있는 책이어야 한다. 나는 아직 어린이인 채로 있는 내 자신의 삶에 대한 호기심과 기쁨을 위해, 그리고 다른 친구들의 그것을 위해 이 책을 쓴다."라고 밝힌 바 있다.

한편 리오니는 좋은 어린이 책을 쓰기 위해서는 반드시 어린 시절로 되돌아가거나 어린 시절의 기억들을 되살려 내야 한다고 생각한다. 그가 대부분의 어린이 책 창작 활동을 뉴욕에 있는 아파트가 아니라 이탈리아 제노바에 있는 17세기 농장 풍의 집에서 한 것은 이 때문이 아닐까 싶다.
리오니가 직접 설계한 이 집은 그가 어린 시절 정성을 들인 사육장을 그대로 본떠 만든 집이라고 한다. 이 곳에도 제라늄이 피어 있고, 벌과 나비가 날고, 도마뱀이 기어다니고, 이끼가 잔뜩 낀 바위가 있다. 또 생쥐와 가시고기가 평화롭게 살고 있기도 하다.

3) 간단한 내용 속에 담긴 다차원적인 철학성

레오 리오니는 아무리 간결하고, 짧은 내용이라 하더라도 그림책에는 여러 가지 생각할 거리들이 내포되어 있어야 한다고 보았다. 그래야만 연령과 계층을 초월한 여러 사람들에게 어필할 수 있을 뿐만 아니라 사람들의 삶의 질 또한 높일 수 있다고 생각한 듯 하다.

리오니의 작품들은 이러한 그의 생각을 잘 반영하고 있는 책들이다.
예컨대 <프레드릭>에서는 우리 사회에서 물질 문화와 정신 문화에 대해 생각해 볼 수 있다. 햇볕이 쨍쨍한 한여름에 다른 들쥐들은 겨울 양식을 모으느라 정신이 없다. 그런데 프레드릭은 나무 그늘에 그냥 앉아 있기만 한다. 열심히 일하는 들쥐들이 비웃으며 지금 뭘 하고 있는지 물으면 프레드릭은 햇빛을 모은다거나, 색깔을 모은다거나, 아니면 이야기를 모은다고 얼토당토 않은 말만 늘어놓는다.
그런데 정작 겨울이 되자 이 시인의 진가가 나타나기 시작한다. 다른 쥐들은 모아 놓은 식량이 모두 동이 나자 침울해 한다. 그런데 프레드릭은 의기소침한 들쥐들에게 여름 내내 그가 모은 햇볕과 색깔, 이야기들을 들려준다. 생쥐들은 이에 감동하여 다시 용기를 얻는다.

이 이야기는 이솝우화 <개미와 배짱이> 이야기를 풍자하는 작품이다. 인간은 "빵"만으로 살 수 없다는 성서에 나오는 이야기처럼 사회에는 경제 생활 외에도 다양한 문화 생활이 반드시 필요하며, 그것이 없이는 인간은 삶의 의욕을 잃어 도태될 수밖에 없다는 것을 간결한 문체와 아름다운 그림으로 보여 주고 있다. 문화 비평가 호이징가의 말처럼 인간은 "유희적 존재"이며, "문화적 존재"인 것이다.
그러나 우리는 한 발짝 더 나아가, 물질 문화와 정신 문화의 조화에 대해 생각해 볼 수도 있다. 경제적 빈곤 상태에 있는 사람은 그만큼 문화적 혜택을 누릴 수 없을 뿐만 아니라, 그 기회마저 박탈당하는 경우도 허다하기 때문이다.

한편 <새앙쥐와 태엽쥐>에서는 사람들에게 늘 사랑 받는 태엽쥐가 되고 싶은 생쥐 이야기를 통해 인간 존재의 본질과 자아 정체성에 대해 생각해 볼 수 있다. 생쥐는 늘 사람들에게 쫓겨다녀야 하는 신세인데, 태엽쥐는 늘 사람들에게 사랑 받는 존재이다. 그러던 어느 날, 생쥐는 태엽쥐가 망가져 버려진 것을 보게 된다. 자기 존재 의미였던 다른 사람으로부터의 사랑, 영원할 것만 같던 타인으로부터의 사랑이 깨어진 것이다. 이를 계기로 생쥐는 자신의 존재 이유에 대해 생각하게 된다. 그리고 삶에서 가장 좋은 것은 원래 나의 모습을 찾고, 발전시키는 것이라는 사실을 알게 된다. 즉 자아 정체성을 찾은 것이다. 한발 더 나아가 생쥐는 마법사 도마뱀에게 자신의 태엽쥐를 진짜 생쥐로 바꿔 달라고 부탁한다. 자신이 누구이며, 세계 속에서 어떤 모습으로 존재하는지를 모르는 태엽쥐에게 자아 정체성을 길러 주려 한 것이다.

이 밖에도 리오니의 <물고기는 물고기야>, <으뜸 헤엄이> 등도 세계와 나 자신의 존재 이유, 존재 가치, 세계 속에서 나의 역할 등을 깊게 탐구해 볼 수 있는 동화들이다.

이처럼 리오니의 작품들 속에는 세계와 나, 삶의 본질, 존재론적 물음 등 여러 형태의 철학적 의문과 올바른 인생관을 정립할 수 있는 물음들이 담겨 있다. 그리고 그 수준은 작품을 접하는 독자들 스스로가 결정할 수 있도록 여러 차원으로 구성되어 있는 것이 특징이다.

4) 어린이 책 창작에 대한 리오니의 생각

우리는 아주 재미있고, 흥미로운 동화책이나 그림책을 접할 때면, 그 작품을 쓴 작가는 분명히 어떤 영감이나 어린 시절의 추억이 작품의 아이디어로 되살아나, 책으로 나올 수 있었을 것으로 생각한다.
그런데 리오니는 좀 다른 생각을 하고 있다. 물론 리오니 자신도 그가 <꼬마 파랑과 꼬마 노랑>이라는 작품으로 어린이 책에 대뷰할 때를 생각하면서 인간의 무의식 속에 잠자고 있던 번뜩이는 아이디어가 빛을 보게 되면서 작품 활동이 시작되고, 지속될 수 있다는 것을 인정한다. <꼬마 파랑과 꼬마 노랑>이 쓰여지게 된 개기, 리오니 작품들 속에 등장하는 주인공과 장면들을 보면 리오니 자신도 그랬으니 말이다.

그런데 리오니는 한 단계 더 나아가 작품의 완성도를 높이고, 그 가치를 오래도록 지속시키는 것은 끊임없는 노력이라 주장한다. 물론 모호하긴 하지만, 아주 기발한 아이디어와 상상력이 머리 속에서 샘솟을 수 있다. 그런데 그 아이디어만으로 작품을 구성하기에는 너무나 모호하다. 한 아이디어가 작품이 되어 나오기 위해서는 그 아이디어를 다듬고, 논리적으로 이야기를 구성하고, 전체 이야기 속에서 각 부분들이 조화를 이루도록 다듬고, 그림과 글을 조화시키는 등 일련의 다듬기 과정이 필요하다.

리오니에 따르면 이같은 일련의 다듬기 과정은 마치 "체스 게임"과 같다는 것이다. 한 작품을 만들어 내는 창작 과정에서는 한 수 한 수 둘 때 마다 상대편의 움직임을 생각해야 하고, 그래서 여러 번 의심도 하고, 머리 속으로 몇 번 말을 움직였다 되돌리기도 하고, 성공할 확률과 실패할 확률을 계산하기도 한다. 그리고 난 후에야 비로소 한 수를 둘 수 있는 것처럼 창작 과정에서도 몇 번을 다시 그리고, 지우고, 이리 저리 옮겨 보기도 하고, 아야기를 여기 붙였다, 저기 붙였다 한다는 것이다.

리오니에게 아이디어를 어떻게 얻느냐고 물으면 그는 "그냥 열심히 하면서요"라고 좀 무미건조하게 대답한다. 그런데 그게 진실인 것이다.

레오 리오니의 책들

     

     

     

     


 

◈참고문헌
Biographical Statement: 1972 Biography from Third Book of Junior Authors --1999 update

◈관련 사이트

http://www.edupaperback.org/authorbios/Lionni_Leo.html 

http://www.shrewsbury-ma.gov/schools/Beal/Curriculum/media/Lionni/leolionni.html

http://www.openkidzine.co.kr/webzine_sub.asp?no=513&aCode=01&page%5Fno=1&isLast

http://www.openkidzine.co.kr/webzine_sub.asp?no=209&aCode=01&page%5Fno=1&isLast=

[퍼온글] 세밀화를 그리는 화가 이태수

전출처 : 책읽는나무 > [퍼온글] 세밀화를 그리는 화가 이태수

세밀화가 이태수씨를 만나기 위해 그가 미술고문으로 있는 <도토리> 출판기획을 찾았다.
조용한 주택가 2층에 위치한 사무실. 그의 방은 의외로 평범했다. 대단한 그림 도구가 흩어져 있거나 아직 완성하지 못한 스케치들이 여기저기 널려있는 작업실을 예상했던 기자의 추측은 여지없이 빗나가고 말았다.

하지만 스탠드 돋보기와 동식물의 사진으로 가득 찬 10권 이상의 사진첩은 역시 세밀화가의 방답다는 인상을 강하게 풍겼다.

기자와 인사를 나눈 이태수씨는 할 말이 별로 없다며 검게 그을린 인상 좋은 얼굴에 겸손의 웃음을 가득 담아냈다.

경기도 연천군 백학면에서 태어난 이태수씨는 중학교 2학년 때 서울로 상경했다. 어린시절부터 그림을 잘 그리고 붓글씨를 잘 썼던 그는 고등학생이 되어서야 비로소 미대에 진학할 꿈을 가진다. 화실에서 지도해주시던 선생님은 가난하지만 완벽한 작품을 추구하는 전형적인 예술가의 모습을 그에게 가르쳤다고 한다. 홍익대 서양화과를 졸업한 이태수씨는 한동안 스스로 '전시장 미술'이라 부르는 활동을 해왔다.

하지만 이런 작업은 그를 붙들어 두지 못했고, 10년 넘게 매달린 미술교육 과정을 통해 심각한 회의를 느끼고 '전시장 그림'을 그리는 작업을 버렸다고 한다. 

이런 그가 세밀화, 그것도 아이들의 그림책에 본격적으로 매달리게 된 계기는 현재 9살인 첫 아이 '휘조'의 영향이 컸다고 한다.

"아이에게 그림책을 골라 주기 위해 여러 책방을 다녔는데 마땅히 눈에 들어오는 것이 없더군요. 단순화시킨 그림도 너무 엉망이었고, 그나마 좀 나은 것들이 외국 그림책이었는데 가만 들여다보니 모두 우리 것이 아닌 외국의 것들이었어요."

우리 실정에 맞는 그림책이 없다는 것이 그에게는 적잖이 자존심이 상하는 일이었으리라.

"아이가 처음 보는 그림인데, 아무것이나 보여줄 수는 없잖아요. 제대로 된 우리 그림을 보여주고 싶었습니다."

그래서 시작된 것이 바로 세밀화라는 독특한 장르의 그림이다.

세밀화는 기존 그림의 양식으로 분류한다면 '자연 다큐멘터리 일러스트레이션'에 속한다고 할 수 있다. 하지만 이태수씨의 세밀화는 좀 다른 의미를 가진다. 우선 기존의 그림 작업들과는 관계없이 독자적으로 진행되어 왔고, 전례가 없는 미개척의 영역에 나름대로의 기준을 가지고 작업한 그림만을 세밀화로 부르겠다는 원칙을 가지고 있기 때문이다.

"유럽의 경우 300년의 역사를 가지고 많은 자료들을 축적하고 있어요. 이를테면 말이 달리는 모습을 하나하나의 세분된 컷으로 나누어서 세세하게 관찰한 사진이나 그림들이 두꺼운 책 여러권 분량이 될 정도입니다. 얼핏 보면 같은 동작으로 보이지만 발의 위치나 모양들이 조금씩은 다르거든요. 하지만 우리에겐 아직 그런 자료가 없어요. 제가 하고 있는 작업은 이런 기초적인 자료들을 축적해나가는 과정이라고 말씀드리고 싶군요."

아이들에게 좋은 그림, 정확한 그림을 보여주겠다는 목적 뿐만이 아니라 기본이 되는 정밀한 자료를 축적하는 것. 이 말을 들으니 그의 단단한 어깨위에 짊어진 사명이 무척 중요해 보인다.

이태수씨는 개인적으로 디즈니 에니메이션을 그다지 좋아하는 편은 아니지만 단순한 그림이면서도 아주 사실적으로 묘사하려는 기술적인 노력의 면에서는 칭찬하고 본받을 만하다고 말한다.

「색깔을 갖고 싶어」라는 CD-ROM 제작 과정에서 간단한 에니메이션 작업을 맡았던 이태수씨는 이런 기술적인 면의 부족을 뼈저리게 실감했다고 한다.

"몇 개의 컷으로 나누어진 그림을 받아 그 그림들을 다시 그리는 작업에 참여 했는데 그림이 잘 되었는가 못되었는가를 떠나서 각 컷들이 전혀 사실적이지 않았던 겁니다. 하는 수 없이 기본 움직임만 참고를 하고 대부분 다시 그리는 작업을 하기도 했어요."

실제로 이태수씨의 세밀화는 사진보다도 더 정밀하고 정감이 간다. 사진이란 속에 갇힌 식물이나 동물들 보다 훨씬 생생하게 금방이라도 살아 움직일 것처럼 보인다. 이런 세밀화를 하나 완성하는데 걸리는 시간은 무려 열흘에서 보름정도.

"우선 무엇을 그릴 것인지 대상을 정하면 그것에 대한 정보를 모으는 것이 가장 먼접니다. 전문가가 아니기 때문에 여기저기서 많은 자료들을 모아야 합니다. 가령 민들레를 그려야겠다고 생각하면 진짜 우리 민들레가 어떻게 생겼는지 어디서 많이 피는지 아는 것이 급선무죠. 그렇게 모아진 정보를 가지고 직접 산과 들을 누비며 찾아내는 거지요. 특히 우리 민들레를 그리기 위해서 2년 정도를 찾아 헤맨 기억이 있습니다. 이렇게 찾아낸 식물들은 뿌리가 상하지 않게 정성껏 채집을 합니다. 그래서 요모조모 꼼꼼하게 관찰하고 밑그림을 그립니다. 여기까지가 가장 어려운 작업입니다. 나머지 채색은 오히려 쉬운 작업이죠."

세밀화가 높은 평가를 받는 것은 단지 사물과 똑같이 그리기 때문이 아니다. 그것은 오히려 사진이 더 훌륭하게 해낼 수 있다. 그의 세밀화에는 바로 다양한 과학적 지식이 포함된 연출력이 있기 때문에 사진과는 비교할 수 없는 생명력을 가지게 되는 것이다.

꽃의 경우 피는 꽃이냐 지는 꽃이냐, 아침의 꽃이냐 저녁의 꽃이냐에 따라 달라지고, 동물의 경우 수시로 변하는 다양한 모습들을 빠짐없이 관찰하고 조합해 내는 것이 바로 생명력을 부여하는 연출력이라 할 수 있다.

"아직 어려움은 많이 있습니다. 각 사물에 대한 정보를 수집하는 것, 적당한 모델을 찾아내는 것, 그리고 창의적이고 과학적인 나름의 연출. 이것들이 조화를 이루지 못하면 실패를 하게 되는 거지요."

그래서 모든 작업이 끝나면 최종적으로 전문가들에게 감수를 부탁한다고 한다. 이렇게 탄생한 것이 바로 이태수의 세밀화다.

"세밀화가 모든 것의 최선이 될 수는 없습니다. 이 작업은 기초적인 토대를 마련하기 위한 일종의 예비작업이죠. 중요한 것은 이런 시도를 함께 해나갈 사람들이 많이 생겼으면 하는 겁니다."

작업 초기 일할 것이 없는 어려움 보다 열악한 경제적 사정이 그의 활동에 가장 큰 걸림돌이었다고 이태수씨는 살짝 털어놓는다. 그리고 현재 가장 안타까운 것은 고급화된 세밀화 책들이 처음 예상했던 계층보다 부유한 계층에 더 가까이 가있는 현실을 꼽았다.

"원래는 많은 사람들이 쉽게 좋은 그림을 접하게 하려는 의도를 가지고 이 작업을 시작했어요. 저희 작업에서는 절대로 수입품을 쓰지 않아요. 순수하게 국산만을 추구하죠. 종이도 가장 좋은 국산을 선택하고, 인쇄도 국내에서 가장 좋은 곳에 맡기고. 하다보니 책의 가격이 어쩔 수 없이 비싸져버린 거죠. 의도하지 않았던 고급화로 정작 필요로 하는 사람들이 쉽게 접근하기 힘든 책들이 되어버린 겁니다."

이런 예상치 못한 부분에 대한 대안으로 이태수 씨는 '흑백그림'을 이야기한다.

"조금 거칠고 투박하지만 제대로 그린 그림, 그리고 부담없이 많은 사람들이 다가설 수 있는 그림을 고민하다가 흑백그림을 찾게 된 겁니다. 앞으로 거친 종이에 힘있게 흑백그림을 많이 그려볼 참입니다. 하지만 내용은 충실한 것으로 꾸며야죠."

그를 보고 있으면 누가 가르쳐 주지 않아도 '장인'이란 말이 스스로 떠오르게 된다. 순탄한 앞날을 보장받을 수도 있었던 화가의 길을 박차고 나와 아무도 가려하지 않았던 어려운 길을 택한 것에서부터 그는 영락없는 장인일 수 밖에 없다.

하지만 그는 본래의 의미와는 좀 다른 장인으로 불려야 할 것 같다. 보통의 장인들이 자신의 예술적인 완성을 위해 살았다면 그는 자신의 예술세계보다는 보다 많은 사람들을 위해 예술혼을 불태웠기 때문이다.

마지막으로 좋은 어린이 책을 고르기 위한 방법을 일러달라는 기자의 질문에 그는 이렇게 대답한다.

"정성이죠. 정성을 들여 그린 그림은 그림의 완성도를 떠나서 확실히 차이가 납니다. 그림에 그만큼 정성이 깃들었다면 글은 굳이 따져보지 않아도 좋을 겁니다. 얼마나 제대로 알고 그렸는지, 얼마나 책임감을 가지고 그렸는지 따져보고 고른다면 좋은 책을 고를 수 있을 겁니다."

도시에 어울릴 것 같지 않는 인상과 말투로 처음의 '할 말 없다'는 발뺌과는 달리 구수하게 풀어내는 그의 말투는 차라리 정겨웠다. 자연과 너무나 가까이 있었기 때문에 그만큼 자연을 닮아버린 것일까? 그가 앞으로 계획하고 있다는 부모님의 삶을 소재로 한 또 다른 그림의 세계를 기대해 봐도 좋으리라. 

- 웹진 부꾸에서 발췌

오늘도 딸과 눈을 마주치며 소리 없이 웃습니다. 다른 부모들도 그렇듯이 내게는 아주
소중하고 스승과 같은 딸입니다. 딸이 태어나면서 내게 할 일을 주었기 때문입니다.

딸이 태어나면서 많은 생각을 했습니다. 가장 고민스러운 것은 어떤 아버지로 있어야 할
것인가 였습니다. 이런저런 생각을 하면서 지내다가 딸에게 보여줄 책을 고르려고 책방에
갔다가 내 할 일을 찾았습니다.
그림책을 고르다 보니 좋은 그림은 찾아보기 힘들었고 세밀화 쪽으로는 아예 없다시피
했습니다.
나는 늘 질 좋은 그림을 여러 사람들과 나눌 수 있는 방법을 생각해오던 터라 출판미술은
내 생각을 실천하는 데 좋은 매체라고 생각했습니다.

출판미술을 하려고 포트폴리오를 준비하면서 더욱 절실하게 느낀 것은 기본이 없다는
것이었습니다. 이런 까닭에 자연스럽게 밖으로 취재를 나가게 됐습니다.
기초 자료를 만들어야겠다는 생각으로 세밀화를 그리기 시작했습니다. 처음에는 단순하게
딸이 자라면서 실제로 필요한 우리 자료를 만들어 보여주고 싶었습니다.

그림책을 그릴 때 "정성"을 가장 중요하게 생각한다는 이태수 선생님은 1961년 3월 15일에
서울에서 태어났습니다. 서울에서 태어났지만 태어나자마자 경기도 백학마을(경기도
연천군)로 업혀가 그곳서 중학 2학년까지 보냈습니다.
백학 마을은 벼농사를 주로 짓는 전형적인 농촌이었고 그의 부모님도 농사를 지었습니다.

세 명의 누나를 둔 막내아들 이태수 선생님은 어린 시절 비교적 조용한 아이였습니다.
하지만 당시 시골아이들 대부분이 그랬듯이 이태수 선생님은 학교에서 돌아오면 농사일을
거들거나 자연에서 놀았습니다. 마을의 형들과 함께 산으로 들로 물가로 돌아다니며 놀았던
추억은 현재의 그림 그리기에 정서적인 받침이 되어주기도 했습니다.

시골아이였던 이태수 선생님은 중학교 2학년말에 가족과 함께 서울로 이사를 왔고 중학교를
졸업하고 환일 고등학교에 갔습니다. 어린 시절 그는 그림을 잘 그리고 붓글씨를 잘 써서
주변에서 "손재주 있다는 소리"를 듣는 아이였습니다.
고등학생이 되어서야 미대에 진학할 마음을 먹은 그는 1978년엔 화실에 다니는 미대 지망생
이었는데 이때 만난 화실의 미술선생님은 그에게 화가로서의 자세를 가르쳐주었습니다.
그는 홍익대에 진학하여 서양화과에 다니게 되었는데 이때엔 세잔이나 모딜리아니를 꿈꾸고,
곰브리치의 미술사를 읽는 평범한 미대생이었다고 합니다.
그가 "전시장 그림" 그리기를 그만두고 "책 그림"을 그리기 시작한 것은 미대를 졸업한 뒤
얼마간 미술학원에서 미술지도를 하던 끝이었습니다.
대학 때 시작한 아르바이트까지 10년 넘게 미술교육을 한 결과, "거꾸로 가는" 제도권
미술교육에 심각한 회의를 느꼈고, 그와 함께 "전시장 그림" 그리기도 끝을 냈습니다.

"책 그림"을 그리게 된 계기 중에는 그의 딸이 태어났을 때 아버지로서 그가 딸에게 보여줄
그림이 거의 없었다는 것도 있었습니다. 그래서 그는 자신의 딸이 스승이자 자신에게 할
일을 준 소중한 존재라고 합니다.

최근 그는 계절그림책의 봄편을 그리고 있지만 시간이 나면 흑백그림을 더 많이 그리고
싶다고 합니다. 그는 흑백그림에 특히 애착이 간다고 합니다.

이태수 선생님의 책 그림은 크게 두 가지로 나눌 수 있습니다.
하나는 도감이나 사물그림책에 들어가는 그림이고 또 하나는 그림책에 들어가는 그림
입니다.

도감에 들어가는 그림을 그릴 때 그는 작가의 감성은 최대한 자제한 채 개념을 중심에
놓고 그림을 그린다고 합니다. 그는 "최대한 보이는 그대로 그린다"는 원칙을 철저하게
지키며 특별한 기교를 부리지 않는다고 합니다.

대신에 그림책에 들어가는 그림엔 비교적 작가의 감성이 들어가는 편이라고 한다.
가령 그는 "우리끼리 가자"에서 동물들을 사실에 충실하게 그리되 동물들의 몸짓이나
자세, 표정을 통해 최대한 의인화시키고 이야기 그림책으로서의 재미를 살리려 애썼다고
합니다.

"세밀화"는 처음부터 어린이를 위해 그린 것은 아니었으나 좋은 그림을 일상적으로 보고
자라야할 어린이들이 보는 책이 우선 중요했기 때문에 "세밀화"는 현재 유아들이나
어린이가 보는 책으로 우선 편집되어 출판되고 있습니다.

이태수 선생님의 작품으로는 [세밀화로 그린 보리 아기그림책 (보리(1994)], [할아버지 요강/
보리(1995)], [세밀화로 그린 보리 어린이 식물도감/보리(1997)], [세밀화로 그린 보리 어린이
동물도감/보리(1997)], [심심해서 그랬어 /보리(1997)], [우리끼리 가자 /보리(1997)], [우리
순이 어디 가니 /보리(1999)]가 있습니다.

- 애기똥풀의 집에서 발췌-      

[퍼온글] 상투성을 깬 작가 - 레이먼드 브릭스 (제1부)

전출처 : 책읽는나무 > [퍼온글] 상투성을 깬 작가 - 레이먼드 브릭스 (제1부)

불만에 찬 두꺼비가 토해내는 환상의 세계

“대체로 나는 우울하고 비관적이고 부루퉁해 있다. 모든일이 성가시게 느껴진다. 언제나 세상 살기 괴롭다고 느껴왔고 나이가 들수록 더 그렇게 느껴진다. 언제나 뚱해 왔고 지금은 더 불만투성이다. 난 하나도 행복하지 않다.”

레이먼드 브릭스의 이 불만에 찬 고백을 읽기 전에는 난 별로 그의 책을 좋아하지 않았다. 지나치게 꼼꼼한 묘사, 숨쉴 틈 없이 빡빡한 그림. 그리고 파격이나 통쾌함 보다는 성실한 세부묘사와 그 뒤에 숨어 있을 법한 - 읽다보면 꼭 찾아내야 할 것 같은 강박관념에 시달리게 만드는 교훈, 그런 것들이 숨막히게 느껴졌기 때문이다. 한마디로 그의 책은 성실하고 나무랄 데 없지만 그래서 매력도 없는 모범생의 일기장처럼 느껴졌다.

하지만 어느 신문기사에 난 의외의 고백을 읽고 그의 자서전 - 이라기 보다는 그의 부모의 전기 - 에 가까운 [에델과 에른스트 Ethel  & Ernest]를 사서 본 뒤에 약간 다른 시각으로 그의 책들을 들여다 볼수 있게 되었다. 난 언제나 작품에 담긴 철학세계보다는 작가의 사생활이나 숨은 뒷이야기 따위에 지나친 흥미를 느끼는 저질독자이므로 먼저 [에델과 에른스트]를 통해 그의 출신성분을 추적해 보았다.

그의 어머니는 어느 집의 하녀였고 그의 아버지는 우유배달부였다. 어느날 창문 밖으로 먼지를 털다가 지나가는 우유배달부와 눈이 마주치게 되고 눈이 마주친 김에 헬로우 인사를 하다 보니 둘은 어느새 극장구경을 같이 가게 된다. 이 가난한 연인이 결혼을 해서 힘겹게 얻은 (그의 어머니가 레이먼드를 낳은 뒤 의사가 아버지에게 충고하기를 “더 자식을 바라다간 아내를 잃게 될거요” 라고 한다) 아들이 바로 레이먼드 브릭스이다.
아직도 귀족이 건재하고 여왕이 품위를 지키는 대영제국에서 레이먼드 브릭스는 아주 밑바닥 출신인 셈이다.

또하나의 불운은 그런 가난한 집안에서 태어난 주제에 도에 넘치게 똑똑한 바람에 그래머 스쿨에 가게 된다는 점이다. 그래머 스쿨은 2차 대전 뒤 영국에서 가난한 수재들에게도 고급교육의 기회를 주자는 취지에서 적극적으로 추진된 일종의 영재교육 학교다. 그뒤 노동당이 집권하면서 이 그래머 스쿨이 계급간 격차를 심화시킨다는 의견에 따라 폐지되었지만 아직도 부분적으로 운영되고 있다고 한다.
이 그래머 스쿨에서 레이먼드는 아마 자기처럼 ‘가난한 똑똑한 아이‘뿐만 아니라 ’똑똑한 귀족아이‘도 만났을 것이다.
여하튼 우리나라에도 숱하게 있을 법한 가난한 집안의 똑똑한 아이.
그를 환대하는 착한 부모님 - 이것이 레이먼드 브릭스의 출신성분이다.

[에델과 에른스트]를 보면 그의 아버지는 골수 노동당 지지자이고 어머니는 과격한 노동당 보다는 보수당을 은근히 믿고 따르는 온건주부였다.정치적 견해 차이가 가끔 부부 사이에 말다툼을 일으키긴 했지만 보기 드물게 사이좋은 두 부부 사이를 해칠 정도는 아니었다.
레이먼드가 이 착한 부모님을 가장 크게 실망시킨 일은 의사나 선생님이 되는 길보다는 머리를 치렁치렁 기르고 벌거벗은 여자나 그리는 미술대학에 진학한 일이었다. 그렇다고 이 부모님들이 머리를 싸매고 눕거나 하진 않았다. 그저 약간 슬퍼했을 뿐.

과연 이런 출신성분이나 성장과정이 그의 책들과 무슨 연관이 있기나 한 걸까?
이런 그이 개인사를 알기 전에는 지나치게 꼼꼼한 일산생활 묘사가 답답하게만 느껴졌다. 그러나 지금은 그가 하나도 빠뜨리지 않고 그려대는 가구며 찾잔, 주전자. 물건의 상표들, 옷차림 따위가 모두 그가 일부러 지독하게 고수하는 보통사람들 (귀족도 중산층도 아닌 노동자 계급)의 생활모습임을 알게 되었다.

그의 그림책에는 그 흔한 영국신사의 옷차림도 거의 보이지 않는다. 그의 주인공들이 쓰는 찻잔이나 가구들을 보면 영국 영화에서 흔히 보이는 귀족적인 세련됨이나 골동취미하고는 거리가 멀다. 그 흔한 공원에서 개를 데리고 산책시키는 일도 없다. 산타할아버지는 노동자 계급의 전형처럼 그려진다. 뚱뚱한 몸 하나면 가득 차는 좁은 부엌에서 차를 끓이고 역시 상자곽처럼 답답한 거실에서 겨우 발을 펴고 휴식을 취한다.

특별한 정치적 신념을 지녔는지 어떤지는 모르겠다 (그의 불만스런 고백을 들어보면 그는 무슨 주의자가 되기엔 너무 비관적인 듯 하다) 다만 많은 그림책들이 대충 담아내는 거짓된 일상들을 그는 정신 바짝 차리고 쳐낸다는 사실을 깨닫게 된 것이다. 그리고 이런 지독한 태도가 어쩌면 영국사회에서 가난한 노동자 계급 수재가 느꼈을 법한 좌절감과 부당함에 대한 인식에서 출발하지 않았을까 추측해 볼 뿐이다.

두 번째로 흥미있은 개인사는 그가 독신남이라는 점.(이건 아마 나에게만 해당하는 흥미로운 점이겠지만)
거의 모든 어린이책 작가들의 소개글을 보면 “아내와 세 아이, 그리고 두 마리의 개를 기르며 평화로운 어딘가에서 살고 있다”는게 전형적인 끝맺음이다. 그런데 특이하게도 레이먼드 브릭스는 독신. 게다가 (방년 64세의) 남자인 것이다. 그러고 나서 그의 책들을 보니 그 어디에도 작가에 대한 소개글이 없다.

물론 그가 결혼을 아예 안한 것은 아니다. 미술대학 시절 만난 여자친구 진과 결혼을 했지만 결혼할 때부터 이비 여자친구가 정신분열증을 앓고 있다는 사실을 알고 있었고 2년 뒤 진은 백혈병으로 죽게 된다. 신문기사에 따르면 레이먼드 브릭스에게는 함께 이불을 뒤집어 쓰고 TV를 보는 여자친구가 있다고는 하지만 분명 비극적인 결혼생활이다. 특히나 사십여년을 해로한 뒤 몇 달 사이로 함께 이 세상을 떠난 그의 부모의 결혼생활에 비하자면.

어쨌든 이런 개인사의 색안경을 쓰고 그의 책을 들여다보면 새삼 흥미로운 점이 눈에 띈다.
(계속.....)

- 꿀밤나무 제2호에 올리신 조은수님의 글입니다.

다소 긴 내용인지라 일단 앞부분 레이먼드 브릭스의 출신과 관련된 부분까지 먼저 올립니다.  흥미로운 내용이 죽 이어집니다.  축약을 할까 했는데 제가 또 축약하고 그러는 걸 워낙 못하기도 하고 조은수님의 글이 물흐르듯 재미있으셔서 한부분이라도 놓치기가 아까와 중간에 [사람 The Man]과 [곰팡이 귀신 Fungus thr Bogeyman]에 대한 코멘트만 빼고 전문을 옮겼습니다.