목신의 오후(牧神－午後, L'Après-Midi d'un Faune)
프랑스 시인 S. 말라르메의 장편시. 《반수신(半獸身)의 오후》라고도 한다. 110행으로 이루어져 있는 이 시는 그의 장편시 《에로디아드》와 함께 프랑스 서정시의 최고수준을 나타내는 작품이다. 《에로디아드》는 금발과 백석(白晳)의 알몸이 유동하는 냉엄한 겨울의 시인데 반하여 《목신의 오후》는 시인의 육감적 일면을 대표하는 타오르는 여름의 시이다. 즉, 들판에서 요정을 좇는 거칠면서도 순진한 반수신의 모습을 빌어 남성의 욕망이 연애의 몽상 속에서 전신승화(轉身昇華)하여 미의 추구가 되고, 음악예술 또한 지식에의 욕구로 변해가는 모습을 읊은 것이다. 처음에는 《반수신독백》이라는 제목으로 무대에서의 낭독용으로 창작되었으나 1865년 가을 코메디 프랑세즈로부터 상연을 거절당하자 순수한 서정시로 퇴고하여 《반수신 즉흥》으로 개제한 뒤 《현대고답시집》에 투고하였으나 또 거절당하였다. 그 뒤 퇴고를 거듭하여 76년 친구인 마네의 삽화를 곁들여 자비로 출판하였다. C. 드뷔시의 《목신의 오후에의 전주곡》은 이 작품에서 영감을 얻은 것이다.
*출처 : 엥빠스 앙씨끌로뻬디
Poème de Stéphane Mallarmé (1876).
Commencée en 1866 et refusée par le troisième Parnasse contemporain, cette églogue de cent dix alexandrins fut publiée en 1876 en plaquette de luxe illustrée par Manet et tirée à 195 exemplaires. Dans un bucolique décor sicilien, le faune convoite deux nymphes surgies de l'ombre, ou bien conçues par son propre désir. Mais les nymphes sont insaisissables, la réalité échappe au faune, tandis que le poète ne peut maîtriser sa propre création, cette réalité rendue irréelle par son art. Ces deux thèmes s'entremêlent et s'opposent, d'analogies en visions sensuelles suggérées par l'ivresse et par le son de la flûte — c'est-à-dire l'art, la poésie —, jusqu'à ce que celle-ci se taise: «Couple, adieu; je vais voir l'ombre que tu devins», conclut le poète-faune «au rire ardent» en s'abandonnant au sommeil.
Cet «intermède héroïque», pendant sensuel et suggestif d'Hérodiade (1893), fut conçu comme un monologue scénique. Mais l'acteur Coquelin en refusa la première version, peut-être effrayé par un rythme tributaire d'une syntaxe complexe, tantôt entrecoupé de pauses, tantôt soumis à des ruptures ou à des accélérations. Car s'il use du classique alexandrin, l'auteur a voulu l'animer d'«une sorte de feu courant pianoté autour, comme qui dirait d'un accompagnement musical fait par le poète lui-même».
Le poème inspira à Claude Debussy une pièce symphonique d'une grande liberté formelle, Prélude à l'après-midi d'un faune , créé à Paris le 22 décembre 1894. Nijinski (en 1912) puis Jerome Robbins (en 1953) en firent des chorégraphies.
*Yahoo! Encyclopédie
드뷔시Claude Achille Debussy, 1862 ~ 1918
프랑스 인상주의 작곡가. 생 제르맹 출생. 도자기상의 아들로 태어나 파리에서 음악교육을 받았다. 파리음악원 재학시절 그는 솔페주부문(Solfége:階名唱法)·피아노부문에서 탁월한 재능을 보였다. 졸업하면서 로마대상을 받고, 수상자로서 2년간의 로마 체류 의무를 수행하면서 관현악곡 《봄》과 합창곡 《선택받은 소녀》를 작곡하였는데, 《선택받은 소녀》는 1893년 파리에서 초연되어 호평을 받았다. 같은 해 겨울에 현악 4중주곡을, 이듬해 겨울에는 출세작인 관현악곡 《목신(牧神)의 오후》의 전주곡 등 걸작품을 계속 발표하였으며, 그 무렵까지의 몇 해 동안은 전에 열중했던 바그너에 대해 비판을 가했다. 또한 모스크바 체재 중에 접했던 러시아음악과 무소르크스키의 《보리스 고두노프》 등에서 영향을 받았으며, 말라르메·루이스 등 상징파 시인들과 교제하였다. 앞에서 언급된 현악 4 중주곡 및 《목신의 오후》의 전주곡에서 《빌리터스의 노래》와 피아노 모음곡 《피아노를 위하여》, 관현악을 위한 《야상곡》을 거쳐 오페라 《펠레아스와 멜리장드》의 완성에서 초연에 이르는 10년간(1893∼1903)은 드뷔시에게 있어서 그의 개성적인 양식이 확립된 시기에 해당된다. 이 시기에 그는 바로크시대부터 낭만주의시대까지 오랫동안 지배적이었던 기능화성법에 의한 고전적 조성을 극복하고, 자기 나름의 개성적 음색과 율동구조를 확립, ＜인상주의 음악＞의 길을 열었으며, 1905년 이후 그의 ＜인상주의 음악＞은 더욱 원숙해져 갔다. 이 무렵 관현악곡 《바다》, 피아노곡집 《영상 1》 《영상 2》 《판화》가 작곡되었다. 그는 순수한 작곡가로서 자유롭게 작곡에만 전념하였으며, 인상주의 음악의 시조로서 근대음악에 커다란 영향을 주었다. 그외 그의 작품에는 피아노 모음곡 《어린이의 세계》, 관현악을 위한 《영상 3》, 피아노곡집 《전주곡집 1》, 《전주곡집 2》, 가곡집 《프랑스와 비용의 시에 의한 3개의 발라드》 발레곡 《유희》, 피아노곡으로 《12개의 연습곡》 《3개의 소나타》 등이 있다.
*출처 : 엥빠스 앙씨끌로뻬디
목신의 오후 전주곡 Prélude à l'Après-midi d'un faune
Œuvre pour orchestre de Claude Debussy (1894, Société nationale de musique, Paris) d'après l'Après-midi d'un faune de Stéphane Mallarmé (1876).
Le Prélude à l'Après-midi d'un faune est l'une des pages les plus célèbres de Claude Debussy. Écrite entre 1892 et 1894, alors que son auteur travaillait sur Pelléas et Mélisande, et créée le 22 décembre 1894 à la Société nationale de musique à Paris, sous la direction de Gustave Doret, l'œuvre fit un triomphe, au point d'être bissée.
Une œuvre sensuelle et panthéiste
À l'origine, Debussy avait conçu le projet d'un triptyque se fondant sur le poème de Mallarmé, titré Prélude, interludes et paraphrase finale pour l'Après-midi d'un faune, mais finit par se résoudre à s'en tenir au seul Prélude, qu'il résuma ainsi: «Une illustration très libre du beau poème de Stéphane Mallarmé. Elle ne prétend nullement à une synthèse de celui-ci. Ce sont plutôt les décors successifs à travers lesquels se meuvent les désirs et les rêves du Faune dans la chaleur de cet après-midi. Puis, las de poursuivre la fuite peureuse des nymphes et des naïades, il se laisse aller au sommeil enivrant, rempli de songes enfin réalisés, de possession totale dans l'universelle nature.» Cette partition, donc, n'a rien d'une musique descriptive. Tout, au contraire, est ici rêve et volupté, l'ensemble étant empreint de panthéisme et d'éphémère. D'abord réticent, puis enthousiaste, Mallarmé adressa au musicien un bref quatrain de remerciement en guise de dédicace:
«Sylvain d'haleine première
Si la flûte a réussi
Ouïs toute la lumière
Qu'y soufflera Debussy».
Ces vers démontrent combien Debussy a su faire passer la «lumière» à travers le souffle de la flûte, à qui est confié l'énoncé du thème initial du Prélude, qui contient lui-même la totalité du matériau thématique de la partition. À la fin de l'œuvre, ce matériau se présente de nouveau pour se désagréger et s'évaporer par élimination de ses notes, réduit en miettes. L'orchestre n'accompagne jamais la flûte, mais la relaie, la prolonge et l'enveloppe; Debussy ne cherche jamais à personnaliser le Faune, mais veille au contraire toujours à le fondre au sein de la nature. En 1911, Nijinski signa une chorégraphie qu'il dansa lui-même sur la musique de Debussy, l'Après-midi d'un faune , dans des décors et des costumes de Léon Bakst, et qui fit scandale en raison de son érotisme.
*Compositeur français (Saint-Germain-en-Laye, 1862 — Paris, 1918).
Établissant des «correspondances mystérieuses entre la nature et l'imagination», Claude Debussy a renouvelé la conception de la musique du XXe siècle, à laquelle il a ouvert des perspectives inédites. Son œuvre, toute en nuance, et à l'invention jaillissante, traversée par les courants symboliste et impressionniste, appartient à une époque marquée par la fin du wagnérisme et la naissance du naturalisme.
Compositeur raffiné et aristocratique, Claude Debussy est né dans une famille de condition modeste à Saint-Germain-en-Laye, où ses parents tenaient un commerce de faïencerie. Il prend ses premières leçons de piano à Cannes, où il se réfugie avec sa mère pendant la Commune. Admis au Conservatoire de Paris dans la classe de piano d'Antoine Marmontel, en 1872, il ne remporte qu'un deuxième prix de piano, en 1877, et un premier prix d'accompagnement et d'harmonie pratique, en 1880.
Debussy, un musicien au talent novateur
L'Académie des beaux-arts décerne au jeune musicien le prix de Rome, en 1884, pour sa cantate l'Enfant prodigue. À la villa Médicis, sa vie de pensionnaire, qu'il interrompt au bout de deux ans, lui paraît être celle d'un «sous-officier à solde entière». Les membres de l'Institut jugent sévèrement son premier envoi (Printemps), mettant en garde Debussy contre «cet impressionnisme vague, qui est un des plus dangereux ennemis de la vérité dans les œuvres d'art». Mais la poésie de la Damoiselle élue trouve grâce auprès de ses juges.
Ne trouvant ni exécutant ni éditeur pour ses cinq mélodies sur des poèmes de Baudelaire, il les publie par souscription (1890), mais il parvient à faire jouer la Damoiselle élue à la Société nationale de musique, le 8 avril 1893. La même année, il entreprend la composition de Pelléas et Mélisande, drame lyrique d'après la pièce de Maeterlinck. La création du Prélude à l'après-midi d'un faune, inspiré par l'églogue de Mallarmé, le 22 décembre 1894, constitue le premier vrai succès du compositeur. Cependant ce triomphe ne lui apporte ni notoriété ni aisance: traqué par les créanciers, il donne des leçons de piano, réclame des avances à son éditeur et exerce un emploi de critique musical à la Revue blanche, puis au Gil Blas.
La création des deux premiers Nocturnes pour orchestre aux Concerts Lamoureux en 1900 et surtout celle de Pelléas et Mélisande à l'Opéra-Comique en 1902 attirent l'attention du public et du monde musical sur un art et une personnalité qui engendrent polémiques et querelles partisanes. Pour les debussystes, son opéra est l'une des partitions clés de l'histoire de la musique. Pour les autres, cet «art nihiliste» précipite la décadence occidentale.
La vie de Debussy se partage entre composition musicale, concerts et soirées poétiques (les «Mardis» de Mallarmé). Il fréquente les cabarets littéraires et les tavernes à la mode (le Chat-Noir, l'Auberge du Clou), où il rencontre des compositeurs, comme Erik Satie, et des écrivains, comme Pierre Louÿs.
Après avoir rompu avec Gabrielle Dupont – qui mena avec lui une vie proche de la misère –, Claude Debussy épouse, en 1899, une midinette, Lily Texier. Chez son beau-père en Bourgogne, il trouve l'endroit idéal pour commencer à composer la Mer . Au mois de juillet 1904, il quitte brusquement Lily, qui fait par la suite une tentative de suicide, largement commentée dans les journaux, pour rejoindre à Saint-Hélier l'épouse d'un riche banquier parisien, Emma Bardac. Ils ne se marient qu'en 1908, plus de deux ans après qu'Emma eut donné naissance à leur fille, Chouchou, à qui le musicien dédie le délicieux recueil pour piano Children's Corner.
La création de la Mer, en 1905, aux Concerts Lamoureux, divise une nouvelle fois l'opinion. Pour défendre sa musique, Debussy prend de plus en plus souvent la baguette de chef d'orchestre. C'est aussi à cette époque qu'il écrit les pièces pour piano les plus représentatives de son génie: Estampes, l'Isle joyeuse, les deux cahiers des Images et les Préludes. Pour l'orchestre, il compose de nouvelles Images (Gigues, Ibéria, Rondes de printemps) et surtout Jeux, pour les Ballets russes, dont la première représentation, en 1913, est presque complètement éclipsée par le scandale provoqué par le Sacre du printemps, d'Igor Stravinski.
Debussy, un alchimiste du timbre et de la couleur
Comparé à Maurice Ravel, qui trouve presque immédiatement son langage personnel, Debussy, lui, se dégage plus lentement d'héritages parfois pesants, mais, au terme de son évolution, son art va plus loin dans le concept de modernité que celui de son grand rival et admirateur. Dans la solitude, le musicien substitue aux formes figées – relevant d'une grammaire et d'une syntaxe sclérosées – des structures, des idées et un langage inconnus avant lui.
La première période (1878-1892) de l'évolution debussyste est marquée par les influences de Schumann, de Massenet et de Franck, notamment dans le Trio pour piano, violon, violoncelle (1879), la Damoiselle élue et dans de nombreuses mélodies composées sur des poèmes de Beaudelaire et de Verlaine.
Une nouvelle étape (1893-1902), au cours de laquelle s'élabore un style unique et singulier, est inaugurée par le Quatuor à cordes. Quant au Prélude à l'après-midi d'un faune , en à peine dix minutes il «instaure une respiration nouvelle de l'art musical» (Boulez). L'arabesque de la flûte nonchalante et le vif glissando de la harpe – instruments debussystes par excellence – ouvrent les portes d'un monde insoupçonné de rêves.
Les Nocturnes, triptyque pour orchestre, proposent de véritables «scènes au crépuscule», à l'heure où les êtres et les choses se fondent dans l'ombre. Selon la description du compositeur, Nuages s'achève «dans une agonie grise, doucement teintée de blanc» et Fêtes, «mélange de musique, de poussière lumineuse», participe d'un «rythme total». D'autres caractéristiques importantes du style debussyste apparaissent dans les trois Chansons de Bilitis: un naturel de l'invention où se côtoient tendresse et volupté, une prosodie extrêmement précise et fine. Dans le frémissement passionné et pudique de la musique de la Chevelure, Debussy expérimente «une formule neuve de l'accélération vers le mot-phare» (M. Beaufils), qui sera exploitée dans Pelléas et Mélisande.
Si Debussy a été profondément séduit par l'art de Wagner, en particulier par Tristan et Isolde et par Parsifal, son unique œuvre lyrique apporte des solutions neuves dans le domaine de l'opéra, unissant le mot et le son, la recherche musicale et l'émotion individuelle.
L'art de Debussy est naturellement symbolique par sa force de suggestion, et son caractère impressionniste tient surtout à l'emploi de la gamme par tons entiers, à l'utilisation de structures compartimentées et au statisme qui s'en dégage. Bien que le compositeur ait récusé ces qualificatifs, sa musique participe sans nul doute de ces deux courants.
La troisième étape (1903-1912), qui marque le sommet de son art, s'ouvre avec les Trois Estampes – dont les deux premières sont imprégnées du goût du compositeur pour l'Extrême-Orient et l'Espagne mauresque – et la Mer, deux œuvres qui marquent un tournant dans l'évolution du langage et du style du musicien: l'accent est mis désormais sur la valeur en soi du timbre et de la couleur sonore, sur la qualité et l'approfondissement du matériau.
Deux ans séparent la composition des deux recueils des Images pour piano, qui révèlent un nouvel état d'esprit par le dosage et la diversité des plans, volumes et couleurs sonores. Ces six pièces aux titres évocateurs (Reflets dans l'eau, Cloches à travers les feuilles, etc.) prennent place, dans la littérature pour clavier, auprès des pages de Schumann et de Chopin. Mais, à la différence des Préludes de Chopin, ceux de Debussy (qui en a écrit vingt-quatre) n'ont pas un caractère fugitif et angoissé. Ils constituent un condensé de toutes les particularités du style et du langage du musicien.
La dernière période (1913-1918) est marquée par la transparence et le raffinement d'un orchestre éclairé, comme celui de Parsifal de Wagner, ainsi que par les structures complexes, à paramètres multiples (hauteurs, durées, intensités), dont Jeux, une œuvre pour orchestre, et les douze Études pour piano offrent les prototypes. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, le poème dansé Jeux exerça, comme le nota P. Boulez en 1958, une véritable fascination sur les musiciens de toutes les nationalités. La richesse sonore et rythmique, l'individualisation du timbre, la nouveauté de la conception acoustique de l'ensemble orchestral, la prolifération thématique à partir d'un seul élément, dont le traitement est fort éloigné du développement classique et du système de la variation, tout comme la forme morcelée, brisant les symétries, s'inventant elle-même dans «un temps irréversible», répondaient à leurs aspirations.
Vingt ans après le Prélude à l'après-midi d'un faune, le compositeur rend hommage à la mémoire du poète dans Trois poèmes de Stéphane Mallarmé, mélodies d'une beauté subtile et fragile, où la matière sonore se raréfie pour ne plus contenir que l'essentiel. Les trois Sonates se placent dans la continuité de la musique française. Dans ses dernières compositions, en particulier dans les trois Sonates, Debussy renoue avec Rameau et Couperin face à la démesure germanique et porte à son apogée l'art de l'économie des moyens et de l'interprétation libre des architectures classiques.
*Yahoo! Encyclopédie
발레 : <목신의 오후 (Afternoon of a Faun 또는 L'apres-midi d'un faune)>
작곡 : 클로드 드뷔시 (Claude Debussy)
안무 : 바슬라브 니진스키 (Vaslav Nijinsky)
무대미술 : 레옹 박스트, 니콜라스 게오르디아디스
세계 초연 : 1912/5/29, 발레 륏스, 파리 샤틀레 극장.
초연 무용수 : 리디아 넬리도바, 바슬라브 니진스키, 브로니슬라바 니진스카, 올가 콜로바,레오카디아 클레멘토비치, 메스 마이세르스카, 체레파노바, 코피신스카
<작품해설>
프랑스의 상징파 시인 말라르메의 유명한 시 「목신의 오후」에서 영감을 얻어 드뷔시가 작곡한 '목신의 오후에의 전주곡'은 대표적인 인상주의 음악으로 발레 뤼스의 전설적인 스타 니진스키에 의해 안무되고 직접 춤춰진다.
1912년 5월 29일에 파리에서 초연되었는데 너무나 지독하게 비판을 받아서 오히려 흥행에 성공한 작품이기도 하다. 발레가 초연되던 날 파리의 엘리트들은 니진스키의 첫 안무발레를 보기 위해 입추의 여지없이 모여있었다. 그러나 발레가 끝난 뒤 한동안의 침묵 후에 박수와 야유가 동시에 터져 나왔고 다시 막이 올라 처음부터 끝까지 한번 더 공연되었다(파니 엘슬러의 캬츄사 춤 이후 거의 전대미문의 사건이라고 한다) 그날 공연에 왔던 로뎅은 무대 뒤로 니진스키를 찾아가 직접 찬사를 보내기도 했다.
다음날 신문들은 만장일치로 공연에 대찬사를 보냈지만 르 피가로 만이 니진스키의 작품을 혹평하는 기사를 실었다. 발레의 마지막 부분의 판의 에로틱한 동작을 혹독하게 비판하면서 도덕성을 물고 늘어졌고 르 피가로의 소유주이자 편집자인 칼므트가 쓴 사설의 영향으로 공연이 중단될 위험에 처하자 목신의 오후를 지지하는 파와 반대하는 파로 나눠져 몇세대 전 마리 탈리오니 파와 파니 엘슬러 파가 싸우던 당시처럼 파리가 양분되어 버렸다.
칼므트가 공연을 중단시킬 수 있는 명령서를 경찰 총감에게 받아낸 것이 알려지자 흥행사인 디아길레프는 공연을 위해 문제가 되는 마지막 동작을 변형시킬 것을 니진스키에게 요구했지만 니진스키는 자신의 안무에서 비도덕적인 면을 찾을 수 없다고 그의 요청을 거부한다. 니진스키가 체포되고 발레가 중단될 위험에 달했을 때 르 마뗑 지에 니진스키를 옹호하는 로뎅의 사설이 실린다.
니진스키와 그의 안무에 대해 공공연히 로뎅의 찬사가 실리자 칼므트는 반박 사설을 올리지만 아나톨 프랑스, 모네, 클레망소 등 프랑스에서 저명한 위치를 차지하고 있는 로뎅의 옹호자들이 들고 일어난다. 이런 소동이 벌어지자 문제의 작품 「목신의 오후」에 대해 대중들의 관심이 더더욱 집중된다. 공연 티켓을 구하려는 소동이 벌어지고 르 피가로와 칼므트는 로뎅 옹호자들의 비판에 결국 두 손을 들고 승리의 여신은 「목신의 오후」옹호파의 손을 들어준다.
「목신의 오후」는 12분짜리 짧은 발레로 판 신이 낮잠을 자던 오후에 7명의 님프들이 그 근처로 목욕을 하러 온다. 님프들을 발견한 판이 그녀들을 유혹하는 몸짓을 하자 처음엔 호기심으로 다가오던 님프들이 달아나고 한 님프만이 판과 어울린다. 하지만 그녀도 스카프만을 떨어뜨려놓고 달아나 버린다. 결국 혼자 남은 판은 님프의 스카프에 입을 맞추고 스카프를 가지고 자기 은신처로 돌아가 스카프 위에서 잠이 든다.
판이 잠들기 전 님프가 떨어뜨리고 간 스카프 위에서 성행위를 연상시키는 마지막 동작은 21세기 관객의 눈으로 보아도 파격적으로 안무되어 있다. 이 부분이 파리를 판 논쟁의 도가니로 몰고 갔다고 할 수 있다.
니진스키 사후 그의 누이동생 니진스카에 의해 춤춰지기도 한「목신의 오후」는 니진스키의 그림자가 너무 커서 후대의 발레리노들에게 그다지 애용되는 레파토리는 되지 못했다. 뉴욕시티 발레단의 제롬 로빈스, 조프리 발레단의 로버트 조프리가 새롭게 안무해 각 발레단의 정규 레퍼토리로 공연되는 정도가 고작이다. 하지만 초연의 센세이셔널함에 가려서 특별히 화제거리가 되지는 못한 듯 하다.
니진스키 이후 세르주 리파를 시작으로 많은 무용수가 이 작품을 공연했고 개작도 숱하게 시도되었는데 그 가운데 가장 유명한 것은 제롬 로빈스가 개작한 것으로 1953년에 프란시스코 몬시온과 타나킬 르 클러크에 의해 초연됐다. 제롬 로빈스는 작품의 무대를 현대의 발레 스튜디오로 설정하고, 목신과 님프의 춤을 젊은 남자 무용수와 여자 무용수의 파드되로 바꾸었지만 드뷔시 곡이 지닌 반은 인간 반은 동물인 특성, 몽환적인 분위기와 남성적인 욕망의 표현은 그대로 유지하고 있어 개작이라기보다는 니진스키 안무를 현대적으로 해석한 것이라고 보고 있다.
제롬 로빈스의 「목신의 오후」내용은 다음과 같다. 로빈스 판에서는 판과 님프들이 아니라 발레 연습실에서 한 젊은이가 등장한다. 그는 무대에서 자신의 모습을 보이지 않는 거울에 비춰보며 여러가지 동작을 취하다가 바 옆에 쉬려고 앉는다. 그때 한 소녀가 들어가 바 옆에서 발레 연습을 시작하자 청년은 그녀를 주목한다. 하지만 그들은 같은 공간에 머물러 있는 것이 아니라 거울을 사이에 둔 다른 공간에 있는 존재들로 거울을 사이에 두고 서로를 바라보며 춤추고 접촉한다. 그리고 춤을 추면서 청년은 소녀에게 키스를 하는데 이것으로 그들 사이에 마력은 깨진다. 소녀는 떠나가고 청년은 다시 스튜디오에 드러누워 잠이 든다.
발레 륏스의 레퍼토리 대부분을 재현하고 있는 파리 오페라 발레에서 발레 륏스의 디자인과 니진스키의 안무를 그대로 레퍼토리로 사용하고 있다. 목신의 오후라는 시를 지은 말라르메는 드뷔시가 작곡한 목신의 오후를 들었을 때 "이 음악은 내 시의 정서를 연상시키고 그림보다 더 생생하게 장면을 표현하고 있습니다" 라고 말했다고 한다. 그리고 니진스키는 말라르메의 시를 살아있는 움직임으로 구현했다고 할 수 있겠다.
자료제공 / 이신화
-원고 임소영, 이신화 | 참고자료 The Concise Oxford Dictionary of Ballet , 즐거워라 발레(국립발레단 엮음)
해설이 있는 발레(저자 김긍수), 발레에의 초대(저자 이덕희)
*출처 : 네이버 지식iN 검색