작지만 소중한 일보

음악과 페미니즘
민은기 지음 / 음악세계 / 2000년 9월

<음악과 페미니즘>이라는 거창한 제목을 단 이 책은 사실 내용과 형식 모든 면에서 책보다는 학술 논문에 가깝다. '페미니즘 방법론을 통한 서양의 고전 음악 연구 시론' 정도가 적당한 제목일 것 같다.

페미니즘이 음악 연구와 만날 수 있는 수준은 세 가지 정도로 생각해볼 수 있다. 먼저, 사회 구조와 제도의 문제. 여기서는 여성 작곡가나 연주가의 존재를 억압한 관습의 문제, 그리고 여성의 음악 교육 문제 등이 거론된다. 둘째, 음악에 묘사된 여성의 이미지. 특히 오페라나 표제 음악에서 전형적인 여성성이 어떻게 반복, 강화되는가 하는 문제가 여기에 해당된다. 셋째, 보다 추상적인 수준으로 음악 구조 일반에서 성차의 문제. 여기서는 소나타 형식에서 남성적 주제와 여성적 주제의 대조, 음정 관계의 수동성, 능동성 문제 등이 다뤄진다.

대충 이런 문제들이 이 책이 다루는 범위 내에 있는데 특히 첫 번째 문제에 많은 지면이 할애된다. 그런데 여기서 간과된 또 다른 수준이 있다. 바로 음악학 '전반'을 페미니즘의 관점에서 재사고하는 것이다. 이는 페미니즘을 통해 음악학이 그저 다른 인문학적 조류에 편승한다는 소극적인 차원이 아니라 기존의 음악 연구의 전반적인 틀을 재고한다는 적극적인 차원의 문제다. 페미니즘이 다른 어떤 분야보다 음악에 늦게 도착했지만 가장 활발하게 꽃피우며 음악학에 활력을 불어넣고 있는 이유를 우리는 바로 여기서 찾을 수 있다.

예로부터 서양에서 음악은 여성적인 매체로 취급받아 왔다. 그것은 음악이 무엇보다 감정의 영역에 가깝기 때문인데, 그래서 사상가들과 음악가들은 이런 음악의 충동성을 길들이기 위해 부단한 노력을 해왔고 특히 르네상스 이후에는 이성적 규율이 훌륭한 도구가 되었다. 그 결과, 기능 화성과 평균율, 오케스트라로 대표되는 합리적 질서가 완성되었다. 반면 음악의 즉흥적 매력이나 해석의 자유, 감정적인 반응 등은 주변에 내몰리고 말았다. 따라서 음악은 가부장제 질서의 억압이 가장 강도 높게 진행된 장일 뿐만 아니라 이제 그런 질서의 몰락을 가장 극적으로 보여주는 장이기도 하다. 이렇듯 페미니즘은 서양의 음악사를 다시 쓰는 거대한 기획의 일환임은 물론 음악학의 지배적인 이데올로기를 뒤집는 중요한 동기를 제공해주고 있다.

최근 음악학의 새로운 흐름들은 모두 넓게 보아 페미니즘의 영향을 받고 있다. 정전 중심의 고전 음악 레퍼토리에서 벗어나 주변부의 음악(특히 비서구 음악과 대중 음악)을 포괄하려는 시도가 그렇고, 작곡가 중심에서 벗어나 연주자의 해석을 중시하는 시도도 그러하며, 기계적인 분석 대신 수용자의 정서, 감정을 연구의 영역으로 포섭하려는 시도 또한 페미니즘과 관련된 것들이다. 이는 십여 년 전 미국에서 New Musicology라는 이름으로 불리기 시작한 조류들인데 이제는 더 이상 '새로운'이라는 수식어를 필요로 하지 않을 만큼 음악학의 주류로 확고하게 자리잡았다. 이렇게 볼 때 새로운 음악학의 주요 성과들이 참고문헌에는 소개되어 있으면서 정작 본문에는 한번도 언급되지 않은 것은 이 책의 가장 아쉬운 대목이다. <음악과 페미니즘>이라는 제목의 무게에 부합하려면 이런 조류가 반드시 논의되었어야 했다.

다시 한번 말하지만 페미니즘은 음악 연구의 '한' 분야가 아니라 음악학 전체를 다시 기획하게 만드는 동인이다. 이제는 이런 새로운 조류가 하루빨리 국내에 소개되어 정체된 음악 연구에 활력을 불어넣었으면 하는 바램이다.

도대체 이 책에 철학은 어디에 있는가

철학으로 대중문화 읽기
박영욱 지음 / 자음과모음(이룸) / 2003년 4월

철학과 대중 문화가 만나는 방식에는 크게 두 가지가 있다. 먼저 대중 문화의 철학적 해석이 있는데 <영화관 옆 철학카페>로 유명한 김용규 님의 작업이 대표적인 예다. 또 하나는 보다 거시적인 관점을 취하는 것으로 '텍스트'가 아닌 '매체'로서의 대중 문화를 철학적으로 재정립하려는 시도다. <철학으로 대중문화 읽기>는 제목이 연상시키는 것과 달리, 그리고 저자가 대중 문화의 구체적인 사례 분석을 들고 있음에도 불구하고 대중 문화 일반의 철학적 정초에 일차적으로 관심이 있다.

그래서 내가 책에서 이상하게 생각하는 것은 이런 기대와 달리 철학적 논의가 별로 등장하지 않는다는 점이다. 책에서 거론되는 몇 안 되는 학자들은 철학자라기보다 사상가라 부르는 것이 더 어울린다. 특히 3, 4장이 그러한데, 현대 미술과 영화에 관한 책에서 (굳이 철학이라는 이름을 내걸지 않고서도) 많이 논의되었던 사항들이다. 사실 철학자냐 아니냐가 중요한 것이 아니라 논의의 전개가 얼마나 철학적인 엄정함과 논리를 갖고 저자의 주장을 뒷받침해주고 있느냐가 관건일 것이다. 그런 점에서 이 책의 결함은 좀더 심각하다.

대중 문화의 위상을 철학적으로 높이기 위한 책이라면 우선 저자가 대중 문화를 어떻게 규정하고 있는지 제시되어야 한다. 그런데 이 책에서는 그런 것이 전혀 없을 뿐 아니라 머리말에 이런 추상적인 내용을 다루지 않는다는 식의 용감한 발언이 나온다. 여기서 나는 저자가 과연 철학자인지 의심이 갔다. 이렇게 중요한 질문이 왜 추상적인지도 이해가 가지 않을뿐더러 철학의 강점은 무엇보다 각론이 아닌 총론에서 찾아져야 하기 때문이다. 총론 없는 각론은 특히 철학의 경우 모래 위의 성과 마찬가지다.

그러니 책 곳곳에서 저자의 논의가 이리저리 휩쓸려 다니는 것은 당연하다. 1장에서 커트 코베인의 음악이 쇤베르크의 음악만큼이나 혁신적이라고 한다. 대중 음악도 클래식 못지 않은 가치가 있다는 뜻이다. 그런데 3장에서는 대중 문화와 순수 문화의 경계가 이제 불가능하다고 한다. 그러면서 또 팝 아트는 사실 순수 문화에 가깝다고 한다. 2장에서는 문화마다 보수와 진보의 갈등이 전개되는 고유한 장이 있다고 한다. 그런데 4장에서는 고전 헐리우드 영화를 일체 이데올로기의 산물이라고 규정한다.

대체 저자는 대중 문화를 고급 문화와 독립된 장으로 생각하는 것인가? 그렇다면 이는 미적 특질로 구별되는가, 그저 관습의 문제일 뿐인가? 음악, 영화, 미술 등 문화를 이루고 있는 각 분야는 통합적인 이론으로 설명이 가능한가? 무엇보다 대중 문화는 방어적으로 옹호되어야 하는 대상인가?

세세한 오류들도 많다. 분명한 것만 지적하자면, 너바나의 가치를 논하면서 화성 중심의 클래식이 갖는 긴장-해결의 패턴을 따르지 않는다고 했는데 이는 적어도 블루스 이후 아프로-아메리칸 전통의 음악의 일반적인 특징이다. 또한 너바나의 음악이 장조-단조의 분리를 넘어서고 있다고 했는데, 이 또한 헤비 메탈의 파워 코드와 블루스의 블루 노트가 가능하게 해준 특징으로 너바나 이전 음악에서 종종 볼 수 있다. 만약 이런 논리로 따지면, 화성은 장조를 가리키지만 선율은 단조를 가리키는 Mack the Knife 같은 곡은 얼마나 혁명적인가?

이렇게 서로 다른 전통을 무시하고 표면적인 현상에 집착하는 진단은 재즈와 힙합을 다룬 대목에서도 반복된다. 주도적인 성부가 있는 클래식에 비해 독립적인 성부들이 어우러지는 재즈가 진보적이라는 평가는 음악의 발생 과정과 수용을 염두에 두지 않은 일면적인 진단이다. 힙합의 등장이 화성 중심의 서양 음악을 해체한다는 평가 또한 대중 음악의 전통을 넓게 고려하지 못한 결과다. 로큰롤 이후 대중 음악에서 화성의 역할은 클래식과 엄연히 다르며, 무엇보다 아프로-아메리칸 전통의 음악은 화성 중심의 음악이 아니다. 이런 오류들에 비한다면, 궁상각치우를 도레미솔라에 대응한다고 한 것(p.29), 기타 리프와 솔로를 혼동한 것(p.51), 루프를 리듬이라고 착각한 것(p.109), chromaticism을 온음계라고 한 것(p.147) 등은 사소하다.