[수입] 말러 : 교향곡 1번 [두다멜 음악감독 취임 연주회]
로스 엔젤레스 필하모닉 (Los Angeles Philharmnic) 외 / DG (도이치 그라모폰) / 2009년 12월
평점 :
품절


  말러 : 교향곡 1번 '거인'

=> 구스타보 두다멜(지휘) / L. A. 필하모닉, 월트디즈니홀,

 

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최근 인기 및 인지도를 많이 얻고 있는 두다멜이 상임지휘자로 있는 LA필의 말러1번 교향곡을 감상하였습니다.

 

미국LA에서의 연주답게 공연전 관객석에서 톰행크스의 모습 등을 볼 수 있었고, 지휘자를 비롯한 관객들 상당수의 복장이 검은색 정장에 나비넥타이를 메고 있어서 이곳이 헐리웃과 인접한 곳이구나란 것을 느낄 수 있었고, 뿐만 아니라 연주자들의 모습 또한 미국영화나 미드에서 보는 미국 배우들의 모습과 상당히 비슷한 얼굴들을 볼 수 있어 미국에서의 공연인 것을 실감할 수 있었습니다. 그리고 특징적인 것은 연주단원들 많은 수가 동양인들로 채워져 있었다는 것이었습니다.

 

연주 동안의 연주자들의 실력은 우수한 것으로 보였고, 두다멜의 이러저러한 지휘방향과 통제에 따라 두다멜이 의도한 화음과 소리 및 빠르기 박자를 충실히 소화해낸 연주 모습을 보여 주었습니다.

 

두다멜은 시몬볼리바르유스오케스트라 와의 공연의 모습을 기억하게 만드는데, 그런 이미지가 강하기 때문에 이번 연주 감상을 앞두고도 그의 이런 인상과 모습이 LA필과의 조합을 통해 어떤 연주를 들려줄지 무척 궁금함을 더했습니다. 그리고 감상전 선입관은 무척 격렬하고 화려한 연주와 강한 사운드 때문에 LA필과 약간 궁합 맞지 않는 이상한 화음이 나오지는 않을까 내심 염려스럽기도 했습니다.

 


연주 감상의 결과는 전체적으로 두다멜이 말러1번을 너무 예쁘고 앳된 소녀 같은 연주스타일로 시작했다가 자신만의 화려하고 젊고 파워풀함이 약간 섞인 그러나 과도하지 않은 연주를 복합적으로 섞어서 연주한 것으로 나타났습니다.

 

아마도 두다멜은 이곡연주를 하면서 너무 화려하고 너무 급하지 않게 또 너무 힘만 앞세운 연주를 조심 또 조심한 것 같습니다. 그러다 보니 1악장시작부터 중분까지, 그리고 2악장, 3악장 등에서도 상당부분 곡의 해석이 너무 인위적으로 시간지연 및 속도저하를 인위적으로 발생시키는 모습을 보여주었습니다.

 

하지만 자연스런 속도와 흐름으로 흘러가야할 음악이 지휘자의 지나친 개입으로 약간은 어색한 듯 한 느낌을 주었습니다.

 

물론 두다멜의 이 같은 통제된 연주가 그의 오케스트라 장악력과 그만의 의도와 곡해석을 충분히 시현했다고 한다는 측면에서는 충분히 높게 평가 받아야 하겠습니다.

 

또한 평소 일반적으로 듣는 수려한 말러연주와 달리 두다멜의 한 템포 두템포 멈칫멈칫 늦추는 듯 한 착착 끊어지는 연주가 독특한 재미와 즐거움과 짜릿함을 어떤 관객에게는 선사할 수 도 있었지 싶습니다.

 


전체적으로 말러1번 연주동안 두다멜은 약간 느린 템포의 시작과 흐름을 통한 안정추구의 모습을 보여주어 무척 진중한 두다멜의 모습을 보여주었습니다. 그리고 곡이 빨리 진행해감에 따라 화려함과 파괴적인 사운드를 선보여야할 시점에서는 두다멜 특유의 화려하고 큰 소리 만들기로 곡해석을 해주었습니다.

 


앞으로 두다멜의 수년 후의 모습이 크고 희망적으로 기대되는 것은, 아직은 약간 높은 신뢰감과 완벽함을 주지 못하지만 오늘의 이 같은 연주에서 두다멜의 높은 음악적 장악력과 통제력 그리고 발전가능성 때문입니다.

 


그의 진중한 태도와 오늘 초반부 곡해석의 신중함과 앞으로의 공부, 발전, 해석의 새로움 등이 결합하여 두다멜이 발전하게 된다면, 지금의 그의 화려하과 탁월한 스피디하고 현대적인 소리제조능력이 결합하여 십 수 년후에 우리는 두다멜의 초절기교의 화려함과 깊이, 진중함, 음악적 의미와 깊이가 예술성이 높은 연주를 들을 수 있을 것입니다.

 


그의 미래가 기대되고 기다려지는 훌륭한 연주 감상이었습니다.

 

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구스타프 말러



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1909년의 구스타프 말러
구스타프 말러(Gustav Mahler, 1860년 7월 7일 - 1911년 5월 18일)는 보헤미아 태생의 오스트리아 작곡가이자 지휘자이다.

말러는 그의 생애 동안에는 위대한 오케스트라 지휘자의 한 명으로서 가장 잘 알려졌으나, 그는 사후에 중요한 후기 낭만파 작곡가로 인식되었으며, 특히 그의 아홉 개의 완성된 교향곡연가곡 (특히 〈방황하는 젊은이의 노래〉와 〈죽은 아이를 위한 노래〉), 그리고 교향곡과 연가곡의 합성인 〈대지의 노래〉가 유명하다.

그는 “교향곡은 하나의 세계와 같이 모든 것을 포함해야 한다”는 생각에 따라 작곡하였고, 교향곡을 길이와 우주적이고 형이상학적인 시야 모두에 있어서 새로운 발전의 단계로 올려놓았다. (그의 〈교향곡 3번〉은 일반적인 교향곡 레퍼토리 중에서 가장 긴 약 95분 이상의 시간을 소요한다. 그의 교향곡 8번은 천 명이 넘는 연주자에 의해 초연되었으며 교향곡 중에 가장 거대한 오케스트레이션을 갖고 있다.) 그는 그의 교향곡 일부에 니체괴테철학, 중세 종교 상징주의와 영성을 표현하는 가사를 사용했다. 그의 작품은 이제 세계 주요 심포니 오케스트라의 기본 레파토리의 일부가 되었다.



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전기 [편집]





7살의 구스타프 말러
구스타프 말러는 보헤미아 지방 칼리슈트(Kalischt)의 유대인 가족에게서 태어났다. 그의 부모는 곧 오스트리아-헝가리 제국모라비아의 이글라우로 이주했고, 말러는 거기에서 그의 어린 시절을 보냈다. 아들이 음악에 재능이 있다는 사실을 안 부모는 그가 여섯 살 때에 피아노 레슨을 받게 했다. 1875년에 열다섯 살의 말러는 빈 음악원에 입학하여 율리우스 엡슈타인(Julius Epstein)에게서 피아노를, 로베르트 푹스(Robert Fuchs)에게서 화성학을, 프란츠 크렌(Franz Krenn)에게서 작곡을 배웠다. 3년 뒤에 말러는 빈 대학에 입학하였는데, 안톤 브루크너가 거기에서 강의하고 있었다. 말러는 거기에서 음악역사, 철학을 공부했다. 대학에 다니는 동안, 그는 음악 선생으로서 일하면서 그의 첫 주요한 작곡 시도로서 칸타타탄식의 노래〉를 지었다. 이 곡은 경연에 참가하였으나 입상하는 데에는 실패했다.

1880년대, 말러는 지휘자로서의 그의 생을 바트 할(Bad Hall)의 여름 극장에서 시작했다. 그 다음 해부터 그는 차례로 큰 오페라 하우스의 지휘자 자리를 가졌다. 1881년에는 류블랴나, 1882년에는 올로뮈츠, 1883년에는 빈, 1884년에는 카셀, 1885년에는 프라하, 1886년에는 라이프치히, 1888년에는 부다페스트로 갔다. 1887년에, 그는 아픈 아르투르 니키쉬를 대신해 바그너니벨룽의 반지를 연주하며 평론가와 대중 사이에서 명성을 확고히 했다. 그 다음 해에, 그는 칼 마리아 폰 베버의 미완성 오페라 세 사람의 핀토의 완성된 연주용 판을 말들었으며, 그것의 성공으로 경제적인 보상을 받았고 또한 서서히 그의 명성이 높아지는 데에 기여했다. 그의 첫 장기 계약은 1891년함부르크 오페라에서였으며 거기서 1897년까지 머물렀다. 거기에 있는 동안, 그는 북오스트리아의 슈타인바흐 암 아터제(Steinbach am Attersee)에서 여름 휴가를 보내며, 휴가 기간 동안에 작곡에 집중, 그의 교향곡 1번과, 유명한 민요 시집에 기초한 가곡 모음집 '어린이의 이상한 뿔피리'로부터의 가곡의 대부분을 완성했다.

1897년, 서른 일곱의 말러는 오스트리아 제국에서 가장 존경받는 음악적 지위인 비엔나 오페라의 감독직을 제안받았다. 그 자리는 '황실' 지위였고, 오스트리아-헝가리 제국의 법에 따르면 그 자리는 유대인이 맡을 수 없었다. 독실한 유대교인이 전혀 아니었던 말러는, 이 때문에 로마 가톨릭교회로 종교를 바꾸었다. 비엔나 오페라에서의 그의 십년은 비엔나 오페라의 레파토리와 예술적 기준의 변화를 가져왔으며, 이는 그의 치열한 성격과 주목할 만한 완벽주의, 그리고 완고한 의지에서부터 비롯되었다. 프랑스 작곡가 쥘 마스네의 작품이 말러가 오페라단을 맡았을 당시의 스타일에 부합했다면, 그의 지휘 하에서 대중은 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤, 그리고 크리스토프 빌리발트 글루크의 작품을 접하게 되었다. 말러는 매 해 아홉 달을 오페라단에서 일했고, 여름에만 작곡할 여유가 있었다. 이 여름을 그는 주로 마이어닉(Maiernigg)에서 보냈고, 그는 뵈르터제(Wörthersee)에 작은 오두막을 갖고 있었다. 거기에서 그는 교향곡 4번부터 8번, 프리드리히 뤼케르트의 시에 기초한 뤼케르트 가곡죽은 아이를 그리는 노래, 그리고 그의 '어린이의 이상한 뿔피리' 가곡의 마지막인 북 치는 소년을 작곡했다.

1902년에, 말러는 알마 쉰들러(1879년1964년)와 결혼했고, 사이에 두 딸을 두었는데, 후에 조각가가 된 안나 유스티네 말러 ('Gucki'; 1904–1988) 와 성홍열로 다섯 살에 죽은 마리아 안나 ('Putzi'; 1902–1907) 였다.

첫째 딸의 죽음으로 슬픔에 빠진 그에게 또다른 타격이 찾아왔다. 같은 해에 그는 심장병 (감염성 심장 내막염) 이 있다는 사실을 알게 되었고, 그의 운동을 제한하고 그의 걸음 수를 세도록 처방받았다. 오페라단에서의 예술적 문제에 대한 그의 완고함은 적을 만들어냈고, 또한 언론반유대주의적인 공격은 그를 더욱 괴롭혔다. 그의 1907년 오페라단 사임은 전혀 의외의 일이 아니었다.

말러 자신의 음악은 생전에는 널리 자주 연주되지는 않았고, 또한 대개 그리 반응이 좋지 않았다. 상대적으로 짧고 고전적 형태를 띤 교향곡 4번은 일각에서 어느 정도의 인정을 받았지만, 그의 작품이 큰 대중적 성공을 거둔 적은 거대한 교향곡 8번1910년 뮌헨 초연이 처음이었다. 하지만 그가 그 이후에 쓴 곡들은 그의 생전에 연주되지 않았다.

비엔나 오페라를 떠난 이후, 그는 뉴욕메트로폴리탄 오페라 로부터의 제안을 받았다. 그는 1908년에 거기에서 한 시즌을 지휘했지만, 대체로 아르투로 토스카니니를 선호하여 밀려나게 되었다. 그는 대중과 비평가 모두에게서 굉장히 호평을 받았지만, 메트 위원회 위원들의 선호도에서 밀려났다. 유럽에 돌아와서 결혼 생활에 위기와 알마의 불륜이 드러나고, 말러는 1910년지그문트 프로이트와 한 번의 (그리고 분명히 도움이 된) 면담을 가졌다.

유서깊은 뉴욕 필하모닉과 지휘 계약에 서명하고 난 후, 말러와 그의 가족은 다시 미국으로 떠났다. 이 시기에 그는 대지의 노래와, 마지막 완성작이 된 교향곡 9번을 완성했다. 1911년 2월에 길고 힘든 뉴욕에서의 콘서트 시즌 도중에, 말러는 연쇄상구균 감염으로 크게 앓았고, 발열이 있는 상태에서 그의 마지막 공연 (프로그램에는 그의 교향곡 4번과 부조니의 Berceuse élégiaque 초연이 포함되어 있었다) 을 가졌다. 유럽에 돌아와 그는 파리로 옮겨졌고, 거기에서 가장 최근에 개발된 새 혈청을 접종받았다. 하지만 약은 듣지 않았고, 그의 요청에 따라 빈으로 옮겨졌다. 그는 거기에서 감염증으로 1911년 5월 18일, 나이 오십에 그의 교향곡 10번을 미완성 상태로 두고 세상을 떠났다. 그는 그의 유언에 따라, 비엔나 외곽의 그린칭 공동묘지에 그의 딸 옆에 안장되었다.

“나는 삼중으로 고향이 없다”고 말러가 말한 적이 있다. “오스트리아 안에서는 보헤미아인으로, 독일인 중에서는 오스트리아인으로, 세계 안에서는 유태인으로서. 어디에서도 이방인이고 환영받지 못한다.”

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교향곡 1번 (말러)



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교향곡 1번 D 장조》는 구스타프 말러가 작곡한 첫 번째 교향곡으로 1884년부터 1888년에 걸쳐서 작곡되었다. 1889년에 《2부로 된 교향시》라는 제목으로 말러 자신의 지휘로 부다페스트에서 초연되었다. 곧 장 폴의 소설의 제목을 딴 “거인”이라는 이름이 붙게 되었으며 이 이름으로는 1893년에 함부르크에서 처음 연주되었다. 이후 말러는 몇 번의 수정을 가한 뒤 다시 그 제목을 없애고 교향곡 1번으로 하여 1896년에 베를린에서 또 한 번 초연하였다. 당시 연주 시간은 약 55분이었다.

구조 [편집]


다음과 같은 네 악장으로 구성되어 있다.


  1. Langsam, Schleppend, wie ein Naturlaut - Im Anfang sehr gemächlich (자연의 소리처럼 느리고, 쳐지게 - 처음에는 매우 서두르지 말고)
  2. Kräftig bewegt, doch nicht zu schnell (강한 움직임으로, 그러나 너무 빠르지 않게)
  3. Feierlich und gemessen, ohne zu schleppen (평온하게, 쳐짐 없이)
  4. Stürmisch bewegt (폭풍처럼 움직임)


최초에는 Blumine(꽃의 노래)라는 이름의 악장이 1악장과 2악장 사이에 연주되었으나 작곡가가 개정된 판에서 이를 빼버렸다. 간혹 1악장 앞에 Blumine를 연주하는 경우도 있다.[1]

편성 [편집]




플루트 4, (3, 4번은 피콜로도)
클라리넷(B-flat, A, C) 4 (3번은 B-flat 베이스 클라리넷과 E-flat 클라리넷도; 4번은 E-flat 클라리넷도)
바순 3 (3번은 콘트라바순도)




호른 7
트럼펫(F) 4
트롬본 3
튜바




팀파니 2
심벌즈
트라이앵글
탐탐
큰북




하프
제1, 제2 바이올린
비올라
첼로
더블 베이스


주석 [편집]



  1. 사이먼 래틀, 말러 교향곡 1번, 버밍엄 시 교향악단, EMI



원본 주소 ‘http://ko.wikipedia.org/wiki/%EA%B5%90%ED%96%A5%EA%B3%A1_1%EB%B2%88_(%EB%A7%90%EB%9F%AC)

분류: 음악에 관한 토막글 | 구스타프 말러의 교향곡

 

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구스타보 아돌포 두다멜 라미레스(Gustavo Adolfo Dudamel Ramírez, 1981년 1월 26일 - )는 베네수엘라지휘자이다.





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약력 [편집]


베네수엘라 서북부에 있는 라라 주의 주도인 바르키시메토에서 태어났으며, 10세 때 베네수엘라의 전국적인 음악 교육 계획인 엘 시스테마의 수혜자가 되어 바이올린 교습을 받기 시작했다. 하신토 라라 음악원에 진학해 호세 루이스 히메네스 등에게 계속 배웠으며, 작곡 등 다른 분야도 수강하기 시작했다. 1995년 부터는 로돌포 사글림베니와 엘 시스테마 창시자인 호세 안토니오 아브레우 등에게 집중적으로 지휘를 배웠으며, 고향의 실내 관현악단과 지방 청소년 관현악단의 부지휘자 등을 거쳐 1999년에 불과 18세의 나이로 베네수엘라 시몬 볼리바르 청소년 관현악단의 음악 감독이 되었다.

2004년에는 밤베르크 교향악단에서 주최하는 구스타프 말러 국제 지휘 콩쿨에 참가해 우승했으며, 클라우디오 아바도사이먼 래틀 등의 후원과 엘 시스테마의 세계적인 주목 등으로 급속도로 명성을 얻기 시작했다. 이듬해에는 필하모니아 오케스트라이스라엘 필하모닉 오케스트라, 로스앤젤레스 필하모닉 등을 처음 지휘했으며, 독일의 세계적인 클래식 음반사인 도이체 그라모폰과 전속 계약을 체결했다. 이어 버밍엄 시립 교향악단드레스덴 국립 관현악단, 예테보리 교향악단 등을 객원 지휘했고, 밀라노라 스칼라 오페라에서 모차르트의 '돈 조반니' 를 지휘해 오페라 영역에도 진출했다.

2007년에는 루체른 국제 음악제에서 빈 필하모닉 오케스트라와 첫 공연을 가졌으며, 외국에서 첫 본격적인 직책으로 예테보리 교향악단의 수석 지휘자를 맡아 2009년 현재까지 재임하고 있다. 시몬 볼리바르 청소년 관현악단과도 BBC 프롬스와 루체른 국제 음악제, 본 베토벤 음악제 등에서 공연해 절찬을 받았으며, 데뷰 음반인 베토벤의 교향곡 5번과 7번을 위시한 대부분의 CD와 DVD도 해당 악단과 제작하고 있다. 2009년 9월부터는 에사-페카 살로넨의 후임으로 로스앤젤레스 필하모닉의 음악 감독으로 취임했다.

라틴아메리카 태생의 젊은 지휘자답게 빠른 템포와 활력, 열정을 잘 살린 연주를 끌어내는 것으로 명성이 높으며, 다루는 레퍼토리도 모차르트에서 번스타인까지 꽤 넓은 편이다. 그러나 일각에서는 아직 풍부한 경험과 깊이가 부족하다는 비판도 제기하고 있다.[누가?]

에피소드 [편집]


두다멜은 2008년 12월 시몬 볼리바르 청소년 관현악단과 함께 첫 내한 공연을 가졌는데, 리허설 중 엘 시스테마에 참가해 지휘법 강사로 자신을 가르쳤던 곽승과 해후해 화제가 되었다.[1] 이후 본 공연에서도 앵콜곡 연주가 끝난 뒤, 자신이 입고 있던 베네수엘라 국기 문양의 점퍼를 객석에서 관람하고 있던 곽승에게 입혀주기도 했다.[2]

주석 [편집]



  1. 지휘자 두다멜, 한국 스승 곽승과 재회, 매일경제, 2008년 12월 15일 16:50
  2. 축제·영화같은 무대, 두다멜과 시몬볼리바르 유스오케스트라, 뉴시스, 2008년 12월 15일 12:00






전 임
마리오 벤차고
2004-2007
예테보리 교향악단 수석 지휘자
2007-
후 임
현재 재직중

전 임
에사-페카 살로넨
1992-2009
로스앤젤레스 필하모닉 음악 감독
2009-
후 임
현재 재직중


바깥 고리 [편집]



원본 주소 ‘http://ko.wikipedia.org/wiki/%EA%B5%AC%EC%8A%A4%ED%83%80%EB%B3%B4_%EB%91%90%EB%8B%A4%EB%A9%9C

 

 

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Los Angeles Philharmonic



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Los Angeles Philharmonic
Also known as LA Phil; LAP; LAPO
Origin Los Angeles, California, U.S.
Genres Classical
Occupations Symphony orchestra
Years active 1919–present
Labels Decca, Deutsche Grammophon, EMI, London, Sony, others
Associated acts Hollywood Bowl Orchestra
Website www.LAPhil.com
Members
Music Director
Gustavo Dudamel
Conductor Laureate
Esa-Pekka Salonen
Principal Guest Conductor
at the Hollywood Bowl

Bramwell Tovey
Associate Conductor
Lionel Bringuier
Creative Chair
John Adams
Creative Chair for Jazz
Herbie Hancock
Former members
Founder
William Andrews Clark, Jr.
Walter Henry Rothwell
Notable instruments
Concert Organ
Glatter-Gotz / Rosales / Gehry Pipe Organ
Violin
Benny 1729 Stradivari
Perkins 1728 Stradivari
Earl of Plymouth 1711 Stradivari
Violoncello
General Kyd 1684 Stradivari

The Los Angeles Philharmonic (LA Phil, LAP, or LAPO) is an American orchestra based in Los Angeles, California, United States. It has a regular season of concerts from October through June at the Walt Disney Concert Hall, and a summer season at the Hollywood Bowl from July through September. Gustavo Dudamel is the current Music Director, and Esa-Pekka Salonen is Conductor Laureate.

Music critics have described the orchestra as the most "contemporary minded",[1] "forward thinking",[2] "talked about and innovative",[3] "venturesome and admired"[4] orchestra in America. According to Salonen, "We are interested in the future. We are not trying to re-create the glories of the past, like so many other symphony orchestras."[1]



Contents

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[edit] History


[edit] 1919–1933: Founding the Philharmonic





Official Los Angeles Philharmonic logo
The orchestra was founded and single-handedly financed in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. He originally asked Sergei Rachmaninoff to be the Philharmonic's first music director; however, Rachmaninoff had only recently moved to New York, and he did not wish to move again. Clark then selected Walter Henry Rothwell, former assistant to Gustav Mahler, as music director, and hired away several principal musicians from East Coast orchestras and others from the competing and soon-to-be defunct Los Angeles Symphony. The orchestra played its first concert in the same year, eleven days after its first rehearsal. Clark himself would sometimes sit and play with the second violin section.[5]

After Rothwell's death, subsequent Music Directors through the 1920s included Georg Schnéevoigt and Artur Rodziński.

[edit] 1933–1950: Harvey Mudd rescues orchestra


Otto Klemperer became Music Director in 1933, part of the large group of German emigrants fleeing Nazi Germany. He conducted many LA Phil premieres, and introduced Los Angeles audiences to important new works by Igor Stravinsky and Arnold Schoenberg. The orchestra responded well to his leadership, but Klemperer had a difficult time adjusting to Southern California, a situation exacerbated by repeated manic-depressive episodes.




Hollywood Bowl
Things were further complicated when founder William Andrews Clark died without leaving the orchestra an endowment. The newly formed Southern California Symphony Association was created with the goal to stabilize the orchestra's funding, with the association's president, Harvey Mudd, stepping up to personally guarantee Klemperer's salary. The Philharmonic's concerts at the Hollywood Bowl also brought in much needed revenue.[5][6] With that, the orchestra managed to make it through the worst of the Great Depression years still intact.

Then, after completing the 1939 summer season at the Hollywood Bowl, Klemperer was visiting Boston and was incorrectly diagnosed with a brain tumor, and the subsequent brain surgery left him partially paralyzed. He went into a depressive state and was placed in institution; when he escaped, The New York Times ran a cover story declaring him missing, and after being found in New Jersey, a picture of him behind bars was printed in the New York Herald Tribune. He subsequently lost the post of Music Director, though he would occasionally conduct the Philharmonic after that, even leading some important concerts such as the orchestra's premiere performance of Stravinsky's Symphony in Three Movements in 1946.[5][7]

Sir John Barbirolli was offered the position of Music Director after his contract with the New York Philharmonic expired in 1942; however, he declined the offer and chose to return to England instead[8]. The following year, Alfred Wallenstein was chosen by Mudd to lead the orchestra. The former principal cellist of the New York Philharmonic had been the youngest member of the Los Angeles Philharmonic when it was founded in 1919, and had turned to conducting at the suggestion of Arturo Toscanini. He had conducted the LA Phil at the Hollywood Bowl on a number of occasions, and in 1943, took over as Music Director.[9] Among the highlights of Wallenstein's tenure were recordings of concertos with fellow Angelenos, Jascha Heifetz and Arthur Rubinstein.[5]

[edit] 1951–1968: Dorothy Buffum Chandler's influence


By the mid-1950s, department store heiress and wife of the publisher of the Los Angeles Times, Dorothy Buffum Chandler became the de facto leader of the orchestra's board of directors. Besides leading efforts to create a performing arts center for city that would serve as the Philharmonic's new home, and would eventually lead to the Los Angeles Music Center, she and others wanted a more prominent conductor to lead the orchestra; after Wallenstein's departure, Chandler led efforts to hire then Concertgebouw Orchestra principal conductor, Eduard van Beinum as the LAPO music director. The Philharmonic's musicians, management and audience all loved van Beinum, but in 1959, he suffered a massive heart attack while on the podium during a rehearsal of the Concertgebouw Orchestra and died.[6]

In 1960, the orchestra, led again by Chandler, signed Georg Solti to a three-year contract to be music director after he had guest conducted the orchestra in winter concerts downtown, at the Hollywood Bowl, and in other Southern California locations including CAMA concerts in Santa Barbara.[10] Solti was to officially begin his tenure in 1962, and the Philharmonic had hoped that he would lead the orchestra when it moved into its new home at the then yet-to-be-completed Dorothy Chandler Pavilion; he even began to appoint musicians to the orchestra.[11] However, Solti abruptly resigned the position in 1961 without officially taking the post after learning that the Philharmonic board of directors failed to consult him before naming then 26 year-old Zubin Mehta to be assistant conductor of the orchestra.[12] Mehta was subsequently named to replace Solti.

[edit] 1969–1997: Ernest Fleischmann's tenure


In 1969, the orchestra hired Ernest Fleischmann to be Executive Vice President and General Manager. During his tenure, the Philharmonic instituted a number of then-revolutionary ideas, including the creation of the Los Angeles Philharmonic Chamber Music Society and the Los Angeles Philharmonic New Music Group and its "Green Umbrella" concerts; both of these adjunct groups were composed of the orchestra's musicians but offered performance series which were separate and distinct from traditional Philharmonic concerts. They were eventually imitated by other orchestras throughout the world. This concept was ahead of its time, and was an outgrowth of Fleischmann's philosophy, most famously laid out in his 16 May 1987 commencement address at the Cleveland Institute of Music entitled, "The Orchestra is Dead. Long Live the Community of Musicians."

When Zubin Mehta left for the New York Philharmonic in 1978, Fleischmann convinced Carlo Maria Giulini to take over as Music Director. Giulini's time with the orchestra was well regarded, however, he resigned the position after his wife became ill, and returned to Italy.

Fleischmann then turned to André Previn with the hopes that his conducting credentials and time spent at Hollywood Studios would add a local flair and enhance the connection between conductor, orchestra, and city. While Previn's tenure was musically satisfactory, other conductors including Kurt Sanderling, Simon Rattle, and Esa-Pekka Salonen, fared better at the box office. Previn clashed frequently with Fleischmann, most notably when Fleischmann failed to consult him over the decision to name Salonen as "Principal Guest Conductor", a move mirroring the prior Solti/Mehta controversy. Because of Previn's objections, the position and Japan tour offer made to Salonen were withdrawn; however, shortly thereafter in April 1989, Previn resigned, and four months later, Salonen was named Music Director Designate, officially taking the post in October 1992.[13] Salonen's U.S. conducting debut with the orchestra was in 1984, and has conducted every season since.

Salonen's tenure with the orchestra first began with a residency at the 1992 Salzburg Festival in concert performances and as the pit orchestra in a production of the opera Saint François d'Assise by Olivier Messiaen; it was the first time an American orchestra was given that opportunity. Salonen later took the orchestra on many other tours of the United States, Europe, and Asia, and residencies at the Lucerne Festival in Switzerland, The Proms in London, in Cologne for a festival of Salonen's own works, and perhaps most notably, in 1996 at the Théâtre du Châtelet in Paris for a Stravinsky festival conducted by Salonen and Pierre Boulez; it was during this Paris residency that key Philharmonic board members heard the orchestra perform in improved acoustics and were re-invigorated to lead fundraising efforts for the soon-to-be built Walt Disney Concert Hall.

Under Salonen's leadership, the Philharmonic has become an extremely progressive and well-regarded orchestra. Alex Ross of The New Yorker said this:


The Salonen era in L.A. may mark a turning point in the recent history of classical music in America. It is a story not of an individual magically imprinting his personality on an institution—what Salonen has called the "empty hype" of conductor worship—but of an individual and an institution bringing out unforeseen capabilities in each other, and thereby proving how much life remains in the orchestra itself, at once the most conservative and the most powerful of musical organisms.

... no American orchestra matches the L.A. Philharmonic in its ability to assimilate a huge range of music on a moment's notice. [Thomas] Adès, who first conducted his own music in L.A. [in 2005] and has become an annual visitor, told me, "They always seem to begin by finding exactly the right playing style for each piece of music—the kind of sound, the kind of phrasing, breathing, attacks, colors, the indefinable whole. That shouldn't be unusual, but it is." [John] Adams calls the Philharmonic "the most Amurrican [sic] of orchestras. They don't hold back and they don't put on airs. If you met them in twos or threes, you'd have no idea they were playing in an orchestra, that they were classical-music people."[1]


[edit] 1998–present


When Fleischmann decided to retire in 1998 after 28-years at the helm, the orchestra named Willem Wijnbergen as its new Executive Director. Wijnbergen, a Dutch pianist and arts administrator, was the managing director of the Concertgebouw Orchestra in Amsterdam. Initially, his appointment was hailed as a major coup for the orchestra. One of his most important decisions was announced in November 1998 and dealt with changes to programming at the Hollywood Bowl:


Despite some successes, Wijnbergen left the orchestra in 1999 after only one controversy-filled year, and it is unclear whether he resigned or was fired by the Philharmonic's board of directors.[15]

Later that same year, Deborah Borda, then the Executive Director of the New York Philharmonic, was hired to take over executive management of the orchestra. She began her tenure in January 2000, and was later given the title of President and Chief Executive Officer. After financial problems experienced during Wijnbergen's short tenure, Borda — "a formidable executive who runs the orchestra like a lean company, not like a flabby non-profit" — "put the organization on solid financial footing."[1] She is widely credited (along with Salonen, Frank Gehry, and Yasuhisa Toyota) for the orchestra's very successful move to Walt Disney Concert Hall, and for wholeheartedly supporting and complementing Salonen's artistic vision. One example cited by Alex Ross:


Perhaps Borda's boldest notion is to give visiting composers such as [John] Adams and Thomas Adès the same royal treatment that is extended to the likes of Yo-Yo Ma and Joshua Bell; Borda talks about "hero composers." A recent performance of Adams's monumental California symphony "Naïve and Sentimental Music" in the orchestra's Casual Fridays series ... drew a nearly full house. Borda's big-guns approach has invigorated the orchestra's long-running new-music series, called Green Umbrella, which Fleischmann established in 1982. In the early days, it drew modest audiences, but in recent years attendance has risen to the point where as many as sixteen hundred people show up for a concert that in other cities might draw thirty or forty. The Australian composer Brett Dean recently walked onstage for a Green Umbrella concert and did a double take, saying that it was the largest new-music audience he'd ever seen.[1]


In April 2007, it was announced that Esa-Pekka Salonen would step down as the LAP's music director at the end of the 2008–2009 season, with Gustavo Dudamel becoming his successor.[16][17][18]

[edit] Performance venues





Walt Disney Concert Hall
The orchestra played its first season at Trinity Auditorium at Grand Ave and Ninth Street. In 1920, it moved to Fifth Street and Olive Ave, in a venue that had previously been known as Clune's Auditorium, but was renamed Philharmonic Auditorium.[19] From 1964 to 2003, the orchestra played its main subscription concerts in the Dorothy Chandler Pavilion of the Los Angeles Music Center. In 2003, a move was made to the new Walt Disney Concert Hall next door designed by Frank Gehry. Its current "winter season" runs from October through late May or early June.

Since 1922, the orchestra has played outdoor concerts during the summer at the Hollywood Bowl, with the official "summer season" running from July through September.

The LA Philharmonic has played at least one concert a year in its sister city, Santa Barbara, presented by the Community Arts Music Association (CAMA), along with other regular concerts throughout various Southern California cities such as Costa Mesa as part of the Orange County Philharmonic Society's series, San Diego, Palm Springs, among many others. In addition, the orchestra plays a number of free community concerts throughout Los Angeles County.

[edit] Conductors


[edit] Music Directors





Georg Solti was offered and accepted the post in 1960, but subsequently resigned in 1961 without officially beginning his tenure.

[edit] Conductor Laureate



Before Salonen's last concert as Music Director of the Los Angeles Philharmonic on April 19, 2009, the orchestra announced his appointment as its first ever Conductor Laureate "as acknowledgement of our profound gratitude to him and to signify our continuing connection."[20] In response, Salonen said:


"When the Board asked me if I would accept the position of Conductor Laureate I was overwhelmed. This organization has been at the very center of my musical life for 17 years. I am very proud and honored that they would even consider me for such a prestigious title and it gives me great pleasure to accept. The Los Angeles Philharmonic will always play an important role in my life and this is a symbol of our continuing relationship." [20]


[edit] Principal Guest Conductors




Rattle and Tilson Thomas were named Principal Guest Conductor concurrently under Carlo Maria Giulini, though Tilson Thomas's tenure ended much earlier. They are the only two conductors to officially hold the title. as such (though as stated above, Esa-Pekka Salonen was initially offered the position under Previn before having the offer withdrawn).

Beginning in the Summer of 2005, the Philharmonic created the new position of Principal Guest Conductor of the Los Angeles Philharmonic at the Hollywood Bowl. Leonard Slatkin was initially given a two year contract, and in 2007 he was given a one-year extension. In March 2008, Bramwell Tovey was named to the post for an initial two-year contract beginning Summer of 2008.[21][22]

[edit] Other notable conductors


Other conductors with whom the orchestra has had close ties include Sir John Barbirolli, Bruno Walter, Leopold Stokowski, Albert Coates, Fritz Reiner, and Erich Leinsdorf;[23] more recently, others have included Kurt Sanderling, Pierre Boulez, Leonard Bernstein, Christoph von Dohnányi, and Christoph Eschenbach.

Many composers have conducted the Philharmonic in concerts and/or world premieres of their works, including Igor Stravinsky, William Kraft, John Harbison, Witold Lutosławski, Pierre Boulez, Steven Stucky, John Williams, John Adams, Thomas Adès, and Esa-Pekka Salonen.

A number of the Philharmonic's Assistant/Associate Conductors have gone on to have notable careers in their own rights. These include Lawrence Foster, Calvin E. Simmons, and William Kraft under Mehta, Sidney Harth and Myung-whun Chung under Giulini, Heiichiro Ohyama and David Alan Miller under Previn, and Grant Gershon, Miguel Harth-Bedoya, Kristjan Järvi, and Alexander Mickelthwate under Salonen.

[edit] Other resident artists


[edit] Composers



Kraft and Harbison held the title "Composer-in-Residence" as part of a Meet the Composer (MTC) sponsorship. Steiger was given the title "Composer-Fellow", serving as an assistant to both Harbison and Stucky.[24]

Stucky was also a MTC "Composer-in-Residence" from 1988–1992, but was kept on as "New Music Advisor" after his official MTC-sponsored tenure ended; in 2000, his title was again changed to "Consulting Composer for New Music." In the end, his twenty-one year residency with the orchestra was the longest such relationship of any composer with an American orchestra.[24][25]

Adams has been named the orchestra's "Creative Chair" beginning in Fall 2009.

[edit] Jazz chairs



In 1998, Clayton was given the title "Artistic Director of Jazz" at the Hollywood Bowl for a three-year term beginning with the 1999 summer season. His band, the Clayton-Hamilton Jazz Orchestra acted as the resident jazz ensemble[14]

Reeves was named the first "Creative Chair for Jazz" in March 2002. Instead of just focusing on summer programming, the new position involved the scheduling of jazz programming and educational workshops year round; as such, she led the development of the subscription jazz series the orchestra offered when it moved into Walt Disney Concert Hall. In addition, she was the first performer at the 2003 inaugural gala at the Walt Disney Concert Hall. Her contract was initially for two years, and was subsequently renewed for an additional two years.[26]

McBride took over the position in 2006 for an initial two-year position that was subsequently renewed for an additional two years through to the start of the 2010 summer season at the Hollywood Bowl. In 2009, the orchestra introduced Hancock as McBride's eventual replacement.

[edit] Recordings


Main article: Los Angeles Philharmonic discography
The orchestra occasionally made 78-rpm recordings and LPs in the early years with Alfred Wallenstein and Leopold Stokowski for Capitol Records, and began recording regularly in the 1960s, for London/Decca, during the tenure of Zubin Mehta as music director. A healthy discography continued to grow with Carlo Maria Giulini on Deutsche Grammophon and André Previn on both Philips and Telarc Records. Michael Tilson Thomas, Leonard Bernstein, and Sir Simon Rattle also made several recordings with the orchestra in the 1980s, adding to their rising international profile. In recent years, Esa-Pekka Salonen has led recording sessions for Sony and Deutsche Grammophon. A recording of the Concerto for Orchestra by Béla Bartók released by Deutsche Grammophon in 2007 was the first recording by Gustavo Dudamel conducting the LA Phil.

The Los Angeles Philharmonic performed the music in the pilot film of the television series Battlestar Galactica, composed by Stu Phillips and Glen A. Larson. The LA Philharmonic also performed the first North American concert for the popular Final Fantasy franchise game music, Dear Friends: Music From Final Fantasy by Nobuo Uematsu. The orchestra has most recently recorded the sound track for the video game: Bioshock 2 as composed by Garry Schyman


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[수입] [블루레이] 마스카니 & 레온카발로 : 카발레리아 루스티카나 & 팔리아치
구엘피 (Carlo Guelfi) 외 / Arthaus Musik / 2010년 5월
평점 :
품절


 



 

 

폭염과 클래식 공연 가뭄속 대구에 내린 문화적 강우


대구지역에 8월 들어 음악회다운 음악회가 거의 열리지 않고 있어, 그야말로 클래식 가뭄시즌을 보내고 있는 듯합니다. 폭염에 휩싸여 지내는 것 만치 음악의 향기를 못 느끼며 지내는 것도 대단한 문화적 재앙이라 생각합니다.

 


간만에 우봉아트홀기획의 오페라 공연이 8월에 연달아 소극장오페라로 열리게 되었습니다. 그중 레온카발로의 오페라 팔리아치를 보게 되었습니다.

 


광대라는 뜻의 이태리말로, 19세기 이탈리아 사실주의 운동에 기반을 둔 작품이라고 합니다. 치정에 의한 살인극이 줄거리 내용인데, 공연의 전반적인 만족도는 높지 않은 관람이었다 생각됩니다.

 


지역 음악가들의 알찬 기획으로 보였으나 공연 수준에 있어서는 실망감을 많이 느낄 수밖에 없었습니다.

 


소극장오페라로 홍보하였지만, 실제 공연 중 무대의 배우출연이 너무 많았고, 음악가의 성량이 너무 커서 오히려 소극장오페라로 듣기에 적합하지 않았습니다.

 


오페라 아리아는 활기찬 성악솜씨를 보여주는 듯했으나, 작은 극장에서 오히려 너무 큰 아리아의 소리는 귀를 불편하게 하기도 했습니다.

 


음악, 무대, 연기(극)을 통해 여러 즐거움을 느껴야 했는데, 연극부분에서도 줄거리의 내용을 바탕으로 한 사실주의적 느낌을 잘 느껴볼 수 없었던 것 같습니다.

 


물론 100여 년 전의 이태리 광대들 이야기를 현대의 한국무대에서 사실적으로 그려내기가 나름 어려운 것도 있겠지만, 무대 연극을 통한 감흥이 없었다면 연출은 성공적이라 하기 어려울 것입니다.

 


음악이 기본이 되는 것이 오페라이겠지만, 관객에게 감흥과 감동을 주는 과정은 있어주어야 훌륭한 공연이라 할 것입니다.

 


하지만, 무더운 여름날 이렇게 오페라 기획공연을 해준 것에는 대구시민으로서 감사함을 표현해야할 것 같습니다. 앞으로 무궁한 발전이 있었으면 좋겠습니다.

 


바람이 있다면 소극장 오페라이니 만치 또 아리아가 전통 오페라 스타일인 만큼 가사를 한국어로 과감히 번역하여 상연하고 연극의 연출에 좀 더 치중하고 극중 몰입이 가능하게 해주었으면 어땠을까하는 바람을 적어봅니다.

 


공연관람전 개략적인 줄거리를 이해하고 오는 것은 관객의 에티켓일 터인데, 자막으로 오페라 줄거리가 이미 모두다 한참동안 올라온 후에도 또다시 해설자의 몇 분간에 걸친 공연해설이 이루어져 너무 과도한 해설이 아니었나 싶고, 약간 지루한 감이 있었습니다.

 


관객석의 출연진 가족 및 친구들의 과도한 박수와 함성도 거슬리는 부분인 것 같습니다. 그리고 무대 뒤편에서 울려 퍼지는 박수소리와 함성은 대구공연장에서만 볼 수 있는 풍경 같습니다.


 

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팔리아치



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팔리아치(이탈리아어: Pagliacci)는 루제로 레온카발로가 작곡한 2막의 오페라이다. 한 코메디아 델 아르테 흥행단의 질투에 가득찬 남편의 비극이 주된 줄거리이다. 팔리아치는 1892년 밀라노에서 초연되었으며, 레온카발로의 유일하게 성공을 거둔 오페라이다. 1893년 이후로 이 오페라는 소위 "카브와 파브"라 피에트로 마스카니의 《카발레리아 루스티카나》와 항상 더불어 공연되었다. 제목이 때때로 I pagliacci이라 부정확하게 언급된다. 팔리아치는 Opera America에 따르면 북미에서 14번째로 가장 많이 공연되는 작품이라 한다.



목차

[숨기기]



역사 [편집]


1890년경 마스카니의 《카발레리아 루스티카나》가 초연되었을 때, 레온카발로는 거의 무명의 작곡가였다. 마스카니의 성공을 목격한 후, 그는 비슷한 오페라를 작곡하기로 결심한다. 카발레리아 루스티카나베리스모 스타일로 1막 길이였다. 오늘날 대부분의 비평가는 팔리아치의 대본이 Catulle Mendès의 1887년 연극인 La Femme de Tabarin에서 영감을 얻었다고 말한다. 레온카발로는 그 연극의 초연당시 파리에서 살았는데, 레온카발로가 이 연극을 보았을 가능성이 높다고 한다.

그러나 레온카발로는 이 오페라의 줄거리는 그가 어린 시절 목격한 실화에 기초했다고 주장했다. 그는 한 하인이 자신을 코메디아 공연에 데리고 갔고, 오페라 속의 사건이 실제로 일어났다고 주장하였다. 그는 또한 재판관이었던 그의 아버지가 범죄 수사를 이끌었고, 레온카발로는 이 주장을 입증할 만한 문서를 가지고있다고 주장했다. 이 증거는 나타나지 않았고, 대부분의 비평가들은 레온카발로가 이 오페라를 좀 더 현실적으로 보이도록 노력했다고 생각한다.

팔리아치는 즉각적인 성공을 거뒀고, 오늘날에도 인기있는 오페라가 되었다. 팔리아치는 오페라의 가장 유명하고 인기있는 아리아 중의 하나인, Recitar! ... Vesti la giubba. (공연을 올려라! 의상을 입어라)를 포함한다. 엔리코 카루소의 이 아리아 녹음은 세계 최초로 백만 장의 음반이 팔렸다.1907년에 팔리아치는 처음으로 전곡이 녹음되는 오페라였다.

주요 배역 [편집]



  • 카니오 - 흥행단의 우두머리; 팔리아치오역 (테너)
  • 네다 - 카니오의 아내; 콜롬비아나 (소프라노)
  • 토니오 - 어릿광대; 타데오 (바리톤)
  • 베페 - 배우; 아르레치노 (테너)
  • 실비오 - 마을 주민, 네다의 정부 (바리톤)
  • 마을 주민의 합창

관현악 구성 [편집]



줄거리 [편집]


이야기의 설정은 1865년과 1870년 사이, 성모 대축일(8월 15일)에 몬탈토 근처 칼라브리아이다.

서막 [편집]


전주곡이 울리는 동안 무대의 커튼이 오른다. 2번째 커튼 뒤로 토니오가 그의 코메디아 역활인 타데오로 분장하여 관객들에게 소개한다. (Si può?... Si può?... Signore! Signori!) 그는 관객들에게 배우들도 감정을 느낀고 이 공연은 실존 인물에 관한 이야기라 환기한다.

1막 [편집]


정오 3시에 코메디아 흥행단이 마을로 들어서고, 마을 주민들은 환호성을 지른다. 카니오는 그날밤의 공연인 "팔리아치쵸의 문제"에 대해 설명한다. 네다는 마차에서 내리자, 토니오는 그녀에게 손을 내밀지만, 카니오가 그를 옆으로 밀치고, 네다가 내려오게 도와준다. 마을 주민들은 선술집에서 술마실 것을 제안한다. 카니오와 베페는 받아들이지만, 토니오는 뒤에 남는다. 마을 주민들은 토니오가 네다와 바람 필 궁리를 한다고 카니오를 약올린다. 카니오는 모두에게 그가 연극에서 바보같은 남편역을 맡지만, 실제로 다른 남자가 네다에게 접근하면 가만놔두지 않을 것이라 경고한다. 그에 충격을 받고 한 마을 주민이 만약 카니오가 네다를 진실로 의심하는지 질문한다. 카니오는 아니라 답하고, 네다의 이마에 부드럽게 입맞춤한다. 교회종이 예배를 위해 울리자, 카니오와 베페는 선술집을 향해 떠나고, 네다는 홀로 남는다.

네다는 실은 카니오를 속이고 바람피고 있어서 카니오의 격렬함에 겁을 먹지만, 새노래 소리가 그녀의 마음을 편안하게 한다. 토니오가 돌아와 네다에게 사랑의 고백을 하지만, 네다는 비웃는다. 이에 분노한 토니오는 그녀를 붙잡으려고 하지만, 네다는 따귀를 내리치고, 그를 때려서 쫏아보낸다. 네다의 연인인 실비오는 선술집에서 카니오와 베페가 술을 마실 때 나서서, 네다를 찾아온다. 그는 네다에게 공연 후 그와 함께 도망치자고 요청한다. 네다는 두렵긴 하지만, 승낙한다. 이를 엿듣던 토니오는 카니오에게 알려주러 자리를 뜬다. 그들이 돌아온 후, 실비오는 도망치고, 네다는 그에게 "나는 항상 당신의 것이다'라고 외친다.

카니오는 실비오를 쫏지만, 그를 붙잡지 못하고 얼굴도 보지 못한다. 그는 네다에게 연인의 이름을 댈 것을 요구하지만, 그녀는 거절한다. 카니오는 칼로 네다를 위협하나, 베페가 그를 말린다. 베페는 그들은 공연을 준비해야한다고 주장한다. 토니오는 카이노에게 그녀의 연인이 확실히 그 공연에 나타날 것이라 말한다. 카니오는 홀로 남아서 의상을 입고, 관객을 웃길 준비를 한다. (Vesti la giubba)




2막 [편집]


군중이 몰리자 컬럼비나 의상을 입은 네다가 돈을 수금한다. 그녀는 실비오에게 경고의 휘파람을 불고, 군중은 연극이 시작되자 환호한다.

컬럼비나의 남편인 팔리아쵸는 아침까지 멀리 나가있고, 타데오는 시장에 있다. 콜럼비나는 그녀의 연인인 아르레치노를 불안하게 기다리고, 곧 그녀의 집 창문 아래서 콜럼피아나를 향해 세레나데를 부른다. 타데오가 돌아와 컬럼비나에게 사랑을 고백하지만, 그녀는 타데오를 조롱하고 창문을 통해 아르레치노를 들여보낸다. 그는 타데오의 귀에 강타를 날리고, 방에서 내쫏자 관객들은 웃는다.

아르레치노컬럼비나가 저녁식사를 하고, 그는 잠잘 자리를 얘기한다. 팔리아초가 돌아올 때, 그녀는 남편에게 약을 먹이고, 아르레치오와 도망갈 계획을 세운다. 타데오가 불쑥 들어와 경고하자, 팔리아쵸는 그의 아내를 의심하며 막 돌아가려고 한다. 아르레치노가 창문을 통해 도망가자 컬럼비나는 그에게 "나는 항상 당신의 것이다"라고 말한다.

카니오가 무대에 등장하여, 네다의 대사를 듣고, "신의 이름으로! 그것과 같은 말이구나!"라고 외친다. 그는 연극을 지속하려 노력하지만, 자제심을 잃고 그녀의 연인의 이름을 말하라고 주장한다. 공연을 지속하길 원하는 네다는 카니오에게 팔리아쵸라고 말하지만, 카니오는 자신은 광대가 아니고 그녀를 진심으로 사랑한다고 말한다. (No! Pagliaccio non son!) 군중은 카니오의 감정적인 연기에 감명받고, 그에게 환호를 보낸다.

네다는 다시 공연을 지속하려 노력하여, 그의 연인은 아르레치노라 말한다. 분노한 카니오는 이름을 대든지, 그녀의 목숨을 걸 것을 요구하자, 네다는 자신은 절대로 그 이름을 말하지 않으리라 맹세한다. 관중들은 그들이 연기하는 것이 아니란 것을 깨닫게 된다. 실비오는 무대로 나와 싸우려고 한다. 카니오는 탁자에서 칼을 거머쥐고, 네다를 찌른다. 그녀가 죽으면서 "도와줘, 실비오"라고 외친다. 카니오는 실비오도 지르고 "코메디아는 이제 끝났다"라 외친다.

참고 [편집]


원래는 토니오가 마지막 대사인 "연극은 이제 끝났다"라고 말하지만, 이 대사는 전통적으로 카니오에게 주어졌다. 레온카발로 그 자신은 이 대리를 수긍하였다.




유명한 아리아들 [편집]



  • 서막 "Si può? Signore! Signori!"(토니오)
  • "Un tal gioco"(카니오)
  • "Stridono lassu"(네다)
  • "Nedda! Silvio, a Quest'ora"(실비오, 네다)
  • "Vesti la giubba"(카니오)
  • "Ohe! Ohe! Presto!"(합창)
  • "O Colombina"(베페)
  • "No, Pagliaccio Non Son"(카니오)

외부 링크 [편집]



음악 듣기 [편집]



팔리아치에서 발췌, 엔리코 카루소 노래, 1907년 3월 17일 녹음


팔리아치에서 발췌, 엔리코 카루소 노래

원본 주소 ‘http://ko.wikipedia.org/wiki/%ED%8C%94%EB%A6%AC%EC%95%84%EC%B9%98

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루제로 레온카발로



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루제로 레온카발로
루제로 레온카발로(이탈리아어: Ruggero Leoncavallo, 1857년 4월 23일 ~ 1919년 8월 9일)는 이탈리아오페라 작곡가이다. 대표 작품은《팔리아치》가 있다.

레온카발로는 나폴리에서 태어나, 그곳의 산 피에트로 마젤라 음악원에서 공부하였다. 몇 년간 교사 생활을 한 후, 여러개의 오페라 작품을 썼지만 명성을 얻지 못했다. 레온카발로는 1890년 마스카니의 《카발레리나 루스티카나》가 엄청난 성공을 거둔 것에 고무되어, 그의 베리스모 작품인 팔리아치를 작곡하였다. 팔리아치가 1892년 밀라노에서 초연되자 즉각적으로 성공을 얻게 되었다. 이 오페라는 오늘날의 대중적인 오페라 레파토리에서 레온카발로의 작품으로는 유일하다. 극중 가장 유명한 아리아인 〈의상을 입어라(Vesti la giubba)〉는 엔리코 카루소에 의해 녹음되어, 세계 최초로 1백만장을 판 음반이 되었다.

그 다음해에 밀라노에서 《메디치(I Medici)》가 작곡되었으나, 그 작품과 《Chatterton》(1896년)같은 초기 작품은 별 호응을 얻지 못했다. 1897년 레온카발로는 베니치아에서 《라 보엠》을 초연하면서, 그의 재능이 대중의 검증을 얻게 되었다. 이 작품에서 두곡의 테너의 아리아는 여전히 가끔씩, 특히 이탈리아에서 불린다. 그러나 이 작품은 1896년에 초연된 같은 주제에 더 나은 대본을 가진 푸치니의 동명의 오페라인 《라 보엠》에 의해 빛이 바래지게 된다.

레온카발로의 그 후의 작품은 1900년에 《자자(Zazà)》, 제랄딘 파라메트로폴리탄 오페라에서 유명한 고별 공연)와 1904년 《롤란드(Der Roland)》가 있다. 그 후기 작품은 오늘날 상연되지 않으나, 《자자》에서 바리톤 아리아는 여전히 자주 노래 불러진다.

레온카발로는 그의 모든 작품의 대본을 작성하였다. 많은 이들이 그를 보이토 이후에 그 시대에 가장 훌륭한 이탈리아 대본가로 생각하였다.

레온카발로는 1919년 토스카나 지역의 몬테카티니에서 사망했다.

오페라 [편집]



  • 팔리아치, Pagliacci (1892년 5월 21일 Teatro Dal Verme, 밀라노)
  • I Medici (1893년 11월 9일 Teatro Dal Verme, 밀라노), 3부작 Crepusculum의 첫 번째 작품 - 미완성
  • Chatterton (1896년 3월 10일 Teatro Argentina, 로마) (1876년 작품을 개정함)
  • 라 보엠, La Bohème (1897년 5월 6일 Teatro La Fenice, 베네치아)
  • Zazà (1900년 11월 10일 Teatro Lirico, 밀라노)
  • Der Roland von Berlin (1904년 12월 13일 Deutsche Oper, 베를린)
  • Maia (1910년 1월 15일 Teatro Costanzi, 로마)
  • Gli Zingari (1912년 9월 16일 Hippod 로마, 런던)
  • Mimi Pinson (1913년 Teatro Massimo, Palermo) (라 보엠을 개작함)
  • Edipo Re (1920년 12월 13일 Opera Theatre, 시카고)

오페레타 [편집]



  • La jeunesse de Figaro (1906년 미국)
  • Malbrouck (19 January 1910년 로마, Teatro Nazionale)
  • La reginetta delle rose (1912년 6월 24일 로마, Teatro Costanzi)
  • Are You There? (1913년 11월 1일 Theatre Prince of Wales, 런던)
  • La candidata (1915년 2월 6일 Teatro Nazionale, 로마)
  • Prestami tua moglie (1916년 9월 2일 Casino delle Terme, 몬테카티니)
  • Goffredo Mameli (1916년 4월 27일 Teatro Carlo Felice, Genoa)
  • A chi la giarrettiera? (1919년 10월 16일 Teatro Adriano, 로마)
  • Il primo bacio (1923년 4월 29일 Salone di cura, 몬테카티니)
  • La maschera nuda (1925년 6월 26일 Teatro Politeama, 나폴리)




음악 듣기 [편집]



팔리아치에서 발췌, 엔리코 카루소 노래, 1907년 3월 17일 녹음


팔리아치에서 발췌, 엔리코 카루소 노래

원본 주소 ‘http://ko.wikipedia.org/wiki/%EB%A3%A8%EC%A0%9C%EB%A1%9C_%EB%A0%88%EC%98%A8%EC%B9%B4%EB%B0%9C%EB%A1%9C

분류: 낭만 시대 작곡가 | 이탈리아의 작곡가 | 오페라 작곡가 | 오페레타 작곡가 | 1857년 태어남 | 1919년 죽음

 



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[수입] 말러: 교향곡 8번 [2 SACD Hybrid]
말러 (Gustav Mahler) 작곡, 데이비드 진만(David Zinman) 지휘, 취 / SONY CLASSICAL / 2010년 5월
평점 :
품절



<말 러 : 교향곡 8번 '2부' => 인발 (지휘) / 도쿄도 심포니> 감상후기
교향곡 8번, 내림 E 장조, “부제 : 천인 교향곡” (1906)

 

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탄생 100주년을 맞아 화려한 조명과 연주회가 개최되고 있는 작곡가 구스타프 말러 교향곡 8번을 들었습니다. 말러 전문가 에루야후 인발의 지휘로 도쿄심포니, 도쿄도합창단, 어린이 합창단의 연주였습니다.

 

2008.4.30일 도쿄 산토리홀 연주 실황입니다

말러 8번 교향곡의 경우 무척 대곡이며, 1천인이 참석하는 교향곡이라 불릴정도로 대곡입니다.

 

대곡이니 만치, 만족감 있는 연주실황을 기대하게 되는데, 연주 음반보다도 실제 들을 기회가 없다는 것이 무척 아쉬움을 주는 연주곡입니다.

 

오래되지 않은 도쿄공연으로 이곡 감상을 할수있는것도 행운인것 같습니다.

 

1부와 2부로 나뉘어 지는 이곡은, 강렬한 시작과 독창자들의 연이은 노래와 합창의 이어받음으로 이루어지는 1부가 약 20분 가량 펼쳐지고 나서, 2부로 넘어가서 1부의 재현과 2부 자체적인 리듬과 멜로디와 노래들을 들려줍니다.

 

개인적으로 1부를 조금더 즐겨 감상하게 되는데, 어느 락음악에도 비견할수 없을 정도로 대규모의 사운드의 웅장함을 느끼게 해주기 때문입니다.

 

특히 얼마전 사이먼래틀이 프롬스 콘서트에서 연주한 영상을 보게될땐 그 흥겨움이 무척 크게 느껴지며, 수많은 합창단원들의 합창소리 그리고 일사불란한 연주와 지휘자의 통제된 모습에서 느껴지는 화합과 통제 그리고 웅장함의 모습이 큰 카타르시스를 느끼게 해주었습니다.

 

이번 인발연주의 8번도 역시 그와같은 모습들을 여럿 볼수 있었고, 특히 마지막 피날레에서 지휘자의 지휘모습은 오케스트라 지휘자로서의 모습을 특징적으로 잘 보여준것 같습니다.

 

일본에서의 말러8번 연주를 보면서 느낀점 중의 하나는 일본이라는 나라에 대한 부러움과 대국으로서의 면모를 느낄수 있고, 역시 지금현재는 우리나라보다는 문화적 국력적으로 선진국이나란 압도감을 느끼게 된다는 것입니다.

 

말러 8번 연주하는 독창자들의 얼굴, 합창단원과 어린이들의 모습을 영상으로 '와'하며 바라 보아야 하는 한국의 감상자의 입장에서는 이들이 무척부럽게

느껴졌습니다.

 

올해말 우리나라에서도 장윤성 연주로 말러8번 연주 예정에 있다고 하는데,

어떤 결과가 나올지 무척 궁금하게 느껴집니다.

 

올해계속이어지게될 말러 연주들의 감상에 더 집중해야 겠습니다.

 

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구스타프 말러



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1909년의 구스타프 말러
구스타프 말러(Gustav Mahler, 1860년 7월 7일 - 1911년 5월 18일)는 보헤미아 태생의 오스트리아 작곡가이자 지휘자이다.

말러는 그의 생애 동안에는 위대한 오케스트라 지휘자의 한 명으로서 가장 잘 알려졌으나, 그는 사후에 중요한 후기 낭만파 작곡가로 인식되었으며, 특히 그의 아홉 개의 완성된 교향곡연가곡 (특히 〈방황하는 젊은이의 노래〉와 〈죽은 아이를 위한 노래〉), 그리고 교향곡과 연가곡의 합성인 〈대지의 노래〉가 유명하다.

그는 “교향곡은 하나의 세계와 같이 모든 것을 포함해야 한다”는 생각에 따라 작곡하였고, 교향곡을 길이와 우주적이고 형이상학적인 시야 모두에 있어서 새로운 발전의 단계로 올려놓았다. (그의 〈교향곡 3번〉은 일반적인 교향곡 레퍼토리 중에서 가장 긴 약 95분 이상의 시간을 소요한다. 그의 교향곡 8번은 천 명이 넘는 연주자에 의해 초연되었으며 교향곡 중에 가장 거대한 오케스트레이션을 갖고 있다.) 그는 그의 교향곡 일부에 니체괴테철학, 중세 종교 상징주의와 영성을 표현하는 가사를 사용했다. 그의 작품은 이제 세계 주요 심포니 오케스트라의 기본 레파토리의 일부가 되었다.



목차

[숨기기]



전기 [편집]





7살의 구스타프 말러
구스타프 말러는 보헤미아 지방 칼리슈트(Kalischt)의 유대인 가족에게서 태어났다. 그의 부모는 곧 오스트리아-헝가리 제국모라비아의 이글라우로 이주했고, 말러는 거기에서 그의 어린 시절을 보냈다. 아들이 음악에 재능이 있다는 사실을 안 부모는 그가 여섯 살 때에 피아노 레슨을 받게 했다. 1875년에 열다섯 살의 말러는 빈 음악원에 입학하여 율리우스 엡슈타인(Julius Epstein)에게서 피아노를, 로베르트 푹스(Robert Fuchs)에게서 화성학을, 프란츠 크렌(Franz Krenn)에게서 작곡을 배웠다. 3년 뒤에 말러는 빈 대학에 입학하였는데, 안톤 브루크너가 거기에서 강의하고 있었다. 말러는 거기에서 음악역사, 철학을 공부했다. 대학에 다니는 동안, 그는 음악 선생으로서 일하면서 그의 첫 주요한 작곡 시도로서 칸타타탄식의 노래〉를 지었다. 이 곡은 경연에 참가하였으나 입상하는 데에는 실패했다.

1880년대, 말러는 지휘자로서의 그의 생을 바트 할(Bad Hall)의 여름 극장에서 시작했다. 그 다음 해부터 그는 차례로 큰 오페라 하우스의 지휘자 자리를 가졌다. 1881년에는 류블랴나, 1882년에는 올로뮈츠, 1883년에는 빈, 1884년에는 카셀, 1885년에는 프라하, 1886년에는 라이프치히, 1888년에는 부다페스트로 갔다. 1887년에, 그는 아픈 아르투르 니키쉬를 대신해 바그너니벨룽의 반지를 연주하며 평론가와 대중 사이에서 명성을 확고히 했다. 그 다음 해에, 그는 칼 마리아 폰 베버의 미완성 오페라 세 사람의 핀토의 완성된 연주용 판을 말들었으며, 그것의 성공으로 경제적인 보상을 받았고 또한 서서히 그의 명성이 높아지는 데에 기여했다. 그의 첫 장기 계약은 1891년함부르크 오페라에서였으며 거기서 1897년까지 머물렀다. 거기에 있는 동안, 그는 북오스트리아의 슈타인바흐 암 아터제(Steinbach am Attersee)에서 여름 휴가를 보내며, 휴가 기간 동안에 작곡에 집중, 그의 교향곡 1번과, 유명한 민요 시집에 기초한 가곡 모음집 '어린이의 이상한 뿔피리'로부터의 가곡의 대부분을 완성했다.

1897년, 서른 일곱의 말러는 오스트리아 제국에서 가장 존경받는 음악적 지위인 비엔나 오페라의 감독직을 제안받았다. 그 자리는 '황실' 지위였고, 오스트리아-헝가리 제국의 법에 따르면 그 자리는 유대인이 맡을 수 없었다. 독실한 유대교인이 전혀 아니었던 말러는, 이 때문에 로마 가톨릭교회로 종교를 바꾸었다. 비엔나 오페라에서의 그의 십년은 비엔나 오페라의 레파토리와 예술적 기준의 변화를 가져왔으며, 이는 그의 치열한 성격과 주목할 만한 완벽주의, 그리고 완고한 의지에서부터 비롯되었다. 프랑스 작곡가 쥘 마스네의 작품이 말러가 오페라단을 맡았을 당시의 스타일에 부합했다면, 그의 지휘 하에서 대중은 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤, 그리고 크리스토프 빌리발트 글루크의 작품을 접하게 되었다. 말러는 매 해 아홉 달을 오페라단에서 일했고, 여름에만 작곡할 여유가 있었다. 이 여름을 그는 주로 마이어닉(Maiernigg)에서 보냈고, 그는 뵈르터제(Wörthersee)에 작은 오두막을 갖고 있었다. 거기에서 그는 교향곡 4번부터 8번, 프리드리히 뤼케르트의 시에 기초한 뤼케르트 가곡죽은 아이를 그리는 노래, 그리고 그의 '어린이의 이상한 뿔피리' 가곡의 마지막인 북 치는 소년을 작곡했다.

1902년에, 말러는 알마 쉰들러(1879년1964년)와 결혼했고, 사이에 두 딸을 두었는데, 후에 조각가가 된 안나 유스티네 말러 ('Gucki'; 1904–1988) 와 성홍열로 다섯 살에 죽은 마리아 안나 ('Putzi'; 1902–1907) 였다.

첫째 딸의 죽음으로 슬픔에 빠진 그에게 또다른 타격이 찾아왔다. 같은 해에 그는 심장병 (감염성 심장 내막염) 이 있다는 사실을 알게 되었고, 그의 운동을 제한하고 그의 걸음 수를 세도록 처방받았다. 오페라단에서의 예술적 문제에 대한 그의 완고함은 적을 만들어냈고, 또한 언론반유대주의적인 공격은 그를 더욱 괴롭혔다. 그의 1907년 오페라단 사임은 전혀 의외의 일이 아니었다.

말러 자신의 음악은 생전에는 널리 자주 연주되지는 않았고, 또한 대개 그리 반응이 좋지 않았다. 상대적으로 짧고 고전적 형태를 띤 교향곡 4번은 일각에서 어느 정도의 인정을 받았지만, 그의 작품이 큰 대중적 성공을 거둔 적은 거대한 교향곡 8번1910년 뮌헨 초연이 처음이었다. 하지만 그가 그 이후에 쓴 곡들은 그의 생전에 연주되지 않았다.

비엔나 오페라를 떠난 이후, 그는 뉴욕메트로폴리탄 오페라 로부터의 제안을 받았다. 그는 1908년에 거기에서 한 시즌을 지휘했지만, 대체로 아르투로 토스카니니를 선호하여 밀려나게 되었다. 그는 대중과 비평가 모두에게서 굉장히 호평을 받았지만, 메트 위원회 위원들의 선호도에서 밀려났다. 유럽에 돌아와서 결혼 생활에 위기와 알마의 불륜이 드러나고, 말러는 1910년지그문트 프로이트와 한 번의 (그리고 분명히 도움이 된) 면담을 가졌다.

유서깊은 뉴욕 필하모닉과 지휘 계약에 서명하고 난 후, 말러와 그의 가족은 다시 미국으로 떠났다. 이 시기에 그는 대지의 노래와, 마지막 완성작이 된 교향곡 9번을 완성했다. 1911년 2월에 길고 힘든 뉴욕에서의 콘서트 시즌 도중에, 말러는 연쇄상구균 감염으로 크게 앓았고, 발열이 있는 상태에서 그의 마지막 공연 (프로그램에는 그의 교향곡 4번과 부조니의 Berceuse élégiaque 초연이 포함되어 있었다) 을 가졌다. 유럽에 돌아와 그는 파리로 옮겨졌고, 거기에서 가장 최근에 개발된 새 혈청을 접종받았다. 하지만 약은 듣지 않았고, 그의 요청에 따라 빈으로 옮겨졌다. 그는 거기에서 감염증으로 1911년 5월 18일, 나이 오십에 그의 교향곡 10번을 미완성 상태로 두고 세상을 떠났다. 그는 그의 유언에 따라, 비엔나 외곽의 그린칭 공동묘지에 그의 딸 옆에 안장되었다.

“나는 삼중으로 고향이 없다”고 말러가 말한 적이 있다. “오스트리아 안에서는 보헤미아인으로, 독일인 중에서는 오스트리아인으로, 세계 안에서는 유태인으로서. 어디에서도 이방인이고 환영받지 못한다.”

작품 [편집]


교향곡 [편집]


초기(1~4번) [편집]


이 시기에 말러는 “어린이의 이상한 뿔피리”에 의한 노래에서 많은 주제를 차용했다. 때문에 이 시기를 '뿔피리 시기'라고도 한다.


  • 교향곡 1번, D 장조, “부제 : 거인” (1884–1888)
  • 교향곡 2번, C 단조, “부활” (1888–1894)
  • 교향곡 3번, D 단조 (1895–1896)
  • 교향곡 4번, G 장조 (1899–1901)
  • 교향곡 5번, 올림 C 단조 (1901–1902)

    • 주의 : 이 교향곡은 올림 C 단조로 시작하지만, 작곡가 자신이 출판사에 보낸 편지에서 “전체 교향곡의 조성을 말한다는 것이 어렵고, 오해를 막기 위해 조성 표시를 빼는 게 가장 좋겠다”라고 했던 사실을 주의할 필요가 있다.


  • 교향곡 6번, A 단조, “부제 : 비극적” (1903–1904)
  • 교향곡 7번, E 단조, “부제 : 밤의 노래” (1904–1905)
  • 교향곡 8번, 내림 E 장조, “부제 : 천인 교향곡” (1906)

    • 주의 : 교향곡 7번과 8번 부제는 말러 자신이 지은 것이 아니다. 사실, 작곡가 자신은 7번과 8번 교향곡의 부제에 대해 불만을 표시했다. 교향곡 7번의 부제는 교향곡 1번, 6번, 8번의 그것만큼 자주 쓰이지는 않는다.


  • 대지의 노래, 교향곡-연가곡 (1907–1908)

    • 주의 : 이 곡은 교향곡과 연가곡 모두로 분류할 수 있다. 말러는 이 곡에 교향곡으로 번호 붙이기를 꺼려했는데, 이는 9번의 저주에 대한 미신적인 두려움 때문이었다. 작곡자 자신의 피아노 반주판도 존재한다.


  • 교향곡 9번, D 장조 (1909–1910)
  • 교향곡 10번, 올림 F 장조 (1910–1911) (미완성; 연속된 '처음부터 끝까지'의 1945마디의 초고는 존재하지만, 상당 부분이 완전히 발전하지 못했고, 대부분이 오케스트레이션이 되어 있지 않다.)

    • 다양한 완성본

      • 아다지오와 푸르가토리오 부분, 에른스트 크레넥 (1924)
      • 데릭 쿠크, 다음 사람의 도움을 받아: 베르톨트 골트슈미트, 콜린 매슈, 데이비드 매슈 (1960, 1964, 1976, 1989)
      • 조셉 휠러 (1948–1965)
      • 클린턴 카펜터 (1966)
      • 레모 마제티 주니어 (1989)
      • 루돌프 바르샤이 (2000)
      • 니콜라 사말레와 주세페 마추카 (2002)

    • 여러 위대한 말러 지휘자 - 라파엘 쿠벨리크, 레너드 번스타인, 베르나르트 하이팅크 - 가 여러 가지 이유로 교향곡 10번의 다양한 '완성본' 중 어느 것도 연주하기를 거절했다. 특히 말러의 제자이자 친구였던 브루노 발터는 10번 자체를 강하게 부정했다. 이 거절은 심지어 쿠크 버전에까지 확장되었다 - 쿠크와 그의 공동 작업자들은 말러를 제외한 그 누구도 절대 교향곡 10번을 '완성'할 수 없다는 것을 잘 알고 있었고, 따라서 그들의 악보를 완성본이라고 표현하기보다 단순히 “초고의 연주 가능 버전”으로만 표현했음에도 불구하고 말이다. 하지만, 미하엘 길렌, 리카르도 샤이, 싸이먼 래틀 경 같은 현시대의 말러 지휘자들은 대부분 완성판을 수용하고 연주회의 레퍼토리로 올리고 있다.

성악곡 [편집]



  • 탄식의 노래, 독창과 어린이 합창 혼성 합창 및 관현악 반주를 위한 칸타타 (1880)

    • 주의 : 1880년은 초판이 완성한 해. 1901년 2월17일, 빈에서 작곡자 자신의 지휘로 초연됐을 때는 개정된 악보를 사용함.


  • 세 개의 노래, 테너와 피아노를 위한 세 개의 곡 (1880)
  • 젊음에 대한 가곡과 노래, 피아노 반주의 열네 개의 곡 (1880–1891)
  • 방황하는 젊은이의 노래, 피아노 또는 관현악 반주의 성악곡 (1883–1885)
  • “어린이의 이상한 뿔피리”에 의한 노래, 피아노 또는 관현악 반주의 성악곡 (1892–1898)
  • 죽은 북치기, 피아노 또는 관현악 반주의 성악곡 (1899)
  • 소년 북치기, 피아노 또는 관현악 반주의 성악곡 (1901)
  • 뤼케르트 가곡, 피아노 또는 관현악 반주의 성악곡 (1901–1903)

    • 주의 : “아름다워서 사랑한다면”곡은 작곡자 자신의 피아노 반주에 의한 악보만 존재합니다. 연주회에서 연주되는 관현악 반주판은 말러 자신이 편곡한 것이 아닌 막스 부트만에 의한 편곡판입니다.


  • 죽은 아이를 그리는 노래, 관현악 반주의 성악곡 (1901–1904)

    • 주의 : 피아노 반주에 의한 악보도 존재. 그러나 제1곡인 “이제 빛나는 해가 떠오른다”의 피아노 반주판은 행방불명.

바깥 고리 [편집]




위키버시티에 관련된 강좌가 있습니다.
포털:교양/구스타프 말러


참고 문헌 [편집]



  • 테오도어 아도르노, '말러. 음악적 인상학', 이정하 옮김, 책세상 2004. ISBN 978-89-7013-451-2.
  • Adorno, Theodor Wiesengrund. (1996). Mahler: A Musical Physiognomy. Chicago: University of Chicago Press. ISBN 0-226-00769-3.
  • Blaukopf, Kurt. (1973). Gustav Mahler. Harmondsworth: Allen Lane. ISBN 0-7139-0464-X.
  • De La Grange, Henry-Louis. (1995). Gustav Mahler: Vienna: The Years of Challenge (1897-1904) (Vol. 2). Oxford University Press. ISBN 0-19-315159-6.
  • De La Grange, Henry-Louis. (2000). Gustav Mahler: Vienna: Triumph and Disillusion (1904-1907) (Vol. 3). Oxford University Press. ISBN 0-19-315160-X.
  • Machlis, J. and Forney, K. (1999). The Enjoyment of Music: An Introduction to Perceptive Listening (Chronological Version) (8th ed.). New York: Norton. ISBN 0-393-97299-2.
  • Sadie, S. (Ed.). (1988). The Grove Concise Dictionary of Music. London: Oxford University Press. ISBN 0-333-43236-3.

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[수입] 드뷔시 : 관현악곡 1집 : 바다, 야상곡, 유희 영상, 봄 (2CD)
드뷔시 (Claude Achille Debussy) 작곡, 마르티농 (Jean Martin / EMI Classics / 2006년 10월
평점 :
품절


 드뷔시 : 교향시 '야상곡'    
 

=> 샤를르 뒤트와(지휘) / NHK 심포니, 연주실황 감상후기

 

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드뷔시의 야상곡(여성의 합창을 곁들인 관현악을 위한 3악장)을 감상하였습니다.

 

이곡도 인상파적인 작품이라고 평가되는데,드뷔시에 곡이 많이 그러하듯,

 

특히 바다(라메르)에서 표현된것과 같이 이곡도 1악장 구름, 2악장 축제, 3악장

 

사이렌(바다의 요정)으로 구성되어 있고 각악장마다 장면장면의 모습들을

 

유추하며 감상이 가능합니다.

 

1악장은 구름의 모습이라 역시 너무 심하게 강렬하지 않고, 하늘의 울림과

 

구름과 바람 그리고 역시 오케스트라 연주이니만치 구름의 소리를 잘 묘사한것

 

같았습니다.

 

2악장은 축제의 모습인데 곡이 좀 강렬하고 화려합니다. 약간 시끄러운듯 하기도

 

합니다. 축제의 모습을 표현한것 같습니다.

 

3악장은 요정의 모습입니다. 사람을 끌어당겨 매혹시켜 바다로 빠트리는 요정의

 

요염한 모습과 소리를 드뷔시가 음악으로 표현했는데요, 독특한 휘감겨오는듯한

 

소리의 느낌을 들을수 있었습니다.

 

전체적으로 음악적 분위기는 현대음악답지 않게 묘사적이고 표현적이어서 큰 어려

 

움없이 감상이 가능했던것 같습니다.

 

드뷔시의 넓고 독특한 음악세계의 더 깊은 이해를 위해 더 많은 작품 감상이

 

필요할 듯합니다.

 

 

 

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클로드 드뷔시

  

위키백과 ― 우리 모두의 백과사전.
(드뷔시에서 넘어옴)
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클로드 드뷔시
아실-클로드 드뷔시(프랑스어: Achille-Claude Debussy, 1862년 8월 22일 ~ 1918년)는 프랑스작곡가이다.

그의 대표작품으로는 목신의 오후 전주곡, 바다, 피아노 전주곡, 영상 1, 2집, 아이들의 풍경, 오페라 펠레아스와 멜리장드 등이 있다.

 

 

 

생애 [편집]




1885년 드뷔시가 로마에 있는 메디치 궁에서 찍은 사진으로, 중앙에 흰 상의을 입고있다.
클로드 드뷔시는 1862년에 생 제르망 앵 레이(Saint-Germain-en-Laye)에서 다섯 자녀 중 첫째로 태어났다. 아버지는 도자기 가게 주인이었고, 어머니는 재봉사였다. 그는 7세 때 그보다 나이가 많은 체루티라는 이름의 이탈리아 아이와 함께 피아노를 배우기 시작했다. 드뷔시의 레슨비는 그의 아주머니(aunt)가 지불했었다. 1871년에 수줍고 겁많은 소년 드뷔시는 마리 모테 드 플레비유(Marie Mauté de Fleurville) 부인에게 주목받았다.[1]

그녀는 자신이 프레데리크 쇼팽의 친구라고 주장했고, 드뷔시도 항상 그녀를 신뢰했지만, 실제로 그녀가 쇼팽의 친구였다는 증거는 없다.[2]

자신의 재능을 확실하게 보여준 덕분에, 1872년 11살의 나이로 드뷔시는 파리 음악원에 입학하였고, 1872년부터 1884년까지 세자르 프랑크, 에르네스트 기로(프랑스어: Ernest Guiraud)과 함께 공부하였다. 재학 중에 러시아 음악과 무소르그스키의 작품에 접한 것은 이후의 작품에 크게 영향을 주었다.

<탕자>로 로마 대상을 받고, 1887년 말라르메의 살롱에 출입하였다. 이때 상징파 시인 및 인상파 화가와의 접촉에 의해 차츰 인상주의 음악에의 의식이 깊어졌다. 말라르메의 시에 의한 <목신의 오후에의 전주곡>으로 그의 인상파풍의 작품 경향은 확정되었다. 가극 <펠레아스와 멜리장드>에서는 반 바그너적, 반 튜튼적 성격이 더욱 뚜렷해졌다.

제1차 세계대전 말기, 독일군의 폭격이 한창일 때 파리에서 사망하였다

 

 

대표 작품들 [편집]


분류:클로드 드뷔시의 작품 문서를 참고하십시오.

피아노곡 [편집]



두대의 피아노, 혹은 네 손을 위한 피아노곡 [편집]



  • 피아노, 네 손을 위한 Six épigraphes antiques (1914, from the music for Chansons de Bilitis)
  • 두대의 피아노를 위한 En blanc et noir (1915)

오페라 [편집]



칸타타 [편집]



  • L'enfant prodigue 소프라노, 바리톤, 테너와 관현악단을 위한 칸타타 (1884)
  • La demoiselle élue 두명의 독주자, 여성 합창단, 관현악단을 위한 칸타타 (1887-1888, 단테 가브리엘 로세티의 글귀)
  • Ode à la France 소프라노, 혼성 합창단, 관현악단을 위한 칸타타 (1916-1917, Marius Francois Gaillard에 의한 완성)

관현악곡 [편집]



  • Le printemps 4명의 성악가의 합창과 관현악단을 위한 관현악곡 (1884)
  • 소프라노 솔로이스트, 코러스(악보 없음)와 오케스트라를 위한 Printemps Suite Symphonique, Emil de Cou의 오케스트라
  • 오케스트라를 위한 Prélude à l'après-midi d'un faune, (tone poem) (1894)
  • Nocturnes for orchestra and chorus (1899)
  • Danses Sacrée et Profane for harp and string orchestra (1903)
  • Music for Le roi Lear, two pieces for orchestra (1904)
  • 바다, esquisses symphoniques (Symphonic Sketches) for orchestra (1905)
  • Images pour orchestre (1905-1911)
  • Le martyre de St. Sébastien, fragments symphoniques for orchestra (from the music for the play by d'Annunzio, 1911)
  • Printemps Suite Symphonique, 1887-1913, orchestrated by Busser
  • Khamma, ballet (1911-1912, orchestrated by Charles Koechlin)
  • Jeux, ballet (1913)
  • La boîte à joujoux, ballet (1913, orchestrated by André Caplet)

협주곡 [편집]



  • 피아노와 오케스트를 위한 Fantaisie (1889-1890)
  • 클라리넷과 오케스트라 (또는 피아노)를 위한 초연 랩소디 (1909-1910)
  • 클라리넷과 오케스트라 (또는 피아노)를 위한 Petite pièce (1910)
  • 알토 색소폰과 오케스트라 (또는 피아노)를 위한 랩소디 (1901-1911)

실내악곡 [편집]



  • String Quartet in G minor (1893)
  • 두 플루트와 두 하프, 첼레스타를 위한 Chansons de Bilitis 음악 (1901, text by Pierre Louys)
  • 플루트를 위한Syrinx (1913)
  • "첼로와 피아노를 위한 소나타" (1915)
  • "플루트, 비올라와 하프를 위한 소나타" (1915)
  • "바이올린과 피아노를 위한 소나타" (1917)

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알반 베르크 : 보체크
알반 베르크 / OPUS ARTE(오퍼스 아르떼) / 2007년 10월
평점 :
품절


1.알반 베르크 : 오페라 '보체크'

=> Hartmut Haenchen(지휘)/ Tokyo Philharmonic
            Wozzeck - Thomas Johannes Mayer
            Tambourmajor - Endrik Wottrich
            Andres - Jiro Takano
            Hauptmann - Volker Vogel
            Doktor - Hidekazu Tsumaya
            1.Handwerksbursch - Ken Osawa
            2.Handwerksbursch - Jun Hoshino
            Marie - Ursula Hesse von den Steinen
            Margret - Makiko Yamashita


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2009.11.26실황 NHK BS2 녹화실황

도쿄신국립극장, 바이에른 주립 오페라 극장과 공동제작

지휘: 하르트무트 헨헨(Hartmut Haensen)

http://terms.naver.com/item.nhn?dirId=1301&docId=5496

,신국립극장 합창단

[관현악] 도쿄필하모닉오케스트라


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BERG, A.: Wozzeck 

 

<<보체크의 낙소스 음반 표지모습>>

 

베르크의 보체크 전곡을 대본과 함께 감상하였습니다. 비극의 이야기 끔찍한 이야기이지만 베르크의 오묘한 음악적 효과와 독특한 무대 연출로 재미와 흥미로움을 만끽할 수 있는 감상이었습니다.

 

더운 여름 시원한 오페라 극장에서 본다면 더 나은 피서가 없을 것 같은 오페라로 생각됩니다. 오랜만의 기존의 음악적 흐름과는 다른 독특하고 새로운 음악작품의 감상이었던것 같습니다.

 

베르크의 독일 현대음악적 경향과 비교하기 위해 감상종료후에, 라벨의 다프리스와 끌로에 조곡 2번을 감상하였습니다.

 

베르크의 곡의 느낌이 차갑고 논리와 생각의 구조 음악으로 그려놓은것 같은 반면에, 라벨의 곡 느낌은 무척이나 아름답고 화려합니다.

 

고전 낭만시대 보다 더더욱 화려하고 장중한 아름다움과 미의 향연을 쏟아낸다고나 할까요, 그정도로 장중하고 화려한 음색을 쏟아 냅니다.

 

두다멜이 지휘한 다프니스와 끌로에는 무척 격렬하고 강렬하게 연주하였습니다.

 


약간은 잘 어울리지 않는 듯한 느낌이 드는 격렬함이었기에 아직 완벽하진 않다란 느낌이 약간들었습니다.


 

하지만 이 악단 특유의 박력과 아마추어리즘 그리고 신선함을 느낄수 있는 연주였습니다.

 

최고급 악단의 연주로 다프니스와 끌로에를 아주 아름답게 나중에 들어보아야 겠습니다.

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2. 라벨 Daphnis et Chloe Suite No. 2

구스타보 두다멜, 2008 년 12 월 17 일, 도쿄 예술 극장,

베네수엘라 시몬 볼리바르 청소년 관현악단

 


1. » I. Lever du jour 여명

2. » II. Pantomime 무언극

3. » III. Danse generale

 

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모리스 라벨

 위키백과 ― 우리 모두의 백과사전.

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모리스 라벨


 

모리스 라벨

 

모리스 라벨(Maurice Ravel, 1875년 3월 7일 ~ 1937년 12월 28일)은 프랑스작곡가이다. 관현악곡인 볼레로로 유명하며, 전람회의 그림의 관현악 편곡으로도 널리 알려져 있다. 그의 오케스트레이션은 다채로운 음색과 악기의 사용으로 유명하다.


그는 프랑스 바스크 지방의 Ciboure에서 바스크계의 어머니와 스위스인인 아버지로부터 태어났다. 그의 부모는 그의 음악적 재능을 키워 주기를 원하여 그를 14살 때 파리 음악원으로 보냈다. 피아노와 작곡에 뛰어난 재능을 보였다. 재학중 발표한 <죽은 왕녀를 위한 파반나> <현악 4중주곡 바장조>에서 새로운 경향을 보여 눈길을 끌었다.[1] 거기에서 그는 ‘아파치’라는 작곡가 학생들의 모임에 가입했는데, 이는 술마시고 흥청거리는 모임으로 유명했다.


파리 음악원에서 라벨은 가브리엘 포레에게 음악을 배웠다. 음악원에 있는 동안 로마대상을 받으려고 했지만 받지 못했다. 그가 충분한 재능이 있었음에도 대상을 주지 않았다는 사실이 드러나고 나서 그는 음악원을 떠났다. 라벨은 드뷔시의 인상주의 음악에 깊은 영향을 받았고, 재즈와 아시아의 음악, 그리고 유럽 전역의 민요에도 영향을 많이 받았다. 라벨은 종교를 가지지 않았으며 무신론자로 보인다. 그는 바그너의 음악처럼 공공연히 종교적인 색채를 부여한 음악을 싫어했으며, 대신 고대 신화에서 음악적 영감을 얻는 편이었다.


사생활 [편집]

라벨은 결혼한 적이 없지만, 오랜 관계를 맺은 상대는 있었다. 또한 파리의 사창가를 자주 드나들었다고 한다.


제1차 세계대전 때 그는 몸이 약했기 때문에 전쟁터로 끌려가지 않은 대신, 프랑스 부상병을 옮겨 주는 앰뷸런스 운전사 생활을 하였다.


1932년에 심한 교통사고를 당한 이후 그의 건강은 악화되었다. 1937년에 건강을 회복하기 위한 수술을 받았지만 실패하여 그자리에서 사망했다.


미국 작곡가 조지 거슈윈이 라벨을 만났을 때 프랑스 음악을 배우고 싶다고 말한 적이 있다. 그때 라벨은 이렇게 비꼬았다고 한다. “1류 거슈윈이 되지 왜 2류 라벨이 되려 하십니까?”


이고리 스트라빈스키는 라벨의 복잡하고 정교한 음악에 빗대어 그를 “스위스 시계공”이라고 말한 적이 있다.

 

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다프니스와 클로에

위키백과 ― 우리 모두의 백과사전

다프니스와 클로에(Daphnis et Chloé)는 모리스 라벨이 작곡한 곡이 곁들어진 발레 작품이다. 라벨은 이 작품을 가리켜, 교향 무곡(symphonie choréographique)이라 칭했다. 3세기 경의 고대 그리스 작가인 롱구스(그리스어:Λόγγος)의 낭만적인 소설을 미하엘 포킨이 각색하였다. 염소지기와 양치기 소녀와의 사랑에 관한 이야기로 1막과 3장으로 구성되었다.


개요 [편집]

라벨은 세르게이 디아길레프의 의뢰를 받은 후, 1909년에 악보를 작곡하기 시작했다. 1912년 6월 8일 파리의 샤틀레 극장(Théâtre du Châtelet) 에서 발레 루스의 초연이 있었다. 피에르 몽퇴가 교향악단을 지휘하였고, 미하일 포킨이 안무를 맡았고, 바슬라프 니진스키가 다프니스의 역할로 춤을 추었다. 이 인상적인 원 무대장치는 레온 박스트에 의해 디자인되었다.


악기 구성 [편집]

이 작품은 거대 관현악을 위해 작곡되었는데, 악기를 살펴보면, 피콜로, 두대의 플루트, 알토 플루트, 2대의 오보에, 잉글리시 호른, E-Flat 클라리넷, 2대의 클라니넷, 3대의 바순, 콘트라바순, 4대의 호른, 4대의 트럼펫, 3대의 트럼본, 튜바, 팀파니, 탐탐, wind machine, 트라이엥글, 베이스 드럼, field drum, 캐스터넷, 탬버린, 첼레스타, crotales, 철금(glockenspiel), 2대의 하프와 그외 합창단과 현악기등으로 이뤄져 있다. 디아길레프가 1914년 런던으로 이 작품을 공연하였을 때, 그는 합창단을 생략하자, 이에 성난 라벨이 타임즈 지에 편지를 보내게끔 자극하였다. (6월 9, 10, 17자 발행지 참조)


평가 [편집]

다프니스와 클로에는 거의 한시간 정도의 길이로 라벨의 작품중에서 가장 길다. 이 작품은 작곡가가 무척 아끼던 작품 중의 하나로 라벨의 수작으로 널리 평가된다. 이례적으로 풍성한 화성은 음악에서 인상파 동향의 전형이다. 라벨은 발레로부터 음악을 추출하여 두 개의 교향 모음곡을 만들었는데, 두 번째 작품이 특히 인기있다. 완성된 작품 그 자체는 무대에서보다는 콘서트에서 더 자주 공연된다.


라벨은 발레를 위한 수많은 작품을 작곡했다. 그의 발레곡을 위해서 그의 피아노 모음곡인 어미 거위(Ma Mère l'Oye)을 관현악으로 편곡했다. 그 작품은 유명한 볼레로(Boléro)로 원래는 무용곡으로 작곡되었으나 이제는 관현악 소품으로 인기가 있다. 라벨은 역시 발레 작품인 팡파레(Fanfare L'eventail de Jeanne)을 공동작업하였다.


자크 오펜바흐는 1869년에 역시 다프니스와 클로에를 주제로 오페레타로 작곡하였다

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구스타보 두다멜

구스타보 아돌포 두다멜 라미레스(Gustavo Adolfo Dudamel Ramírez, 1981년 1월 26일 - )는 베네수엘라의 지휘자이다.


약력 [편집]

베네수엘라 서북부에 있는 라라 주의 주도인 바르키시메토에서 태어났으며, 10세 때 베네수엘라의 전국적인 음악 교육 계획인 엘 시스테마의 수혜자가 되어 바이올린 교습을 받기 시작했다. 하신토 라라 음악원에 진학해 호세 루이스 히메네스 등에게 계속 배웠으며, 작곡 등 다른 분야도 수강하기 시작했다. 1995년 부터는 로돌포 사글림베니와 엘 시스테마 창시자인 호세 안토니오 아브레우 등에게 집중적으로 지휘를 배웠으며, 고향의 실내 관현악단과 지방 청소년 관현악단의 부지휘자 등을 거쳐 1999년에 불과 18세의 나이로 베네수엘라 시몬 볼리바르 청소년 관현악단의 음악 감독이 되었다.


2004년에는 밤베르크 교향악단에서 주최하는 구스타프 말러 국제 지휘 콩쿨에 참가해 우승했으며, 클라우디오 아바도와 사이먼 래틀 등의 후원과 엘 시스테마의 세계적인 주목 등으로 급속도로 명성을 얻기 시작했다. 이듬해에는 필하모니아 오케스트라와 이스라엘 필하모닉 오케스트라, 로스앤젤레스 필하모닉 등을 처음 지휘했으며, 독일의 세계적인 클래식 음반사인 도이체 그라모폰과 전속 계약을 체결했다. 이어 버밍엄 시립 교향악단과 드레스덴 국립 관현악단, 예테보리 교향악단 등을 객원 지휘했고, 밀라노의 라 스칼라 오페라에서 모차르트의 '돈 조반니' 를 지휘해 오페라 영역에도 진출했다.


2007년에는 루체른 국제 음악제에서 빈 필하모닉 오케스트라와 첫 공연을 가졌으며, 외국에서 첫 본격적인 직책으로 예테보리 교향악단의 수석 지휘자를 맡아 2009년 현재까지 재임하고 있다. 시몬 볼리바르 청소년 관현악단과도 BBC 프롬스와 루체른 국제 음악제, 본 베토벤 음악제 등에서 공연해 절찬을 받았으며, 데뷰 음반인 베토벤의 교향곡 5번과 7번을 위시한 대부분의 CD와 DVD도 해당 악단과 제작하고 있다. 2009년 9월부터는 에사-페카 살로넨의 후임으로 로스앤젤레스 필하모닉의 음악 감독으로 취임했다.


라틴아메리카 태생의 젊은 지휘자답게 빠른 템포와 활력, 열정을 잘 살린 연주를 끌어내는 것으로 명성이 높으며, 다루는 레퍼토리도 모차르트에서 번스타인까지 꽤 넓은 편이다. 그러나 일각에서는 아직 풍부한 경험과 깊이가 부족하다는 비판도 제기하고 있다.[누가?]


에피소드 [편집]

두다멜은 2008년 12월 시몬 볼리바르 청소년 관현악단과 함께 첫 내한 공연을 가졌는데, 리허설 중 엘 시스테마에 참가해 지휘법 강사로 자신을 가르쳤던 곽승과 해후해 화제가 되었다.[1] 이후 본 공연에서도 앵콜곡 연주가 끝난 뒤, 자신이 입고 있던 베네수엘라 국기 문양의 점퍼를 객석에서 관람하고 있던 곽승에게 입혀주기도 했다.[2]


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대구문화예술리뷰 2010-08-14 23:43   좋아요 0 | 댓글달기 | URL
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