오늘은 ‘사람들이 음악을 어떻게 가르칠까?‘ 라는 소...

오늘은 ‘사람들이 음악을 어떻게 가르칠까?‘ 라는 소제목의 글로 시작한다. 각 사람마다 가지고 있는 재능이나 역량이 제각각이기 때문에 가르치는 사람과 가르침을 받는 사람 간에 성향이 어느정도 맞으면 좋겠지만 그렇지 못한 경우들도 많이 있는 듯하다. 이로 인해 저자는 스승과 제자간에 원활한 의사소통의 중요성을 강조한다.
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뒤이어지는 글에서는 피아노를 전공한 저자가 다른 악기들과는 피아노 연주만의 특징에 대해 세부적인 부분들까지 얘기해준다. 개인적으로 이 부분을 읽으면서 분야를 막론하고 그 안의 디테일한 영역까지 들어가보면 결코 호락호락한게 없음을 다시금 느낄 수 있었다. 단순히 어떤 말이나 글로 설명할 수 없는 눈에 보이지 않는 어떤 감각이라는 것의 비중이 굉장히 크다고 느껴졌다. 이로인해 음악인들도 나름대로 그들만의 고충이 많이 있겠다는 생각이 들면서 개인적으로는 기존에 가졌던 음악인들에 대해 편협했던 시각도 상당부분 개선되었다. 뭔가 그들은 다른 세상에 사는 사람들처럼 막연하게만 생각했었는데, 실제로는 단지 나와 분야만 다를 뿐 똑같은 사람이라는 생각이 들면서 그들을 좀 더 이해하는데 도움이 되었다.
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이어서 이 책의 초반부에 저자가 독자들에게 소개했던 AIMA(인공지능 뮤직 어드바이저)의 역할과 미래에 대한 내용이 소개된다. 많은 내용들이 나오지만 독자인 내가 느낀 여기서의 핵심은 AIMA라는 것이 상용화된다면 레슨비 등에 대한 경제적 부담의 감소로 음악 학습에 존재하는 기존의 진입장벽이 상당부분 낮아지고 이로 인해 보다 많은 사람들이 좀 더 쉽게 음악을 접할 수 있게 되며 스스로 하는 연습도 좀 더 효율적으로 해볼 수 있다는 것이었다.

본문에서는 이 책의 특성상 인공지능과 음악에 대한 얘기가 주를 이루지만, 좀 더 확장해서 생각해본다면 분야를 막론하고 인공지능의 발전이 기존에 존재하던 어떤 방식들을 보다 효율적으로 만들어서 사람들에게 보다 많은 혜택을 줄 수 있겠다는 생각이 들었다. 그리고 인공지능의 발전이 어떤 사람들에겐 위기처럼 느껴질 수도 있겠지만, 조금만 다른 각도에서 보면 위기라고 생각했던 것이 기회로 탈바꿈할 수도 있겠다는 생각도 해볼 수 있었다.
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오늘 포스팅의 마지막 부분에서는 ‘인공지능 음악이 사람들에게 감동을 줄 수 있을까?‘ 라는 질문에 대한 저자의 생각과 이에 관한 사례가 소개된다. 개인적으로는 이번 독서를 통해 처음 알게 되었는데, 하츠네 미쿠라는 캐릭터가 보컬로이드라는 시스템을 통해 노래를 하고 춤도 추는 홀로그램으로 탄생하여 외국의 유명 도시들을 순회하며 콘서트를 개최했고 티켓이 매진될 정도로 인기를 끌었다는 사례였다. 과거에는 기술적인 한계 등으로 인해 상상할 수 없었던 일들이 지금 현실에서 성공적으로 구현되고 있는 모습을 보면서, 최근 급부상하는 인공지능과 음악이 어디까지 진화해나갈지 문득 궁금해졌다.

그리고 이 사례를 통해 실제 인간이 직접 음악을 연주하지 않고도 얼마든지 사람들에게 감동을 줄 수 있다는 것을 보면서, 기존에 갖고 있던 고정관념(‘기계는 사람에게 감동을 줄 수 없다‘ 와 같은 생각들)을 과감히 내려놓을 수 있었다. 세상은 계속해서 변하고 기술은 끊임없이 발전하기에 이에 발맞춰 우리의 생각도 항상 깨어있고 열려있어야 한다고 생각한다. 편협한 시각에서 벗어나 과감히 새로운 것을 받아들이고 변화의 흐름에 잘 올라타는 것만이 새로운 시대를 살아나가는데 있어 가장 중요한 일이 아닐까 싶다.

가르침에 있어 학생과 선생님 사이의 의사소통은 정말 중요하다. - P97

가르치는 대로 학생이 금방 따라하는 것이 이상적인 케이스지만 많은 경우 레슨 중에 같은 말을 반복하게 된다. 이때 아무래도 사람이다 보니 잘 되지 않는 상황이 반복되면 가르치는 사람은 답답해서 화를 내고 배우는 사람은 마음이 조급해져 되던 것도 안 되게 된다. 그러니 학생이 잘 못 따라 할 때 참을성 있게, 친절하게 가르쳐 주는 것도 좋은 선생님의 자질이라 할 수 있겠다. - P97

고등학교 때 나를 가르쳐 주신 선생님께서는 테크닉을 강조하셨다. 이는 그 시기의 학생에게 가장 중요한 부분이기도 했다. 각 손가락의 독립성, 하나의 구절Phrase을 칠 때 손과 팔의 움직임, 힘을 빼는 방법, 빠른 구절이나 같은 음을 빠르게 반복해 치는 방법, 건반 누르는 속도와 소리와의 관계, 코드 칠 때 밸런스 찾는 법, 큰 소리 내는 방법, 작은 소리 내는 방법, 음간 간격이 큰 경우 이동하는 법, 페달 사용법, 팔의 무게 사용과 몸의 움직임, 심지어 호흡법까지 자세하게 배울 수 있었다. 이때 배운 테크닉은 나만의 음악적 표현의 탄탄한 밑받침이 되어 주었다. - P97

테크닉 발달시킬 때 가장 중요한 것은 다양한 연습 방법이다. 부점연습(앞의 음표가 4분의 3만큼 길이로 길고 뒤의 음표가 4분의 1만큼 길이로 짧은 형태 또는 반대 형태의 리듬을 연습), 스타카토 연습(음의 길이를 짧게 줄여 연습), 레가토 연습(음이 끊어지지 않게 연결하는 연습), 왼손/오른손 따로 연습, 2~4개의 음을 따로 묶어 리듬 연습하기 등이 있다. 이런 연습들을 반복해 신경과 근육이 기억하게 함으로써 자연스러운 반사적 움직임을 길러낸다. - P98

테크닉과 연습 방법은 각자의 손 크기와 신체적 조건에 따라 달라질 수 있다. 예를 들어 피아노 건반에서 도에서 한 옥타브(완전 8도 음정)와 3도 위의 미를 친다고 했을 때 10도가 별 어려움 없이 닿는 사람이 있고 손가락을 최대한 펼쳐서 빨리 이동해야 칠 수 있는 사람도 있다. 이때 손이 작은 사람은 이동하는 연습이 필요할 것이고, 손이 큰 사람은 별 연습 없이도 편하게 칠 수 있을 것이다. - P98

코드를 칠 때도 마찬가지이다. 손이 작은 사람은 한 번에 여러 음을 동시에 치기 어려울 경우 음을 나눠서 쳐야 한다. 라흐마니노프, 프로코피에프 같은 서양작곡가들은 손이 비교적 큰 편이었다. 자연스럽게 작곡도 자기 손 크기에 맞춰서 했기에 손이 작은 사람들이 이런 작곡가들이 만든 곡을연주하려 하면 어려움이 따른다. 반면 손이 크고 살이 찐 사람들은 건반 사이에 손가락이 끼거나 섬세한 연주를 할 때 어려움을 겪는 경우도 있다. - P98

손 크기에 따라 손 모양도 달라진다. 같은 구절을 치더라도 손이 작은 사람은 손가락을 좀 더 펼쳐서 쳐야 한다면 손이 큰 사람은 반대로 손가락을 구부리고 손을 모아서 쳐야 한다. - P98

가르칠 때는 학생의 신체적 조건을 고려해 그에 맞는 테크닉을 가르쳐 주는 것이 중요하다. 노래를 할 때 자신에게 맞는 음역대의 곡을 선택하거나 조성을 높이거나 낮춰 부르는 것과 같은 이치이다. - P98

음색과 소리의 크기는 건반을 누르는 속도와 손모양에 따라 달라진다. 크고 울림 있는 소리를 내려면 손가락만 사용하기보다는 팔과 온몸을 이용해야 하고 힘을 주기보다는 빼야 효과적이다. 반면 작고 섬세한 소리를 낼 때는 건반을 천천히 누르고 손가락을 너무 높이 들지 않는 것이 좋다. - P99

페달법도 음색에 큰 영향을 준다. 시대에 따라 피아노도 함께 발전해왔기에 페달법은 작곡가와 시대별로 많은 차이를 보인다. 어떤 경우에는 페달을 2분의 1, 3분의 1, 4분의 1만 밟을 때도 있고 빠른 속도로 계속 바꿔줘야 할 때도 있다. 왼쪽 페달soft pedal을 사용해 소리의 색을 바꿀 수도 있다. - P99

특별한 부분에서 분위기를 바꾸고 싶을 때 조금 느려지거나 숨을 쉬는 타이밍을 이용하는 사람도 있고 건반을 누르는 속도를 바꾸는 것만으로 음색을 바꾸는 사람도 있다. 이러한 디테일에 따라 같은 곡도 사람마다 해석이 달라지므로 자신만의 고유한 음악을 만들 수 있는 것이다. 그렇기에 연습할 때 테크닉뿐 아니라 섬세하게 듣고 원하는 소리를 찾아가는 것 또한 중요하다. - P99

다른 악기 연주가의 경우 자신의 악기를 항상 가지고 다니며 동일한 악기로 연주하는 반면 피아노는 이동이 어렵기 때문에 장소에 따라 다른 악기를 사용한다. 악기와 장소가 다르면 음향도 다르다. 그래서 이러한 변화에 맞춰 소리를 들으며 터치와 타이밍, 페달을 즉흥적으로 조절해야 하는데, 이것은 피아노 연주의 가장 어려운 점이 될 수도 있고 매력 포인트가 될 수도 있다. - P99

여러가지 상황에 알맞게 대처하는 일은 연주에 많은 영향을 미치므로 연주 전에 리허설을 해서 연주 장소에서 악기를 미리 테스트해봐야 한다. - P100

베이스와 멜로디만 따로 연습하는 방법은 화성의 진행 이해와 악보 암기에 도움이 되었다. 또 빠른 구절을 치려면 다양한 리듬 연습이 필요한데, 이때 손가락을 하나하나 움직이기 보다는 그룹으로 묶어 팔이 이끌어준다고 생각하면 도움이 된다. 메트로놈을 사용해 느린 템포로 시작해서 한 단계씩 높여가면 빠르게 치는 것이 수월해진다. 왼손과 오른손의 밸런스를 다양하게 바꿔보며 연습하는 것도 귀를 트레이닝하는 방법 중 하나이다. - P100

타고난 음악적인 재능을 가진 사람은 어린 시절부터 선생님이나 다른 연주가들의 연주를 듣고 따라 하는 일이 매우 쉬울 수 있다. 하지만 이런 경우 대부분 배울 때부터 자세한 설명이나 연습 방법을 필요로 하지 않기에 후에 학생을 가르칠 때 어려움을 겪는다. 자신은 쉽게 되었기 때문에 다른 사람들이 왜 되지 않는지 이해하지 못하거나 어떻게 해결해야 할지 모른다. 그렇기에 훌륭한 연주자가 꼭 좋은 선생님이라고는 말할 수 없다. - P101

사람들은 자신이 해석하고 연주하는 대로 음악을 가르친다. - P101

우리는 새로운 곡을 접할 때 많은 음악가들의 음악을 들으며 아이디어를 얻곤 한다. 배우는 과정에서도 다른 연주가의 음악과 자신의 음악을 비교하며 나만의 음악을 만들어 가기도 한다. - P101

가르치는 입장에서 같은 곡을 가르칠 때 모든 학생에게 같은 해석을 요구하더라도, 결과적으로는 학생마다 음악이 다르게 나온다. 감수성, 성격, 살아온 환경과 음악성 등에 따라 곡을 대하고 느끼며 드는 감정과 음악적 해석이 다르기 때문이다. 타고난 신체적 조건이나 테크닉 때문에 템포 및 음악이 변할 수도 있다. 좋은 선생님은 각 학생의 이러한 특성과 자질을 살려 그 학생만의 음악을 만드는 것을 도와준다. - P101

다양한 문화, 영역, 분야 등은 하나의 고리로 연결되어 있는데, 이들은 기존의 생각과 충돌하거나 새롭게 결합해 독창적인 아이디어를 생성한다. - P102

교차점이란 서로 다른 수많은 생각이 한곳에서 만나는 지점을 뜻하고, 메디치 효과는 이 지점에서 획기적인 아이디어가 폭발적으로 상승하는 현상을 말한다. 다양한 영역과 분야 그리고 문화를 한 곳에 접목시키고 이들이 활용되는 한 지점을 발견하는 것이다. - P102

음악은 한 사람의 삶을 반영한다. 그래서 어떤 곡을 배울 때는 작곡가의 의도와 삶, 곡의 배경은 물론 음악 이론과 역사의 이해도 필요하다. - P102

연주가의 많은 경험과 연륜 덕분에 표현되는 여유와 감미로움은 영재들이 침범할 수 없는 영역이다. - P103

음악의 대가라고 불리는 사람들은 어느 정도 나이가 있다. 이들의 연주는 한국의 장영주나 중국의 랑랑, 러시아의 키신과 같이 신동으로 알려진 음악가들의 (어릴 적)음악과는 또 다른 차원이다. 음악 영재들이 화려한 테크닉과 음악성을 자랑할지라도 60~70대의 루빈스타인이나 아이작 스턴에게서 배어 나오는 음악과는 비교할 수 없다. 물론 이들이 무대에서 실수가 더 많고 가끔은 악보를 사용한다고 해도 말이다. - P103

우리는 40~50대에 가장 많은 능력을 발휘한다고 하지만 60~70대 어르신들의 경험에서 나오는 생각과 지혜는 따라가기 힘들다. 음악 분야에서도 마찬가지인 것이다. 고난 없이 다른 사람의 아픔과 어려움을 이해할 수 없듯 열살짜리 음악 신동이 고난에서 오는 실망과 좌절, 아픔을 음악으로 성숙하게 표현하는 것은 불가능하다. 이처럼 음악은 음악가들이 삶을 살며 겪는 기쁨, 고통, 슬픔, 분노, 행복 등의 여러 감정을 반영한다. - P103

음악가들은 음악을 표현할 때 다양한 분야에서 영감을 얻기도 한다. 음악적 이해를 도우려 세계 각지의 유명 박물관이나 미술관을 방문하거나 여행을 하면서 작곡가들의 다양한 문화를 이해하곤 한다. 영화 또는 문학에서 영감을 얻기도 한다. - P103

음악을 연주하려면 연습만 할 것이 아니라 다양한 문화적 체험을 하는 것도 중요하다 - P104

때로는 한적한 바닷가에 가서 해변을 거닐고 때로는 북적이는 재래시장에 가서 사람들의 삶을 들여다보는 일도 음악 공부에 필요하다 - P104

정말 뛰어난 선생님은 이러한 보편적 레슨뿐만 아니라 다양한 문학과 경험을 음악과 연결지어 설명해주고, 이해를 돕고자 필요한 경험을 할 수 있도록 인도해준다. - P105

AIMA도 곡에 따라 곡의 배경이나 관련 문학 또는 느낌을 분석한 후 관련이 있는 문화 활동을 추천하는 역할을 할 수 있다. 이때 음악 레슨은 이러한 다양한 분야를 경험하게 해주는 연결고리가 된다. AIMA를 통해 음악 레슨이라는 한 분야에서 다양한 문화생활까지 뻗어 나갈 수 있게 되는 것이다. - P106

어린이는 어른에 비해 눈에 보이는 것을 그대로 믿는 경향이 강하다. 실제로 증강현실 기술이 적용된 교육 컨텐츠가 교육 대상자에게 컨텐츠에 몰입할 수 있는 환경을 제공해 기존 교육 컨텐츠보다 큰 효과를 거둘 수 있음이 국내외의 실험을 통해 입증되었다. - P107

증강현실은 어린이들이 책 위로 보이는 공룡이나 자연을 마치 살아있는 생물처럼 관찰하고 볼 수 있도록 해줌으로써 교재에 대한 흥미를 유발하며 다감각적 정보를 활용해 더 깊은 감정이입을 도와준다. 이에 더해 입체적인 3D 그래픽및 시뮬레이션 등의 시각화로 사고력과 창의성 개발을 촉진하는 등 증강현실은 직접적인 학습효과를 제공하며 차세대의 적합한 교육 매체로 주목받고 있다. - P108

인공지능 음악선생님 AIMA의 역할은 다양하다. 먼저 음악을 배우고 싶어하는 사람은 누구나 레슨 선생님을 쉽게 찾을 수 있도록 도와준다. 대화를 통해 그 사람에게 맞는 레벨, 취향, 좋아하는 음악가 등을 고려해 선생님을 추천한다. 옛 대가나 현 시대를 살고 있는 유명 연주가 또는 여러 선생님의 가르치는 방식을 학습한 인공지능 등 많은 선택권이 주어진다. 그 중 자신이 원하는 선생님을 선택하면 그 선생님의 연주 데이터 분석을 바탕으로 학생의 연주와 비교하며 어떤 해석이 가능한지 자세히 설명해준다. 학습하고 있는 곡의 유명 연주가들의 레코딩을 찾아서 들을 수 있도록 추천을 해주기도 한다. - P109

AIMA는 연습 선생님 역할도 할 것이다. 선생님에게 학생이 레슨을 받는 동안 레슨 과정을 모니터링해 기억했다가 학생이 혼자 연습할 때 선생님이 가르쳐준 소리, 자세 및 음악적 해석 등을 그대로 연습할 수 있도록 도와준다. 레슨 시간 동안 배운 내용을 다 기억하기란 쉽지 않으므로 이러한 AIMA의 도움은 연습 시간을 단축시킬 수 있다. 또한 연습을 항상 모니터링하며 부족한 부분을 채워줄 수도 있다. - P109

연주 자세는 자신이 보기 어렵기 때문에 잘못된 습관이 생길 수 있는데, 이럴 때마다 AIMA는 융합현실을 이용해 홀로그램으로 학생의 자세를 보여준다. 스스로를 3D로 볼 수 있기 때문에 자세 교정에 많은 도움이 될 것이다. 잘 되지 않는 어려운 부분이 있는 경우 여러가지 연습 방법을 제안하고 학생의 신체조건에 적합한 테크닉도 가르쳐준다. AIMA는 실제 선생님과 달리 아무리 못해도 화를 내거나 다그치지 않는다. - P110

연습을 시작할 때는 어느 부분의 연습이 더 필요하고 어떤 면을 개선해 나가야 하는지 말해줄 것이다. 연습이 끝나면 목표를 얼마나 달성했는지 알려주고 기억해두었다가 다음 번 연습 때 연습이 더 필요한 부분을 되새겨준다. - P110

다양한 역할을 할 수 있는 AIMA는 멀지 않은 미래에 음악과 관련한 모든 서비스를 하나의 플랫폼을 통해 음악가와 음악 애호가들에게 제공하는, 4차 산업혁명 시대에 걸맞은 인공지능 음악 어드바이저로 등장할 것이다. - P110

사람은 누구나 노래, 댄스, 그림, 음악과 같은 예술행위 또는 글쓰기, 스포츠 등으로 자신을 끊임없이 표현하고자 하는 욕구가 있다. - P114

몸을 움직임으로써 몸과 마음이 회복되는 동작 치유, 미술매체를 사용해 다른 방식으로는 나타내기 어려웠던 생각과 감정을 미술작품으로 표현하며 심리적 문제를 해소하는 미술치료, 음악을 들음으로써 마음의 안정을 유지하고 연주에 직접 참여해 정신기능을 향상시키는 음악치료 등 생각을 다양한 예술 분야로 표현해 몸과 마음을 치유하기도 한다. - P115

자신의 감정과 느낌을 건강하게 표현하는 일은 자존감을 높이고 대인관계를 원만하게 해준다. 또한 삶의 질을 높여줘 더 진실되고 멋진 삶을 살 수 있게 해준다. - P115

콘서트의 종류는 다양하다. 분야(팝, 클래식, 재즈, 힙합, 컨트리 음악, 블루스, 전자음악 등)에 따라 콘서트의 규모와 장소가 달라진다. 사람마다 좋아하는 분야도 다르지만 콘서트에서 받는 감동의 포인트도 다양하다. - P116

‘마음이 쉴 곳 없는 세상에서 외면 받은 사람들을 위해서‘ 연주를 한다 - P116

음악을 통해 연주가라는 한 사람의 인생을 느낄수 있다. - P117

클래식 선율 자체가 선사하는 고급스러움과 평온함은 많은 사람의 감성을 자극한다. 사람들은 연주가가 연주를 준비하는 과정에서 겪은 외롭고 힘들었던 자기와의 싸움에서 얻은 결과에 환호를 보내기도 하고 랑랑의 연주처럼 화려한 테크닉과 스타성, 또는 키신의 천재성에 열광하기도 한다. - P117

예체능에서 뛰어난 퍼포먼스가 찬사를 받는 이유 중 하나는 그 뒤에 피나는 노력이 있기 때문이다. - P117

반대로 소박함, 서투름에서 감동을 받기도 한다. ...(중략)...
나는 아무 기대없이 듣고 있었다. 피아노 연주가 세련된 것도 아니었고 노래도 음악적이지 않았다. 하지만 신기하게도 그 청년의 음악에는 정말 오랜만에 느껴보는 따스함이 있었다. 다른 어떠한 뛰어난 연주보다도 감동이 있었다. 연주를 들으며 완벽해지려고만 애쓴 부족한 나 자신이 부끄러웠다. 그리고 나에게 연주가 전해주는 감동은 완벽함에서 오는 것이 아니라는 큰 깨우침을 준 소경 청년에게 참 감사했다. - P117

사람들은 인간이 아닌 캐릭터를 홀로그램으로 재현한 하츠네 미쿠 Hatsune Miku 콘서트에도 열광한다. 하츠네 미쿠는 청록색의 긴 양갈래 머리를 한 열여섯 살 소녀로 묘사된 가장 인기 있고 유명한 보컬로이드이며 처음으로 팝 아이돌이 된 캐릭터로 10만 곡이 넘는 노래를 발매했다. - P118

야마하가 개발한 보컬로이드VOCALOID는 음성 합성 기술로 멜로디와 가사를 넣으면 가수가 노래를 불러주는 시스템이다. 세부 설정을 통해 원하는 대로 노래 스타일을 변경할 수 있고 다양한 종류의 음성 은행이 있어 어울리는 목소리와 캐릭터를 선택해 만들고자 하는 음악을 생성해 낼 수 있다. 하츠네 미쿠는 여기서 개발한 유명 캐릭터 중 하나다. - P118

춤추는 홀로그램 캐릭터에 보컬로이드로 만든 노래를 합성한 퍼포먼스에도 사람들은 열광한다. 이 콘서트가 선사해 준 감동은 음악이 사람의 고뇌와 노력에서 나왔다는 것에 대한 감동이나 천재 음악가에 대한 감탄이 아니다. 물론 하츠네 미쿠의 노래와 춤 실력은 사람 못지 않게 뛰어나다. 하지만 기술이 보여주는 화려함과 플래시를 음악에 맞춰 흔드는 등 함께 공연에 동참하고 있다는 군중심리가 사람들을 더 열광하게 했을 것이다. - P119

처음 전자음악이 나왔을 때 사람들은 생소한 음악에 거부감을 표시했다. 이런 음악은 음악이 아니라고 하는 사람들도 있었다. 하지만 시간이 흐르면서 다들 자연스럽게 전자음악을 즐겨 듣기 시작했다. - P119

사람들은 취향에 따라 좋아하는 음악의 장르가 각자 다 다르다. 팝 콘서트에서 감명을 받은 사람이 클래식 콘서트에 가서도 감명을 받으라는 법은 없다. 어떤 사람은 홀로그램 콘서트는 실제 사람이 연주하는 것이 아니기 때문에 감동을 줄 수 없다고 말하지만 앞에서 설명한 하츠네 미쿠 콘서트는 세계 각국에서 성공적으로 사람들의 환호를 받았다. - P119