디테일로 보는 서양미술

디테일로 보는 서양미술 - 르네상스부터 동시대 미술까지 ㅣ 디테일로 보는 미술
수지 호지 지음, 김송인 옮김 / 마로니에북스 / 2021년 2월

르네상스부터 동시대 미술까지 그림을 완성하는 결정적 장면들

마로니에북스에서 출판한 수지 호지 지은이 김송인 옮긴이의 르네상스부터 동시대 미술까지라는 부제를 가진 <디테일로 보는 서양미술>은 미술을 좋아하는 사람은 소장하며 싶은 도서다. 개인적으로 미술에 관한 교양이 부족해 미술에 대해 알고 싶은 마음에 처음 구입한 책이 곰브리치의 ‘서양미술사’이다. 정말 걸작이지만 무수한 텍스트에 주눅 들어 가끔 필요한 부분을 읽어보는 발췌독으로 사용된다.

저자인 수지 호지는 영국왕립미술협회 특별회원으로 활동하고 있는 미술사학자이자 사학자이다. 깊이 있는 통찰과 해박한 역사 지식을 토대로 독자를 미술의 세계로 초대한다. (책 날개 중)

수지 호지의 <디테일로 보는 서양미술>은 곰브리치의 ‘서양미술사’의 설명하듯 현대에 맞게 더 많은 이미지와 설명을 곁들여 친숙하게 다가온다.

도서 역시 그림을 수록하기에 넉넉한 가로 판형이라 도록에 알맞은 형태이고, 미술의 역사를 시기별로 작가별로 100점을 선정해 작품당 4페이지에 걸쳐 자세하게 설명한다. 100점에 따르는 추가 작품을 생각하면 200여 점의 그림과 작가에 관한 설명을 들을 수 있다.

각 작품을 특징짓는 세부적인 사항들에 관해선 작품에 담긴 비유나 상징적인 의미가 무엇인지, 작품에 쓰인 기교, 재료의 선택과 처리 방법, 원근법의 사용, 자서전적 요소, 공간과 빛의 묘사, 작품에 끼친 영감과 영향, 누가 작품을 의뢰했는지, 어떤 개조나 수정을 거쳤는지 그리고 동시대의 사건에 대한 해석까지도 모두 고려했다.

[디테일로 보는 서양미술 서문 중]

서양미술은 획기적인 미술의 발전이 나타난 1500년 이전, 16세기, 17세게, 18세기, 19세기, 그리고 1900년 이후로 연대기적으로 당대 가장 중요한 작품을 위주로 소개한다. 지금 우리에게 잘 알려지지 않은 작품일지라도 당대 미술을 획기적으로 발전시킨 작품도 저자는 포함하고 있다.

[ 1500년 이전 ]

1500년까지 유럽 미술에 가장 큰 영향을 미친 것은 종교였다. 교회는 주요 후원자로서 예술 작품을 의뢰했고 수도사들은 작품을 제작하기도 했다. 르네상스로 인간에 대한 재인식과 그리스 로마 문명을 다시 돌아봄으로써 예술의 다양한 영역에서 획기적인 변화가 나타났다.

1500년경 미술의 가장 획기적인 변화는 원근법의 사용이다. 피렌체 산타 마리아 노벨라의 프레스코화로 마사초에 의해 그려진 <성 삼위일체, 마리아와 사도 요한 그리고 두 명의 봉헌자>는 평면에 3차원적인 일점투시법을 사용한 최초의 그림으로 알려졌다. 이 기법으로 예술가들은 평면에 3차원의 깊이를 표현할 수 있었다.

얀 반 에이크의 <아로놀피니의 결혼>은 궁정화가 당대 실력자인 부르고뉴공국의 필립 공에게 고용된다. <아르놀피니의 결혼>이 오늘날 유명한 이유는 아마인유라는 기름을 섞어서 만든 유화 물감 기법을 발명했기 때문이다. 그림의 소재로 쓰인 거울과 바닥에 깔린 오리엔탈 양탄자는 그림 속 주인공이 화려한 신분의 부유한 상인이었음을 알려준다.

이 시대 주목할 작품은 제단화와 프레스크화가 많다는 점이고 대미를 장식하는 작품은 산드로 보티첼리의 <봄>이다. 우피치 미술관에 있는 <봄>은 당시 풍미했던 신플라톤주의 사랑의 이상을 상징한다. 이 작품의 핵심 주제는 사랑과 결혼이다. 이 그림에는 대략 190여 종의 꽃들을 포함한 500여 종의 식물이 그려져 있다. 오렌지 나무에 걸린 열매들은 이 꽃들과 같은 시기에 여물지 않지만, 그림의 후원자인 메디치 가문의 상징이기에 그렸다.

[ 16세기 ]

16세기는 르네상스의 시기다. ‘르네상스’라는 용어는 1858년 프랑스 역사가 쥘 미슐레에 의해 처음 사용됐다. (55쪽) 르네상스는 유화 물감이 사용된 그림이 퍼져나갔다. 유화 물감은 부드럽고 사용하기 편하면서 분위기가 밝았다. 루브르 박물관에 소장된 레오나르도 다빈치의 <모나리자>는 세상에서 가장 유명한 그림답게 천재라고 알려진 다 빈치를 대표하는 그림이다. 다 빈치는 프란체스코 델 조콘도를 위해 그의 아내인 모나리자의 초상화를 그렸다. 다 빈치는 빛의 묘사를 통해 처음으로 부피감과 깊이감 그리고 밝기를 연출하는 데 성공한 예술가였다. 3차원을 표현하기 위해서 밝음에서 어둠을 향해 그림을 그리는 기법을 명암법이라고 한다. 모나리자의 눈썹은 복원 작업에서 원작을 과하게 지웠거나 다 빈치가 사용한 안료가 바래서 지워졌을 가능성이 더 크다고 한다.

가장 위대한 그림을 꼽는 질문에 다수의 사람은 미켈란젤로의 <시스티나 예배당 천장화>를 꼽는 데 주저하지 않는다. 바티칸 시스티나 예배당 천장에 열두 사도를 그려달라는 작업을 의뢰받았을 때 미켈란젤로는 경쟁자들의 질투심에 의한 음모라고 생각했다. 자신은 조각가이지 화가라고 생각하지 않았던 미켈란젤로에게 천장화를 그려달라고 했던 까닭이다. 이 위대한 예술가인 미켈란젤로는 343명의 인물을 포함해, 성경의 창세기 이야기를 독특하게 표현했다. 개인적으로도 스탕달 증후군을 느낀 인상적인 작품은 시스티나 예배당의 천장화였다. 물론 그 옆에 위치하는 <최후의 심판> 역시 우리 눈을 사로잡는다.

바티칸의 시스티나 예배당 옆에 있는 사도 궁전에는 다른 걸작이 우리를 맞이한다. 라파엘로의 <아테네 학당>은 이탈리아 르네상스 전성기를 대표하는 화가이다. 1508년 미켈란젤로가 옆 방에서 <시스티나 예배당 천장화>를 그리고 있는 동안 라파엘로는 그리스의 철학, 신학, 시, 법률과 관련된 그림을 그렸다. <아테네 학당>은 철학을 주제로 그린 그림이다. 이 그림에는 철학을 대표하는 플라톤과 아리스토텔레스를 비롯해 알렉산더와 소크라테스, 유클리드, 피타고라스, 프톨레마이오스와 조로아스터, 그리고 그림 속 자신의 모습이 포함되어 있다.

한스 홀바인의 <대사들>은 그림 아래에 있는 해골을 특정 각도에서 바라보면 해골이 자신을 바라보고 있어 깜짝 놀라게 된다. 한스 홀바인은 아버지와 더불어 튜더 왕가의 초상화를 자주 그렸다. 그림 아래 있는 해골이 뜻하는 바는 죽음을 상기시키는데 이 그림이 더 깊은 종교적 의미를 담고 있음을 뜻한다.

이 시기 티치아노, 틴토레토의 그림과 더불어 나의 이목을 사로잡은 작품은 엘 그레코의 <오르가스 백작의 장례식>이다. 엘 그레코는 사실 서머싯 몸의 <인간의 굴레>에서 주인공이 감명을 받는 작품이다. ‘그리스 사람’을 뜻하는 이름인 엘 그레코는 크레타섬에서 태어났다. 그의 화려하고 개성이 강한 양식은 반종교개혁의 운동에 앞장서는 스페인에서 꽃을 피운다. 엘 그레코가 가장 활약하는 도시는 톨레도와 세비야이다. 당시 톨레도는 스페인 가톨릭교회의 중심지이고 이 그림은 오르가스의 백작 돈 곤살로 루이스 데 톨레도의 장례식을 기념하기 위한 작품이다.

[ 17세기 ]

‘바로크’라는 용어는 ‘일그러진 진주’를 뜻하는 포르투갈어 ‘바로코’라는 단어에서 유래된 듯하다. 바로크 미술은 매너리즘을 계승했으며 강한 색조 대비로 감정, 역동성, 극적인 연출을 주입했다. 당시는 반종교개혁 운동이 일어나 완전히 새로운 양식의 바로크 미술이 등장했다. 바로크 미술은 가톨릭교회의 이미지를 향상시키고자 했다. (110쪽)

17세기를 대표하는 화가는 카라바조이다.

이탈리아 카라바조에서 태어난 미켈란젤로 메리시 디 카라바조는 거만하고 방항적이었지만 타의 추종을 불허한 작품을 남긴다. 카라바조는 다른 이들과 다투다가 감옥에 여러 차례 들어가고 심지어 1606년 싸우는 도중 다른 사람을 죽여 교황에게 사형을 선고받는다. 로마에서 도망친 카라바조는 사면을 받기 위해 로마로 돌아오자마자 알 수 없는 상황에서 사망한다. 그가 남기는 작품은 워낙 탁월하고 빛을 영리하게 사용했으며 성스러운 인물을 묘사할 때조차 평범한 농부를 모델로 써 일부 사람을 불쾌하게 만들었다.

카라바조는 후대 예술가와 수많은 사람에게 영감을 불러일으켰고 그의 작품을 찾아가며 감사했다. 박흥식 감독 이태란, 김승우 주연의 영화 <두 번째 스물>은 이탈리아 미술관에 있는 카라바조의 작품을 찾아 떠나는 여행을 그리고 있다. 그의 작품은 이탈리아 곳곳에 많은 이들을 매료시키고 있다.

수지 호지는 <디테일로 보는 서양미술>의 표지그림으로 선정한 작품도 역시 카라바조의 <류트 연주자>이다.

<홀레페르네스의 목을 베는 유디트>는 카라바조의 대표작으로 유명하다. 하지만 아르테미시아 젠틸레스키의 유디트도 여성의 적극적인 모습을 대변한다. 카라바조의 유디트가 목을 베는 순간 두려워하며 멈칫거리는 데 반해, 아르테미시아의 유디트는 적극적으로 홀로페르네스의 목을 잡고 자신이 해야 할 일을 적극적으로 수행한다. 아르테미시아는 피렌체 출신의 화가와 혼인하고 피렌체로 이주했다. 그곳에서 여성 화가로는 흔치 않게 메디치 가문과 스페인의 왕 펠리페 4세의 후원을 받으며 당대 주요 예술가 중 한 사람이 된다.

페테르 파울 루벤스, 니콜라 푸생, 렘브란트 판 레인과 더불어 17세기를 대표하는 화가는 스페인의 디에고 벨라스케스이다. 스페인 화파의 가장 위대한 화가이자 많은 사람들이 유럽에서 가장 위대한 화가로 디에고 벨라스케스를 꼽는다. 벨라스케스의 <펠리페 4세 일가(시녀들)>는 유럽 예술의 가장 위대한 걸잘 중 하나이다. 이 작품은 왕가의 모습을 전례가 없던 현실감으로 대중을 놀라게 하고, 무엇보다 자신의 모습을 그림 속에 그리고 있어 놀라움을 더한다. 그의 어깨에는 산티아고 기사단의 상징인 붉은 십자가가 있다. 기사단에 계속 입회하지 못했던 그는 결국 이 작품을 완성하고 3년 뒤에야 그 일원이 된다.

[ 18세기 ]

베네치아 여행을 다녀온 사람은 미술관에서 베네치아를 내려다보고 있는 카날레토의 그림을 마주하곤 기분 좋은 기시감을 느낀다. 현실에서 마주하는 베네치아가 300여 년 전에 어떤 모습인지 알 수 있기 때문이고 그림 속 두칼레 궁전과 산 마리노 광장, 대운하의 모습은 마치 과거의 베네치아로 감상자를 화면으로 데려간다. 카날레토 그림 속 베네치아는 빛의 명료함, 정확한 원근감과 생생한 색조의 세부 묘사는 베네치아의 독보적인 이미지를 화려하게 재현한다. 이는 베네치아를 다녀온 사람에게 추억을 상기시키고, 그렇지 않은 사람에게 떠나고 싶은 마음을 심어 들뜨게 한다.

자크 루이 다비드의 <호라티우스 형제의 맹세>와 <마라의 죽음>은 신고전주의 예술을 대표한다. 신고전주의는 18세기 중반에 고대 로마 도시 헤르쿨라네움과 폼페이가 발굴된 후 확립되기 시작했다. 또한, 프랑스 궁정의 쾌락주의에 대한 반발이기도 했다. <마라의 죽음>은 다비드가 자신의 친구인 장 폴 마라가 암살당한 직후 그의 욕실에서 죽어 있는 모습을 이상적으로 그린 이미지이다.

[ 19세기 ]

19세기를 대표하는 화가는 프랑스의 장 오귀스트 도미니크 앵그르, 테오도르 제리코, 외젠 들라크루아가 있다. 앵그르의 <황제의 권좌에 앉은 나폴레옹>은 황제의 권위를 드러내기 위한 나폴레옹을 카이사르의 이미지를 차용해서 그리고 있다. 앵그르는 군주제를 전복시킨 프랑스 시민들에게 신의 이미지를 상기시키기 위해 나폴레옹을 전능한 자로 표현했다.

낭만주의의 선구자인 제리코는 <메두사호의 뗏목>를 통해 실물보다 크게 그리면서도 빛의 대비에서 빚어지는 강렬한 효과와 생동적인 사실주의를 통해 엄청난 에너지와 강도 높은 감정을 표현한다. <메두사호>는 1810년에 진수된 프랑스 해군의 소형 구축함이었다. 선장의 무능함으로 난파된 메두사호는 400명이 구조되어야 하나 구명선에 올라탄 사람들은 다른 이들이 구명선에 올라올 것을 두려워하여 밧줄을 끊어버린다. 그 결과 15명만이 생존하고 제리코는 생사의 순간이 오가는 장면을 화폭에 담았다.

외젠 들라크루아는 프랑스 낭만주의 화가의 선구자였다. <십자군의 콘스탄티노플 함락>은 1204년 제4차 십자군 원정의 한 장면을 묘사한 것으로 십자군들이 무슬림 이집트와 예루살렘을 침공하려던 원래 계획을 포기하고, 대신에 비잔틴 제국의 수도이자 기독교 도시인 콘스탄티노플을 약탈하는 장면을 나타낸다.

그의 후기 작품 속에 보인 붓 터치는 인상파 화가들에게 커다란 영향을 미친다.

미술을 좋아하는 사람은 그림을 제대로 감상하고 그림 속 화가가 장치한 디테일을 알았을 때 작품과 소통하는 감정을 느낀다. 수지 호지의 <디테일로 보는 서양미술>은 서양미술 작품의 시대별 주요 작품과 작품은 제대로 분석해서 독자로 하여금 예술가와 공감하도록 도와준다.

- 이 글은 출판사에서 도서를 지원받아 작성하였습니다.

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