[마이리뷰] 난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1

난처한 미술 이야기 1 - 원시, 이집트, 메소포타미아 문명과 미술 : 미술하는 인간이 살아남는다 ㅣ 난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1
양정무 지음 / 사회평론 / 2016년 5월

죄송한 말씀입니다만 지금 그 질문에는 한 가지 편견이 깔려 있습니다. 바로 장식은 본질이 아닌 부가적인 요소라는 생각이지요. 무늬는, 아니 좀 더 넓게 보자면 미술은 여유가 있을 때 할 수 있는 부차적인 활동이라는 생각입니다. 정말 그럴까요? 장식이 오히려 본질일 수는 없을까요? 빗살무늬토기를 자세히 살펴보면 적어도 이 토기를 만든 이들에게는 장식이 더 본질적인 요소였다는 생각을 하게 됩니다.(p19) <난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1> 中

본격적인 미술 행위라고 할 만한 건 인류가 짐승처럼 소리를 내는데서 한발 더 나아가 정교한 언어를 쓰게 된 다음에야 나타납니다. 정확히는, 정교한 언어를 쓸 수 있을 만큼 인류의 의식이 발전한 다음에야 미술 행위도 가능해졌다고 해야겠죠... 한 차원 더 높은 수준의 생각들이 가능한 정도로 인류의 의식이 발전한 다음, 그런 생각을 서로 교환하는 과정에서 미술이 나왔으리라고 보는 겁니다.(p30) <난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1> 中

<난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1>는 끊임없이 작품을 만들어내는 관찰자의 관점이 아닌 미술품을 만든 사람의 입장에서 작품을 바라볼 것을 요구한다. 이런 관점에서 미술품을 바라봤을 때 더 깊이 있는 감상을 하게 된다는 저자의 이야기에 공감하게 된다.

이집트 사람들은 죽음을 삶의 연장으로 보고 현세를 죽음을 준비하는 시간으로 여겼기에 신체를 신성시하며 보존했던 겁니다. 하지만 대다수의 현대인은 그렇지 않잖아요. 죽으면 끝이라고 생각하니 도리어 죽음을 강하게 부정하고 꺼리는 거죠. 이집트인과 현대인의 죽음에 대한 태도는 대조적입니다... 이집트 미술이 마련해준 생각의 재료는 무엇보다도 죽음입니다. 이집트인은 죽음이라는 주제에 대해 고민했고 그 고민을 나름의 미학으로 승화시켰습니다.(p354) <난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1> 中

메소포타미아 미술은 이집트에 비해 뒤처지는 투박함으로 볼 수도 있겠지요. 하지만 중요한 건 사람들이 살아온 방식이 미술에 녹아 있고, 이를 통해 그들의 삶을 생생히 그려볼 수 있다는 거예요. 표면적으로야 거칠고 투박해 보여도 메소포타미아 미술에는 인류 문명이 성취한 가장 위대한 업적 중 하나인 '도시혁명'의 핵심이 담겨 있습니다.(p364) <난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1> 中

나일강과 티그리스-유프라테스강을 배경으로 일어난 이집트 문명과 메소포타미아 문명. 상대적으로 경쟁자가 적었던 이집트 문명은 안정과 평온 속에서 죽음을 지향한 반면, 비옥한 초승달 지역을 차지하기 위해 수많은 제국이 흥망성쇠를 거듭한 메소포타미아 문명은 불안정함 속에서 현세를 바라본다.

농업생산력이 늘어나 도시가 출현했다는 이야기가 가능하지만 거꾸로 도시화가 진행됐기 때문에 농업기술의 발전에 가속도가 붙었다고 이야기할수도 있거든요. 대규모로 농사를 짓기 위해서는 수로 관리가 필수적이고 수로 관리를 맡은 정치권력의 등장은 도시 형성과 밀접한 관계를 맺고 있으니까요. 그런 의미에서 메소포타미아인들은 누구보다도 먼저 도시혁명을 이끌었다고 할 수 있습니다.(p380) <난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1> 中

이집트 사람들이 현세의 평안을 사후에도 이어가고 싶어했던 내세주의자였다면 메소포타미아 사람들은 현세주의자였습니다. 내세에 관심을 기울이기 어려울 만큼 현실이 냉엄했거든요. 미술의 성격도 그들의 생존 방식과 아주 밀접한 연관이 있었고요. 미술을 통해 힘과 권위를 시각화해서 경쟁자를 제압코자 했던 겁니다(p420) <난생 처음 한번 공부하는 미술 이야기 1> 中

미술작품을 비롯한 예술품을 감상하는 태도는 크게 두 가지로 나뉠 것이다. 작품을 통해 지금의 자신을 돌아보는 길과 자신의 눈으로 당대의 목소리를 느끼는 길. 미술의 발전이 언어와 함께 이루어졌다는 저자의 말을 통해 한쪽으로 치우치지 않는 올바른 감상의 길을 발견하게 된다.

[마이리뷰] 다시, 그림이다

다시, 그림이다 - 데이비드 호크니와의 대화 ㅣ 현대미술가 시리즈
마틴 게이퍼드 지음, 주은정 옮김 / 디자인하우스 / 2012년 10월

대화를 계속해 나가면서 호크니가 ‘층‘이라는 단어를 통해 강조하는 핵심을 이해하기 시작했다. 화가는 단순히 캔버스나 종이에 점점 더 많은 물감을 덧칠하는 것이 아니다. 참신한 생각과 관찰을 계속하면서 각각의 생각과 관찰을 통해 이전의 것들을 조정해 나가는 것이다... 시간과 관점이라는 이 두 요소는 경험을 다루는 우리의 모든 이미지와 서술에 개입한다.(p115)

<다른 방식으로 보기> : ‘작품 - 사회‘의 관계에 대해 다시 생각하기

다른 방식으로 보기
존 버거 지음, 최민 옮김 / 열화당 / 2012년 8월

 우리는 단지 우리의 관심을 끄는 것만 본다. 이렇게 보는 것은 일종의 선택 행위다. 선택의 결과, 우리는 우리가 보는 것을 시야의 범위안으로 끌어들인다... 우리는 결코 한 가지 물건만 보지 않는다. 언제나 물건들과 우리들 사이의 관계를 살펴본다... 우리가 어떤 것을 볼 수 있게 되자마자, 타인도 우리를 볼 수 있다는 사실을 의식하게 된다. 이렇게 타인의 시선이 우리의 시선과 결합함으로써 우리 자신 역시 가시적 세계의 일부라는 사실을 납득할 수 있게 된다.(p11) <다른 방식으로 보기> 中

 존 버거(John Berger, 1926 ~ 2017)는 <다른 방식으로 보기 Ways Of Seeing>에서 작품 제작(製作) - 감상(鑑賞) - 소비(消費)라는 예술 시장의 모습를 통해 '보는 행위'의 의미를 살펴본다. 여기에서 저자는 '본다'는 것은 단순한 행위를 의미하는 것이 아니라 우리가 세상을 인식하는 주된 방법으로 설명하며, 특별한 의미를 부여한다. 

[사진] 다른 방식으로 보기(출처 : https://www.bfi.org.uk/news-opinion/sight-sound-magazine/features/image-lib-john-berger-ways-seeing)

 말 이전에 보는 행위가 있다. 아이들은 말을 배우기에 앞서 사물을 보고 그것이 무엇인지 안다. 그러나 보는 행위가 말에 앞선다는 것에는 또 다른 의미가 있다. 보는 행위는 우리가 어디에 있는지를 결정해 준다.(p9)... 우리가 사물을 보는 방식은 우리가 알고 있는 것 또는 우리가 믿고 있는 것에 영향을 받는다.(p10) <다른 방식으로 보기> 中

 그렇다면, 제작 단계에서 작품은 사회로부터 어떤 영향을 받을까. <다른 방식으로 보기>에서는  누드(nude)라는 표현 양식 안에 숨겨진 사회의 모습을 지적한다. 예술 작품 안의 불평등한 관계는 불평등한 사회관계의 연장선상에 놓인다.

 여자들은 남자들과는 아주 다른 방식으로 묘사되는데, 이는 여성성이 남성성과 다르기 때문이 아니라, '이상적인' 관객이 항상 남자로 가정되고 여자의 이미지는 그 남자를 기분 좋게 해주기 위해 구성되어 있기 때문이다(p76) <다른 방식으로 보기> 中

 유럽의 누드 예술형식에서 화가와 관객(소유자)은 보통 남자이며 대상으로 취급받는 인물은 보통 여자다. 이런 불평등한 관계는 우리 문화에 아주 깊이 각인되어 있어 지금까지도 많은 여자들의 인식을 형성한다. 남자들이 여자들에게 요구하는 것을 여자들 스스로도 자신들에게 요구하고 있는 것이다. 그들도 남자들이 여자를 보는 것과 마찬가지 방식으로 자신들의 여성성을 살펴본다.(p75) <다른 방식으로 보기> 中

 그렇다면, 사회(또는 문화)는 '본다'라는 행위로부터 어떤 영향을 받을까. 이는 감상 단계에서 잘 드러나는데, 작자의 의도가 관객에게 전달되며 주관성과 객관성의 혼합으로 작품 안의 표현이 사회 인식으로 바뀌게 됨을 밝힌다.

 벌거벗은 모습을 처음 보았을 때 평범성이라는 요소가 개입하게 된다. 이 평범성이란 단지 우리가 그것을 필요로 하기 때문에 존재하는 것이다. 바로 그 순간이 되기까지 타인은 어쨌든 신비스러운 존재다.(p70)... 우리의 시선이 성기로 옮겨 가면 곧바로 그것의 형태 자체가 보는 사람을 일방적인 방향으로 몰고 가 버린다. 즉 타인의 존재는 가장 기본적인 성적 범주인 남성 혹은 여성으로 축소되거나 격상된다.(p71)... 벌거벗은 몸이 최초로 드러나는 순간, 하나의 신비감이 상실됨과 동시에 타인과 공유할 수 있는 또 다른 신비감을 낳을 수 있는 가능성이 열리는 것이다. 그 과정은 '주관적인 것 - 객관적인 것 - 두 가지가 결합된 힘'으로 진행된다.(p71) <다른 방식으로 보기> 中 

 이와 같이 제작 단계에서는 사회가 작품에 영향을 미친다면, 감상 단계에서는 작품이 사회 인식에 영향을 미치게 된다. 여기에 외부요인이 추가되면서, 예술 작품은 다양화된다. 구체적으로 책에서는 유화(油畵)와 같은 기법, 광고(廣告)와 같은 수단 등이 제시되는데 이들은 자본(資本 capital)의 영향의 결과물이라는 공통점을 지닌다. 

 유화(oil painting)라는 용어는 기법 이상의 것을 가리킨다. 기름에 물감을 섞어서 그리는 기법은 일찍이 고대부터 있어 왔다. 그러나 템페라 기법이나 프레스코 기법으로는 묘사하기 힘든 삶의 특정한 정경을 그리기 위해 기법을 특별하게 개발하고 완성시킬 필요가 생겼을 때, 비로소 미술형식으로서의 유화가 탄생한 것이다.(p98)...자본이 사회관계에 영향을 미치는 것처럼, 유화는 사물이 겉으로 드러나는 모습에 영향을 미쳤다. 마치 모든 것이 상품이 되었기 때문에 모두 서로 교환 가능하게 된 것과 마찬가지로, 유화는 모든 사물을 동등한 대상으로 바꾸어 버린 것이다.(p102) <다른 방식으로 보기> 中

 광고는 미래 시제로 얘기하지만, 그 미래의 달성은 끊임없이 연기된다... 광고의 진실성이란 광고가 내건 약속을 충실히 이행했는가로 판단되는 것이 아니라, 광고가 주는 환상이 그 광고를 보고 물건을 사는 사람들이 품는 환상에 얼마나 적절하게 들어맞느냐로 판단되기 때문이다.(p169)  <다른 방식으로 보기> 中

 이와 같은 (예술) 작품의 다양화는 우리에게 그만큼의 이미지를 제공하게 되는데, 여기에서 형성되는 관계는 '원작 - 복제품'의 관계가 된다. 소비 시장에서 이루어지는 이들간의 관계에 대해서는 발터 벤야민(Walter Bendix Schonflies Benjamin, 1892 ~ 1940)의 <기술복제시대의 예술작품 Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduziebarkeit>의 리뷰 몫으로 넘기도록 하자.

 이미지는 재창조되었거나 재생산된 시각이다. 모든 이미지는 하나의 보는 방식을 구현하고 있다. 한 장의 사진을 볼 때 우리는 막연하게나마 그 사진이 사진을 찍은 사람의 무한히 많은 시각들 가운데서 특별히 선택된 것이라는 사실을 의식하게 된다... 비록 모든 이미지가 하나의 보는 방식을 구현하고 있긴 해도, 어떤 이미지를 보고 어떻게 평가하느냐 하는 것은 각자의 보는 방식에 달려 있다.(p12) <다른 방식으로 보기> 中

 현재의 복제 기술이 해낸 것은 예술의 권위를 파괴하고 예술을 그 어떤 보호영역으로부터 떼어낸 것이다. 이제 예술 이미지는 마치 언어처럼 우리 주위를 둘싸고 있다. 예술 이미지는 삶의 주류에 합류했는데, 이제 예술 자체의 힘만으로는 더 이상 삶을 지배할 수 없게 된 것이다.(p39) <다른 방식으로 보기> 中

 <다른 방식으로 보기>는 이처럼 '보기'라는 행위안에 담긴 의미를 예술 작품의 제작 부터 소비되기까지의 과정을 통해 제시한다. 여러 작품 사진과 함께 제시되는 이러한 예시는 자칫 어려워질 수 있는 내용을 일반 대중에게 전달한다. 이와 같이 <다른 방식으로 보기>는 우리에게 '보기'라는 행위와 그 의미를 다시 생각하는 계기를 제공하기에 한 번 읽을 좋은 책이라 여겨진다.

우리가 잘 모르는 한국의 미美... 그리고 감상법

오주석의 한국의 美 특강
오주석 지음 / 솔출판사 / 2005년 5월

<오주석의 한국의 미美 특강> 속에서 우리는 한국의 미美가 무엇인지, 그리고 우리 그림 감상법에 대해 알기 쉽게 설명한 교양 미술책이다. 저자가 책에서 말하는 "한국의 미美"란 무엇일까? 이번 리뷰에서는 책의 순서와는 조금 다르게, 그러나 같은 내용으로 살펴보자.

1. 한국의 미美 : 옛 그림에 담긴 선인들의 마음

 '과학자들도, 사물을 보는 것은 눈이지만 그 눈은 오직 우리의 마음 길이 가는 곳에만 신경을 집중할  뿐이라고 말합니다. 그러니까 사실은 눈이 보는 것이 아니라 우리 마음이 본다고 말할 수 있지요. 그래서 옛 그림을 진짜로 잘 보려면 옛 사람의 마음으로 봐야 한다고 말씀드린 것입니다.(p82)'

 저자 오주석(吳柱錫 1956 ~ 2005)교수는 우리 그림을 잘 감상하기 위해서는 마음을 이해할 것을 강조하면서, 그림 속에 담겨진 우리 전통 사상인 '음양오행 陰陽五行' 사상을 설명하는데 책의 상당 부분을 할당한다.

 '음양오행 陰陽五行 입니다. 음양오행은 하나의 관념 혹은 철학이라기보다는 오히려 우주와  인생을 바라보는 일종의 사유의 틀입니다. 그것도 자연 현상 그 자체를 그대로 반영하고 있는, 생각의 방식이지요. 전통 문화는 이 음양오행을 빼놓고서는 도무지 이해가 되지 않습니다.(p84)'

[그림] 한글의 음양오행 체계(출처 : 문화체육관광부)

 '음양오행'등이 우리 미술의 사상思想을 이룬다면, 그 사상은 어떤 모습으로 구현되었을까. 저자는 우리만의 독특한 방식을 진실眞實대로 표현한 '표현력表現力'이 외국과 차별화된 우리만의 독창적인 미의 특징이라고 해석한다.

 '"중국 그림은 꽤 사실적이기는 하지만 병명을 진단하기에는 좀 어려운 점이 있습니다." 하고 대답하세요. 바로 이 차이입니다. 그러니까 겉보기에는 둘 다 사실적인 듯 하지만, 그야말로 병색까지 있는 그대로 묘사된 그림은 바로 조선의 초상화라는 것입니다.(p184)'

[그림] <채제공 蔡濟恭 초상> 이명기(李命基, ? ~ ?) (출처 : http://blog.naver.com/PostView.nhn?blogId=hssn2710&logNo=220547165977&categoryNo=0&parentCategoryNo=1786&viewDate=¤tPage=1&postListTopCurrentPage=1&from=postView)

 이러한 사실적인 표현력은 초사화 뿐 아니라 동물을 표현한 그림에서도 드러난다. 이처럼 사실적인  한국 미술의 전통은 미화美化에 치중한 일본식 화풍과 뚜렷하게 대조되는 부분이다.

[그림] <송하맹호도 松下猛虎圖> : 김홍도(金弘道, 1745 ~ 1806) (출처 : 통일뉴스)

 '15cm도 안되는 호랑이 머리 부분을 이렇게 실바늘 같은 선을 수천번이나 반복해서 그렸습니다. 이건 숫제 집에서 집에서 쓰는 반짇고리 속의 제일 가는 바늘보다도 더 가는 획입니다. 이런 그림을 그려낼 수 있는 화가는 지금 우리 세상에 없습니다. 이런 묘사력은 뭐랄까. 그림 그리기 이전에 정신 수양의 문제 같은 것이 전제 되어야 가능합니다.(p118)'

[그림] <호랑이> : 김은호(金殷鎬, 1892 ~ 1979) (출처 : http://bulgogibros.tistory.com/233)

 '언뜻 보기에는 잘 그린 듯하지만 찬찬히 뜯어보니, 귀엽게 생겼죠? 이건 호랑이가 아니라 고양이입니다. 또 귀는 지나치게 커서 멍청해 보이고 꼬랑지는 가늘어서 아주 쩨쩨합니다. 그리고 앞다리가 이게 뭡니까? 송아지의 목을 일격에 꺽어 버린다는 호랑이 앞다리 살이 너무나 투실투실해서 아예 다이어트를 해야 될 지경입니다. 몸의 줄무늬를 그린 것도 해부학적 정확성은 없이 고만고만하게 반복해서 대충 시늉만 했죠. 흰색으로 성글게 친 터럭 묘사도 마찬가지입니다. 언뜻 겉보기에는 잘 그린 듯하지만 아까 보았던 단원의 호랑이 그림과 꼼꼼히 비교해 보면 그야말로 200년 전 정조 시대의 문화 수준과는 현격한 차이가 있습니다. 바로 분위기만 그럴듯하게 살려 내는 일본식의 화풍 畵風이 끼친 악영향입니다. 겉으로만 그럴듯하게 다듬어 냈을 뿐입니다.(p130)'

2. 그림에 담긴 의미 

 우리 전통 미술을 잘 감상하기 위해서는 섬세한 표현력이 표현된 그림 뿐 아니라, 그 이면의 의미도 알아야 한다. 그림 속의 사물事物을 올바르게 알기 위해서는 사물를 가르키는 의미(언어)와 문화적 배경에 대한 충분한 이해가 필요하다는 것을 저자는 <황묘롱접도>를 통해 잘 설명하고 있다.

[그림] <황묘롱접도 黃猫弄蝶圖> : 김홍도 (출처 : http://blog.daum.net/_blog/BlogTypeView.do?blogid=0BbX5&articleno=18099415&categoryId=360049®dt=20151029180448)

 '그림 감상, 하나도 어려울 게 없습니다. 나비는 가볍게 활짝 날게 그리고, 새는 포로롱 하고 날아갈듯 그리면 바로 그게 좋은 그림입니다. 그런데 나비는 나비 접蝶 자가 80 노인 질耊 자 하고 '띠에' 하는 발음이 같아요. 그래서 80 노인이 됩니다. 그러니까 새끼 고양이가 나비를 바라보는 것은 "70 노인이 80 노인이 되도록..." 그런 뜻이겠죠.... 패랭이는 카네이션의 우리 토종 꽃입니다. 패랭이는 홑꽃으로 시골에서 흔히 보는 것인데, 분가루를 뿌린 것처럼 고운 모양새가 꼭 시골 아가씨 같다고 해서 옛날부터 "청춘"이란 꽃말을 가졌습니다. 이 돌멩이는 수십 만 년 된 것이죠? 당연히 장수, 오래 사는 것의 상징이기 때문에 이끼 낀 모습으로 그렸습니다... 이것은 제비꽃입니다. 꽃대가 꼭 물음표(?)처럼 휘었습니다. 패랭이꽃은 초여름에 피고 제비꽃은 이른 봄에 핍니다. 제비꽃의 꽃말은 "뜻대로 된다"는 것입니다.(p140)'

 '전체적으로 읽어 보실까요? "이 그림을 받으시는, 오늘 생신을 맞으신 주인께서는 70 노인이 80 노인이 되시도록 오래오래 장수하시는데, 그것도  잔병치레 없이 건강하게 청춘인 양 곱게 늙으시기를, 그리고 그밖에도 가사家事 내외 모든 일이 다 뜻대로 되시길 바랍니다!"(p141)'

3. 옛 그림 감상의 두 원칙

 그렇다면, 우리는 우리 미술 작품 속에서 '한국의 미'를  어떻게 찾을 수 있을까? 저자는 이를 위해 올바른 우리 그림의 감상법을 제안하고 있다. 그림의 크기에 따라 다른 거리에서, 우상右上에서 좌하左下 방향으로, 가급적 천천히 볼 것을 저자는 옛 그림 감상의 원칙이라고 말한다.

 '옛 그림을 보여드리기 전에 우선 옛 그림 감상의 원칙을 간단히 말씀드리겠습니다. 저는 선인들의 그림을 잘 감상하려면 첫째, 옛 사람의 눈으로 보고 둘째, 옛 사람의 마음으로 느껴야 한다고 생각합니다.(p17)'

  '큰 그림은 좀 떨어져서 보고, 작은 그림은 바짝 다가서서 봐야 하지 않겠습니까?... 제 나름으로 생각하건대, 동양화든 서양화든 할 것 없이, 회화 작품 크기의 대각선을 그었을 때, 대략 그 대각선만큼 떨어져서 보는 게 적당할 듯 싶습니다. 혹 성품이 유난히 느긋한 분이라면 대충 대각선의 1.5배 정도까지 떨어져서 볼 수도 있겠죠.(p19)'

  '예술품이란 누가 뭐라 하든 내가 좋아서 보는 것이고, 또 내 맘에 꼭 드는 작품 한 점이 있으면 그 것 하나 잘 감상한 것으로 충분히 보람이 있습니다.(p21)... 그림도 내 마음에 드는 것, 왠지는 모르지만 자꾸만 마음이 끌리는 작품, 그렇게 가장 좋다고 생각되는 작품 몇 점을 골라서 잘 보고 찬찬히 나만의 대화를 나누는 것이 중요합니다.(p22)'

  '제가 오늘 말씀드리는 주제는 우리나라의 옛 그림입니다... 우리 옛날 그림은 족자건 병풍이건 세로가 깁니다! (p25)... 옛 그림은 오른쪽 위에서 왼쪽 아래로 이렇게 쓰다듬듯이 바라보지 않으면 그림 위에 X자만 그어지고 아주 혼란스러워 집니다.(p27)'

 '우리 옛 그림은 반드시 오른쪽 위에서 왼쪾 아래로 훑어가듯 보셔야 합니다. 더 나아가서 우리가 고궁을 바라보든지 사찰을 보든지 간에 옛 분들이 만드신 여러 문화재는 반드시 오른편에서 왼편으로 훑어보는 것이 원래 옛 분들의 시선 흐름과 맞아떨어지는 옳은 방식이라고 저는 믿고 있습니다. 풍수를 말할 때도 좌청룡 左靑龍 우백호 右白虎 라고 하지 않습니까?(p67)'

 '세 번째 원칙은 그림을 찬찬히 봐야한다는 얘기입니다.(p31)... 예술 작품은 어려운 것이 아닙니다. 특별한 지식이 없어도 마음을 기울여 찬찬히 대하는 사람에게는 누구에게나 그 속내를 내보입니다.(p33)'

<오주석의 한국의 미美 특강>에서는 이처럼 오늘날 우리가 잊고 있는 우리의 아름다움이 무엇인지를 일깨워주고, 그리고 그 아름다움을 발견할 수 있는 방법론을 제안하고 있다. 미술을 잘 모르는 일반인들이 무심코 지나가는 작은 부분까지도 상세히 설명하면서, 우리의 아름다움은 결코 '중후장대 重厚長大'한 것이 아니라 '경박단소 輕薄短小'에 있음을 일깨워준다. 그리고, 이러한 우리 미술의 특징은 단지 회화에만 그치지 않음을 우리는 다른 미술의 분야로 생각을 확장시켜 확인할 수 있다.

[사진] 경복궁 (출처 : https://www.emaze.com/@AORFCQWWI/%EA%B2%BD%EB%B3%B5%EA%B6%81)

[사진] 베르사이유 궁전 (출처 : http://ktts.or.kr/bbs/board.php?bo_table=teentrek_news&wr_id=310)

 아름다움의 기준을 크고 웅장함에서만 찾는다면, 결코 경복궁의 아름다움은 베르사이유 궁전의 아름다움을 압도한다고 말하기 힘들 것이다. 그렇지만, 경복궁의 아름다움은 거기에 있지 않는다는 것을 <오주석의 한국의 미美 특강>을 통해 깨달을 수 있다면, 우리는 아름다움을 찾을 수 있게 된다. 경복궁 이 건물이 아니라 이 주변을 둘러싼 인왕산, 궁궐 근처의 민가와의 조화를 총체적으로 느낄 수 있을 때, 비로소 우리는 우리의 아름다움을 발견했다고 할 수 있지 않을까. 비록, 이 책에 건축이야기는 나오지 않지만... 이와 같이, 우리의 미美에 대한 새로운 관점을 제시하고 이를 알기 쉽게 설명해준다는 측면에서 이 책은 좋은 미술감상 입문서라 생각된다.

그림과 글로 이루어진 우리 그림

명작순례 - 옛 그림과 글씨를 보는 눈 ㅣ 유홍준의 미를 보는 눈 2
유홍준 지음 / 눌와 / 2013년 11월

 <명작순례>에는 유홍준 (兪弘濬, 1949  ~ ) 교수가 우리 나라의 글과 그림에 대한 이야기가 담겨있다. 주로, 명작 名作이라 불리는 그림을 중심으로 작품이 지니는 의미, 시대적 상황, 작가에 얽힌 이야기등을 설명한 책은 전통화 傳統畵에 대한 우리의 부담감을 많이 덜어준다. 시대적으로 구성된 <명작순례> 속의 작품들을 따라 가면서 특히 인상 깊었던 부분을 중심으로 이번 리뷰를 작성해 본다.

1. 그림과 글로 이루어진 우리 그림

[그림] <산수인물화첩> (출처 : 호림박물관 신사분관)

'학림정 鶴林正 이경윤 李慶胤(1545 ~ 1611)의 <산수인물화첩 山水人物畵帖> 속 제시들을 보면 간이당 최립은 과연 선조 시대의 가장 뛰어난 문장가로 꼽힐 만했다는 감동을 준다. 그리고 이 화첩은 우리에게 옛 그림을 보는 눈은 그림의 됨됨이와 화가의 필치에 대해서만 관심을 가질 것이 아니라 내용까지 면밀히 읽어내야 그림의 참 가치를 알 수 있다는 사실을 말해준다. 이를 독화법 讀畵法, 즉 '그림 보기'가 아니라 '그림 읽기'라고 한다.'(p37)

 저자는 우리 전통의 그림 속에서 글의 의미를 읽어내길 권한다. 전통화가 단순히 그림으로 구성된 것이 아니라 '글과 그림'으로 구성되어 있다는 것을 생각해본다면 의미를 아는 것은 '그림 읽기'와 '글 읽기'로 나누어져야할 것 같다. 먼저, 그림 읽기부터 보자.

2. 그림 : 관념에서 현실로

[그림] <짚신 삼기> (출처 : https://www.culturecontent.com)

 '공재 恭齋 윤두서 尹斗緖(1668 ~1715)는 해남으로 낙향한 후 그림 속에서도 현실을 담기 시작했다. 그중 하나가 <짚신 삼기>이다. 나무 그늘 아래에서 졸고 있는 선비를 짚신 삼는 농부로 대치시킨 것이다. 선비의 자리에 농부를 그렸다는 것은 엄청난 변화였다. 그러나 배경 처리는 여전히 관념적인 것을 보면 그는 여기서 현실을 그린 것이 아니라 그림 속에 현실을 집어넣은 것이라고 해야 할 것 같다. 리얼리즘 realism의 획득이란 이처럼 어렵고 점진적인 것이었다... 이처럼 그림 속에 현실을 담아가던 공재는 결국 현실 자체를 그림으로 그리기에 이르렀다. 바로 <목각 깎기>, <나물 캐기>, <석공공석도 石工攻石圖> 등이다... 이처럼 현실을 생생하게 담아낸 이 그림은 조선 후기 속화 俗畵의 개막을 알리는 서막이었다.'(p52)

 <명작 순례>에서는 많은 그림이 소개된다. 그 중에서도 개인적으로 <짚신 삼기>가 특히 인상에 남는다. 아직 미술작품의 기법이나 구도 등을 이해할 수준이 되지 않다보니, 그림의 여러 부분 중 작품의 '주제'에 먼저 관심이 가게 된다. 조선 초기 남종화 南宗畵 풍의 관념적 세계가 주로 그려졌다면, 조선 중기 이후 보다 현실적인 모습의 작품이 등장했다는 것을 책 속의 여러 작품과 설명을 통해 이해하게 된다. 단원 檀園 김홍도 金弘道(1745 ~ 1806), 혜원 蕙園 신윤복 申潤福(1758 ~ 1814(?)) 등으로 대표되는 풍속화 風俗畵가 조선 후기에 활짝 꽃피웠던 것을 생각한다면 그림의 주제와 시대상의 관계는 뗼 수 없이 밀접한 관계라는 사실을 다시 생각하게 된다. 시대가 흘러가면서 시대의 관심이 '이상 理想'에서' 현실 現實'로 내려오고, 그림의 대상이 '신선 神仙'에서 '민중 民衆'으로 변화하는 과정이 <명작순례>에서 소개되는데, 이를 통해 시대의 중심이 일반대중으로 내려오고 있음을 발견하게 된다. 조금 더 나아가 이러한 변화 속에서 조선말의 동학농민혁명 東學農民革命의 뿌리나 20세기 대중들의 시대의 전조 前兆 를 화풍 속에서 느꼈다면 지나친 비약일까. (비약인것 같다.)

3. 글 : 문자 文字의 조형미 造形美

[그림] <천자문> (출처 : http://m.blog.daum.net/jeongdaepower/7717767)

 '세간에 전하는 석봉 石峯 한호 韓濩(1543 ~ 1605)의 많은 서예 작품들은 한결같이 필획이 굳세고 형태가 아름다우며 조금의 흐트러짐이 없어 글씨를 잘 모르는 사람도 충분히 감동한다.... 그 중에서도 서예사적으로 가장 큰 의의를 가지는 것은 <천자문 千字文>이다.'(p223)

 그림의 글은 크게 문자 자체의 아름다움과 그 안의 의미로 구분될 수 있을 것 같다. 서예 書藝를 잘 알지 못하기 때문에, 초서(草書)의 아름다움을 아직 충분히 알지 못한다. 그렇지만, <명작순례>에 담긴 글 중 한석봉의 글을 보면 그 반듯함과 균형잡힌 모습 속에서 조형미를 느끼게 된다. 마치 반듯하게 자란 듯한 모범생의 이미지, 또는 모델 같은 모습 속에서 글자 외면의 아름다움을 발견한다.

4. 글 : 문자를 넘어서

[그림] <절유시> (출처 : 싱싱뉴스)

 '홍랑 紅娘( ? ~ ?)의 절유시는 내용도 내용이지만 글씨가 참으로 단아하고 기품이 있다. 본래 한글 서예 작품은 드문 편이고 특히 임진왜란 이전 한글 글씨는 아주 귀해서 목판 인쇄본으로나 볼 수 있었다... 그러나 홍랑의 글씨는 그 어느 것과도 다르다. 필획 굵기에 변화가 없어 정중한 예서체 맛이 담겨 있다. 그래서 소박하면서도 애틋한 분위기가 살아난다.'(p219)

 홍랑의 <절유시>를 볼 때 글자 자체만 본다면 누가 이것을 이별을 아쉬워하는 글이라 말할 수 있을까. 반듯하게 써내려간 글 속에 글쓴이의 평안한 마음이 느껴지기까지 한다. 그렇지만, 이 글의 내용은 이별의 아픔을 담고있다. 눈물이 쏟아지는 아쉬운 마음을 접어두고 의연하게 자신의 마음을 담담하게 써내려간 글을 보면서 '홍랑은 연인 최경창을 과연 사랑했을까?'하는 물음이 떠오르게 된다. 그에 대한 답 또한 우리는 책에서 발견할 수 있다.

 '최경창 崔慶昌(1539 ~ 1583)의 사망 소식에 홍랑은 파주에 있는 묘소 앞에 움막을 짓고 3년 동안 시묘살이를 했다. 다른 남자들의 접근을 막기 위해 몸을 씻거나 꾸미지도 않았고 자신의 얼굴에 칼자국을 내어 추악하게 만들었다. 숯을 삼켜 말도 제대로 할 수 없게 되었다고도 한다... 그는 최경창의 묘 앞에서 살다 생을 마쳤다고 한다.'(p218)

 잠시 생각해보니 나는 살아오면서 'n번'의 헤어짐과 'n+1'번의 만남을 통해 결혼에 다다른 것 같다. 그중 몇 번의 헤어짐은 마치 드라마의 주인공이라도 된 듯이 눈물을 쏟아가며 했었던 것 같다. 그리고, 몇 개월 후에는 그 사람을 잊고 다른 사랑을 이내 시작했던 내 자신의 모습. 세상 끝날 것 같은 감정에 사로잡혀 이별을 했지만, 내가 사랑이라 불렸던 감정은 그리 오래가지 못했다. 반면,  순간의 이별 앞에 초연하고, 죽음이 갈라 놓을 때도 의연하게 자신의 사랑을 증명했던 홍랑. 그녀의 <절연시>와 그녀의 삶을 읽으면서, 글씨에 담긴 사랑의 진정한 의미가 무엇인지를 다시금 느끼게 된다.

5. 그림 밖으로

[그림] <기로세련계도> (출처 : 오마이뉴스)

 '돌이켜보건대 단원 檀園 김홍도 金弘道(1745 ~ 1806)가 뛰어난 화가라고 해서 <기로세련계도 耆老世聯契圖>라는 불후의 명작이 탄생한 것은 아니었다. 개성 사람들의 주문이 없었다면 단원의 이 그림은 탄생하지 못했다. 이런 대작을 주문할 정도의 경제적, 문화적 풍요로움과 미술에 대한 사회적 수요가 있었기에 가능했던 것이다. 이로써 볼 때 미술문화를 창출하는 것은 공급자가 아니라 오히려 소비자 임을 알수 있다. 공급자인 화가는 그러한 문화적 수요가 있어났을 때 자신의 기량을 십분 발휘하는 것으로 자기 몫을 다할 뿐이다. 그런 의미에서 문화는 소비자가 만든다.'(p111)

 공재 윤두서의 그림 <짚신 삼기>에서처럼 그림에 '시대정신 時代精神'이 담겨있다면, 작품을 둘러싼 주변환경에 대한 이해 역시 작품 이해를 위해 반드시 필요함을 느끼게 된다. 14 ~ 15세기 유럽의 르네상스 Renaissance 가 레오나르도 다빈치(Leonardo di ser Piero da Vinci, 1452 ~ 1519), 미켈란젤로(Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475 ~ 1564) 등 소수의 천재에 의해서 발생한 것이 아니라, 당시의 여러 시대 상황이 복합적으로 작용한 결과였음을 생각해본다면 시대에 대한 이해가  감상을 위한 필요 요소임은 당연하다 생각된다.

 <명작순례>에는 조선시대의 그림들이 위와 같은 내용으로 설명된다. 어려운 설명 대신 평이한 내용으로 우리가 작품을 편하게 다가갈 수 있게 한다. 저자가 말한 것처럼 '문화는 소비자가 만든다'면, 이 책은 초보자들이 문화를 만드는 좋은 길잡이라 여겨진다.