세월이 흘러도 여전히 유효한 반전(反戰)의 외침, Hair(1979)

*이 글은 영화 'Hair(1979)'의 결말을 포함하고 있습니다.

  밀로스 포먼 감독의 1979년작 뮤지컬 영화 '헤어(Hair)'는 브로드웨이 뮤지컬 'Hair'를 바탕으로 만들어졌다. 뮤지컬이 처음 상연된 것은 1968년, 영화 제작 당시 이미 11년이 지난 시점이었다. 원작 뮤지컬은 영화로 바뀌면서 주인공과 이야기 설정이 상당 부분 바뀌었다. 노래들도 편곡을 달리했고, 영화 버전에 새로 작곡된 곡을 넣기도 했다. 나중에 영화를 본 뮤지컬 제작자들은 상당한 불만을 표시했다. 심지어 뮤지컬 '헤어'의 진정한 영화는 만들어진 적이 없다고 말할 정도였다. 확실히 영화의 인물 설정이나 이야기는 군데 군데 엉성한 부분이 보인다. 밀로스 포먼은 히피 문화에 중점을 두었던 뮤지컬과는 달리, 계급 문제와 반전 메시지에 좀 더 집중했다.

  원작 뮤지컬에서는 다 같은 히피 그룹 일원이었던 클로드와 쉴라가 영화에서는 떨어져 나온다. 클로드는 징집 영장을 받은 오클라호마 시골 청년, 쉴라는 상류층 여대생으로, 히피 그룹을 이끄는 리더는 버거가 된다. 클로드는 군사 훈련을 받기 전에 뉴욕 탐방에 나선다. 공원에서 말을 탄 쉴라를 보고 반한 클로드. 마침 그곳을 지나던 히피 무리는 클로드에게 함께 지낼 것을 권유한다. 리더 버거는 쉴라와 클로드를 이어주려고 쉴라의 무도회 데뷔 파티에 클로드를 데려간다. 환영받지 못하는 히피들은 파티를 헤집어 놓고, 그들은 즉결 심판에 넘겨진다. 겨우 벌금을 내고 풀려난 클로드는 네바다의 훈련소로 향한다. 계절은 여름에서 겨울로 변한다. 쉴라는 클로드가 보낸 편지를 버거에게 보여주고, 그들은 클로드를 만나기 위해 함께 네바다로 떠나는데...

  뮤지컬 영화 답게 대사가 좀 나온다 싶으면 노래가 이어진다. 영화의 첫 뮤지컬 넘버인 'Aquarius(물병자리)'부터 관객의 눈길을 사로잡는다. 노래하는 흑인 여가수를 보여주는 트래킹 쇼트는 지금의 시점에서 보면 좀 촌스럽게도 보인다. 요즘 영화에서는 레일 깔아놓고 빙빙 돌아가면서 찍는 장면은 거의 못본 것 같은데, 아무튼 밀로스 포먼은 현란한 트래킹 쇼트와 잘 짜여진 안무로 입을 딱 벌어지게 만든다. 초반부에 나오는 넘버들은 대부분 히피들의 자유로운 사고방식을 드러낸다. 'Black Boys'와 'White Boys'의 외설스런 가사들, 버거가 쉴라의 집 파티장에서 부르는 'I Got Life'와 유치장에서 머리를 자르라는 지시에 거부하면서 부르는 'Hair'는 '히피란 이런 사람들이다'하고 말해주는 것 같다. 한 명의 흑인과 세 명의 백인으로 이루어진 버거의 히피 무리에서 유일한 여성인 지니는 임신을 했는데, 애 아빠가 누구인지도 모른다. LSD를 신성한 성체 받아모시듯 먹고 약에 취하는 너절한 히피들의 모습은 그 시대의 반문화 운동의 실체를 짐작케 한다. 마치 출구없는 일탈에 빠져든 히피들의 문화는 '베트남전'이라는 시대 상황과 만나면서 '반전(反戰) 운동'으로 발화한다.   

  버거는 쉴라의 파티에 모인 상류층 사람들에게 당신들을 지켜주기 위해 클로드가 전쟁터에 간다며 고마워하라고 소리친다. 포먼은 영화의 후반부를 클로드의 훈련소 장면으로 채운다. 도살장에 끌려가는 소처럼 어쩔 수 없이 전쟁에 나가야 하는 클로드는 지독한 군사 훈련을 받는다. 꽃을 들고 노래하며 아무리 평화를 외친다 해도, 막강한 힘을 가진 국가 권력은 젊은이들을 군인의 삶으로 강제한다. 훈련소 밖에서 클로드를 쉴라와 만나게 해주기 위해 클로드의 군복을 입고 있었던 버거는 갑작스런 명령에 따라 수송기에 실려 떠난다. 그리고 그 다음 장면에서 관객들은 묘지의 비석에서 버거의 이름을 보게 된다. 국가의 명령은 거부할 수 없는 것이며, 누군가 남아있다면 대신 전장으로 떠나야 했던 누군가는 죽을 수 밖에 없었다. 아마도 영화 'Hair'가 히피 문화와 베트남전의 시대적 종착지에서 만들어진 영화로 갖는 의미는 바로 그 반전 메시지에 있을 것이다.

  9.11테러로 촉발된 미국의 아프간 전쟁은 20년만에 끝이 나고 있는 중이다. 미국은 베트남에서 그랬듯이 아프간에서 뼈아픈 패배를 인정할 수 밖에 없을 것이다. 오늘 본 뉴스에서 탈레반은 카불 점령을 공식화하고 자신들을 아프간의 지배자로 선언했다. 이제는 오래된 구닥다리 영화처럼 보이는 'Hair'의 마지막 묘지 장면이 그토록 통렬하게 다가오는 것은 세월이 흘러도 여전히 변하지 않는 전쟁의 본질 때문이다. 영화의 마지막 곡 'Let The Sunshine In'에서 군중들이 외쳤던 평화의 햇살이 쏟아지는 날은 아직도 요원해 보인다.   

*사진 출처: medium.com

오즈 야스지로가 포착한 1937년 일본의 풍경, 숙녀는 무엇을 잊었는가(淑女は何を忘れたか)

  1930년대 일본 영화를 보고 있노라면 뭔가 양가적인 감정을 느끼게 된다. 식민지 조선은 일제의 수탈로 고통받는 시기인데, 영화 속 일본은 평화롭기 그지없다. 또한 메이지 유신으로 일찍부터 근대화를 이룩한 일본 사회의 모습이 꽤 서구적이라는 것도 알 수 있다. 오즈 야스지로 감독의 1937년작 '숙녀는 무엇을 잊었는가(淑女は何を忘れたか, What Did the Lady Forget?)'에서도 당시 일본이 구가한 물질적 풍요의 단면을 보게 된다. 영화는 대학 교수 미야와 아내 토키코, 그리고 부부의 자유분방한 조카 세츠코가 만들어내는 집안의 소동을 코믹한 터치로 담아낸다.

  학교에서는 근엄한 교수이지만, 집에서는 깐깐한 아내에게 눌려 지내는 미야에게 오사카의 조카 세츠코가 찾아온다. 이 조카는 담배도 피우고 운전도 할 줄 알며, 술도 잘 마신다. 숙모 토키코는 세츠코가 아직 성년의 나이가 되지 않았다며, 그런 조카를 못마땅하게 바라본다. 도쿄에 온 김에 실컷 놀고 싶은 세츠코는 골프 여행을 간다던 삼촌을 꼬드겨 게이샤들이 있는 술집에서 진창 퍼마신다. 술에 취해 돌아온 세츠코를 토키코는 나무라지만, 세츠코는 무시해 버린다. 한편 미야는 제자 오카다의 집에서 뭉개면서 아내의 간섭 없는 주말을 보내지만, 그의 거짓말은 곧 들통이 난다. 제멋대로인 조카와 남편의 거짓말에 화가 난 토키코는 남편을 몰아붙인다. 세츠코는 삼촌에게 남자의 강한 모습을 보이라며 충동질하고, 마침내 미야는 아내에게 반기를 드는데...

  이 영화에서 가장 눈에 띄는 부분은 세대 간의 갈등이다. 오즈가 그려내는 신세대 여성은 세츠코가 대표한다. 멋진 양장을 한 세츠코는 모든 것에 솔직하고 거리낌이 없다. 세츠코는 삼촌 앞에서 아무렇지 않게 담배를 피운다. 게이샤들의 공연을 관람하며 술을 마시는 세츠코의 모습은 젊은 남성처럼 보일 정도다. 자신의 물건을 게이샤들에게 선물로 주고, 술을 더 따르라며 호기를 부린다. 집에 온 삼촌의 제자 오카다에게 호감을 느끼고 그것을 자연스럽게 표현할 줄도 안다. 이 여성에게 숙모 토키코의 모든 것은 답답하고 억압적으로 보인다.

  토키코는 부잣집 마나님의 위세를 보여준다. 부를 때 대답을 잘 하지 않는 하녀에게 대답 똑바로 하라고 매번 주의를 준다. 돈깨나 있는 친구들 불러서 차마시고 노닥거리는 것이 토키코의 일상이다. 그들 사이의 대화는 서로의 외모와 차림새에 대한 은밀한 허세와 질투가 깔려 있다. 말 잘 들어주는 남편처럼 조카도 고분고분했으면 좋겠는데, 그게 먹히질 않는다. 게다가 남편은 그런 조카를 오냐오냐 하고 있다. 골프 여행 간다고 속이고는 어디서 뭘 했는지도 말을 안해주는 남편에게 화가 치미는데, 이 남편이 조카 앞에서 자신의 뺨을 때린다. 과연 오즈 야스지로는 이 명백한 폭력적 상황을 어떻게 해결해 나갈까? 놀랍게도 토키코는 남편의 사과에 누그러진다. 게다가 남편의 손찌검은 애정의 표현이라며 친구들에게 자랑하듯 말한다. 오늘날의 관객들에게는 도저히 납득하기 어려운 장면이지만, 우리는 1937년에 만든 영화를 보고 있다는 점을 상기해야만 한다.
 
  이 영화는 오즈 야스지로의 후기 영화들에서 보이는 여러 주제들과 촬영 기법들의 원형을 담고 있다. 세츠코와 토키코로 대비되는 신구 세대의 서로 다른 가치관은 미야의 제자 오카다와 어린 과외 학생과의 관계에서도 나타난다. 오카다는 토키코의 부탁으로 토키코 친구 아들의 수학을 가르치게 되는데, 중학교 수학 문제에도 쩔쩔매서 아이들에게 대학 나온 거 맞냐는 놀림을 당한다. 이 어린 악동들은 어른을 무서워하지 않는다. 오즈의 영화에서 반복적으로 재현되는 세대간의 갈등, 그리고 낮은 각도로 바닥에 카메라를 놓고 찍는 것도 일관되게 나타난다. 그렇게 찍은 쇼트에서 인물의 얼굴이 잘리게 보이는 것도 오즈는 신경쓰지 않는다. 공간에 대한 정교한 탐구를 비롯해 오즈 야스지로 영화의 팬이라면 흥미있게 볼 수 있는 여러 요소들이 보인다.

  그럼에도 이 영화는 밋밋하며, 현대적인 정서와는 거리가 있다. 뺨을 맞은 아내는 남편에 대한 자신의 태도를 반성한다. 아내에게 손찌검을 한 남편은 겉으로는 사과했지만, 부부 사이의 주도권을 되찾아왔다는 데에 나름의 만족감을 느낀다. 이 남편은 조카에게도 부부 사이는 솔직한 진심보다는 속내를 숨기고 자신의 뜻대로 조종하는 것이 중요하다고 충고한다. 수긍하는 것처럼 보이는 세츠코는 오카다에게 자신들이 결혼하게 되면 그렇게는 못살 것 같다고 말한다. 어쨌든 미야와 토키코 부부의 애정은 깊어졌다. 영화의 마지막 장면은 평온한 밤을 맞이하는 부부의 만족스런 표정을 보여준다. 차례차례 꺼지는 집안의 불빛 속에 고요한 침묵이 자리한다. 그렇게 부르주아 가정에 평화가 찾아온다. 그러나 이 평화가 곧 깨진다는 것을 관객들은 알고 있다. 1937년, 일본은 중일 전쟁에 돌입한다. 젊은이들은 전쟁터에 끌려갈 것이며, 세대간의 갈등은 더욱 격화될 터였다. 그런 면에서 '숙녀는 무엇을 잊었는가'는 본격적인 전쟁의 광기에 일본 사회가 휩쓸리기 직전의 순간을 포착한 스냅 사진처럼 보인다.        
    

*사진 출처: criterionchannel.com

*다음 글은 월요일에 올라옵니다.

도시 그 욕망의 도가니, 밤과 도시(Night and the City, 1950)

  남자는 자신의 인생에서 크게 터질 한 건을 기다리며 산다. 여자 친구에게 대단한 거물이 되고 싶다는 소망을 피력하는 이 남자의 이름은 해리 파비안. 그러나 현실은 도시의 밑바닥 인생을 전전하고 있다. 뒷골목 큰 술집 실버 폭스 클럽에 손님 물어다 주는 것으로 푼돈이나 버는 파비안에게 인생 역전의 기회는 찾아올 기미가 없다. 돈 떨어지면 클럽 가수 여자 친구의 지갑이나 뒤적거리는 일상. 그러던 어느 날, 레슬링 경기장에서 엿들은 대화가 파비안의 인생을 바꾸어 놓는다. '네이키드 시티(The Naked City, 1948)'에서 뉴욕을 배경으로 느와르를 찍었던 줄스 다신은 1950년, 런던을 배경으로 도시에 얽힌 욕망의 변주곡을 들려준다. '밤과 도시(Night and the City)'는 그의 헐리우드 경력을 마감하는 작품이었다. 매카시즘은 이 재능있는 감독을 미국 밖으로 내몰았다. '밤과 도시'는 시대의 광풍이 이후 미국 영화에 끼친 크나큰 손실을 헤아려 보게 만든다.

  해리 파비안은 허풍쟁이 사기꾼이다. 멀끔한 외모에 대단한 화술을 지닌 그는 맘만 먹으면 누구든 속일 수 있다고 믿는다. 그러나 도시의 뒷골목 세계에서 파비안은 하수(下手)일 뿐이다. 그는 자신의 주변 상황 그 어느 것도 통제할 수 없다. 클럽 소유주 필은 파비안을 '이미 죽은 사람'이나 다름없는 신세라며 조롱한다. 아내 헬렌이 자신을 떠나 파비안과 함께 할 거라는 것을 알고 필은 파비안을 파멸시키기로 결심한다. 필은 파비안의 레슬링 사업에 돈을 댄다. 파비안은 전설적 레슬러 그레고리우스가 프로모터 아들 크리스토와 불화한 틈을 파고든다. 파비안은 그레고리우스를 내세워 레슬링 프로모터로 나서려고 한다. 사업 자금을 회수하겠다는 필의 압박에 파비안은 크리스토의 레슬러 스트랭글러(Strangler)를 도발해서 그레고리우스의 제자 니콜라스와 싸우게 만든다. 그러나 경기도 하기 전에 스트랭글러는 니콜라스의 손목을 부러뜨리고, 그레고리우스는 스트랭글러와 맞붙다 체력을 이기지 못하고 죽음에 이른다. 아버지의 죽음을 목도한 크리스토는 파비안에게 현상금을 내걸고, 파비안은 필사적으로 도망치는데...

  리처드 위드마크가 연기한 파비안은 정말로 놀랍다. 입만 열면 거짓말을 쏟아내는 이 남자는 자신의 능력을 과신하며 성공에 대한 강박을 가지고 있다. 그는 끊임없이 자신을 추동하는 물질적 욕망에 끌려다니는 인물이다. 영화의 후반부, 크리스토의 현상금 때문에 쫓겨다니는 파비안은 어둠이 깔린 런던의 뒷골목을 달리고, 또 달린다. 위드마크는 신들린 듯한 달리기 실력을 보여준다. 그는 달리는 장면을 위해서 체중을 감량하기까지 했다. 줄스 다신은 '네이키드 시티'에서 그가 보여주었던 특기를 더 심화시킨다. 전후 재건이 진행되던 런던의 가려진 부분을 하나 하나 열어 보인다. 비좁은 골목과 끝없이 이어진 계단들, 폐허가 된 건물, 영화는 제목 그대로 '밤'의 도시를 탐구한다.

  이 도시에는 파비안처럼 결코 채워지지 않는 욕망들이 끓어오르고 있다. 탐욕스러운 클럽 소유주 필은 젊은 아내의 마음을 얻지 못해 불행하며, 돈 때문에 어쩔 수 없이 늙은 남편 곁에 머무르는 헬렌은 자신의 클럽을 열고 싶어한다. 프로모터 크리스토는 아버지의 바램과는 다른 쇼 같은 경기로 돈을 그러모은다. 줄스 다신은 그런 인물들이 추구하는 욕망의 충돌을 그레고리우스와 스트랭글러의 레슬링 장면으로 극화시킨다. 거대하고 강인한 육체들이 뒤엉켜 죽일 듯이 싸우는 이 장면을 파비안과 스트랭글러의 매니저는 긴장과 흥분 속에 지켜본다. 노쇠한 레슬러가 자신의 모든 힘을 쥐어짜내 최후를 맞기까지의 그 과정에는 돈에 사로잡힌 도시 뒷골목 인물들의 욕망이 자리하고 있다.

  파비안이 이루고자 했던 허황된 욕망들은 결국 강물에 가라앉는다. 마치 줄스 다신의 도시 탐구 보고서 같은 두 영화들에서 도시는 좀처럼 희망과 낙관을 허락하는 곳이 아니다. 죽기 직전 높은 다리 꼭대기에서 도시를 내려다 보았던 '네이키드 시티'의 살인범처럼, 자신을 쫓는 이들을 피해 밤새 달렸던 파비안은 부둣가에서 새벽의 런던을 바라본다. 그 도시는 파비안을 늘 목마르게 했고, 헐떡거리며 달리게 만들었다. 그 질주는 죽음으로 멈춘다. '공산주의자 색출'이라는 마녀 사냥을 피해 유럽으로 도망친 줄스 다신은 이 영화가 헐리우드에서 찍는 자신의 마지막 영화라는 통보를 받았다. 파비안의 죽음에는 줄스 다신의 경력 단절이라는 공포가 투사되어 있는지도 모른다. 영국으로 도피했다 미국으로 가서 의회 증언대에 섰던 에드워드 드미트릭과는 달리 줄스 다신은 미국으로 돌아가지 않았다. 그는 유럽에서 자신의 영화 경력을 계속 이어갔다. '밤과 도시'는 이 감독이 가진 영화적 재능은 일시적인 시련에 수장되지 않을 것임을 보여준다. 리처드 위드마크의 뛰어난 연기를 비롯해 프란츠 왁스만이 맡은 영화 음악도 이 영화에 빛을 더한다.       

*사진 출처: criterion.com

니키타 미할코프의 독특한 소련 웨스턴, 황금을 찾아라(1974)

니키타 미할코프의 독특한 소련 웨스턴, 황금을 찾아라(Свой среди чужих, чужой среди своих, 1974)
 
*이 글에는 영화 '황금을 찾아라(1974)'의 결말이 들어 있습니다.

  구 소련 시절 국영 영화사였던 Mosfilm은 인터넷 홈페이지와 유튜브 전용 채널에서 소장 영화들을 무료로 스트리밍 서비스를 하고 있다. 러시아 영화에 관심 있는 이들에게는 정말 좋은 일이지만, 문제는 제목 검색이 오직 러시아어로만 된다는 점이다. 거기에다 영어 자막이 제공되는 영화들은 한정되어 있다. 나름의 기준이 있다면, 영어 자막이 있고 모스필름에서 복원 작업을 한 영화들은 볼만하다고 할 수 있다. 복원 작업에는 많은 돈이 들어가기 때문에 작품성과 역사성이 있는 영화들이 엄격하게 선정되기 때문이다. 니키타 미할코프(Nikita Mikhalkov) 감독의 장편 영화 데뷔작 '황금을 찾아라(At Home Among Strangers, 1974)'도 모스필름의 복원작이다. 소련 영화에서는 보기 드문 웨스턴 형식을 갖춘 이 영화는 미할코프의 감독으로서의 패기와 포부를 보여준다.

  그런데 그 정도가 좀 지나쳤던 것 같다. 영화는 여러 인물들의 등장과 함께 좀처럼 이해가 되지 않는 이야기들이 산만하게 얽혀서 진행된다. 관객들은 1시간 반 가량의 러닝타임 동안 영화가 어떻게 굴러가는지 파악하느라 골머리를 썩는다. 1917년 볼셰비키 혁명 이후 러시아는 내전에 휩싸인다. '백군'이라 불리는 반 볼셰비키 세력들과 러시아 혁명 세력간의 치열하고 처절한 싸움이 이어졌다. 영화는 그 적백 내전 시기를 배경으로 한다. 내전으로 러시아 경제는 붕괴 상황에 직면했는데, 가장 큰 문제는 '식량 수급'이었다. 영화 초반부, 비밀 정보국 체카(Cheka, KGB의 전신)는 해외의 식량을 구입하기 위한 금괴를 모스크바로 수송하려고 한다. 수뇌부에서는 실로프를 주축으로 금괴 수송 작전을 지시한다. 그런데 실로프의 형제는 백군에 가담했다 처형당했기 때문에, 실로프는 정보국 내부에서 의심의 눈초리를 받고 있는 상황이다. 그 와중에 열차에 실린 금괴 가방은 강도들에게 탈취당하고, 호송하던 요원들은 실로프만 빼고 모두 죽는다. 적과의 내통 의심을 받고 체포되는 실로프, 그는 누명을 벗고 금괴를 찾아올 수 있을까?

  영화는 흑백과 컬러 화면이 수시로 전환되는데, 이것이 과거와 현재 시점을 나누는 의미가 아니라 별다른 개연성이 없이 제시된다. 미할코프가 영화를 그렇게 찍은 이유는 간단했다. 한마디로 '컬러 필름이 모자라서'였다. 국가 영화 위원회에서는 예산상의 문제로 흑백 필름을 부분적으로 제공했다. 의외로 그렇게 섞어서 촬영된 영화는 나름의 영상 미학을 보여준다. 미할코프는 꽤나 '보여주기'에 공을 들인다. 항공 촬영으로는 체첸 지역의 광활한 자연을, 역동적인 핸드 헬드 기법으로 비좁은 실내 공간을 효과적으로 담아낸다. 거기에다 14살 때부터 배우로 활약했던 미할코프는 자기가 직접 주연도 했다. 강도들에게서 금괴를 빼앗는 도적단의 두목 브릴로프로 나온다. 러시아 민속음악과 엔리오 모리코네의 스파게티 웨스턴 선율의 변주같은 음악은 영화 내내 웅장하게 울려퍼진다. 이 소련 웨스턴은 뭔가 어설프면서도 독특하다.

  미할코프 자신이 클린트 이스트우드가 나온 스파게티 웨스턴에서 영향을 받아서 만들었다고 말한 이 영화는 분명 웨스턴의 러시아적 변용을 보여준다. 헐리우드 웨스턴이 미국 남북 전쟁 이후 공권력 공백기의 서부 지역을 배경으로 한다면, 소련 웨스턴은 적백 내전 시기의 우크라이나에서 이야기를 풀어 놓는다. 금괴가 실린 열차를 탈취하는 장면도 박진감 넘치게 재현된다. 그런데 이 소련 웨스턴의 문제는 바로 사회주의 리얼리즘을 버무려야 한다는 데에서 발생한다. 실로프가 산적단에 잠입하는 동안 체카에서는 내부자의 소행으로 보이는 테러 행위가 발생한다. 분명 금괴 강도단과 연계되어 있다고 여겨지는 그 범인의 색출은 혁명이념을 더럽히는 불순분자의 처단이라는 측면이 부각된다. 영화 속에서 체카의 작전 수장 샤리체프가 레닌의 초상화를 응시하면서 항전의 의지를 다지는 장면이 나온다. 부르주아에게서 강탈한 금괴는 혁명의 대의에 쓰여야만 한다. 그러므로 그 금괴를 노리는 이들은 모두 적들이며 반동분자들이다. 결국 그들은 죽음으로 댓가를 치룬다.

  당연히 미할코프가 연기한 산적 두목 브릴로프도 죽는다. 적들 가운데 산적단에 합류한 백군 장교 렘케는 살아남는데, 실로프는 그를 죽이지 않고 금괴와 함께 체카로 호송한다. 실로프가 실종된 줄 알았던 체카의 동료들은 실로프의 귀환에 기쁨을 감추지 못한다. 그때 홀로, 포승줄에 묶인 렘케의 모습이 대비된다. 그 장면은 패배자이며 조직력도 없는 백군과는 달리 동지애로 뭉친 볼셰비키의 우월성을 보여준다. '황금을 찾아라'에는 그런 이념적 측면에서의 강조 뿐만 아니라, 혁명 시기 이민족들을 통합해나가는 소련 공산당의 모습도 들어있다. 브릴로프가 이끄는 산적단은 다양한 민족 구성원들을 포함한다. 금괴를 찾는 실로프에게 협조하는 타타르인 카이윰의 존재가 그러하다.

  미할코프는 이 영화 이후 제작된 일련의 영화들로 소련의 인기 감독으로 떠오른다. 영화 '황금을 찾아라'에서 관객들은 그의 영화적 재능과 함께 놀라운 정치적 감각을 발견하게 된다. 매우 정권친화적이었던 그는 소련 붕괴 이후에도 승승장구했다. 미할코프는 사업가로도 크나큰 성공을 거두었다. 와인 사업, 교육기관, 보석 가공 사업체까지 가진 미할코프는 러시아에서 대단한 재력가로 꼽힌다. 그의 첫 영화에서 금괴를 탐내는 이들은 혁명의 적으로 처단된다. 그런 결말과는 달리 자본주의 체제에서 성공한 미할코프의 생애는 기묘한 아이러니처럼 보인다.

*사진 출처: mysea.space  산적 두목 브릴로프를 연기한 감독 니키타 미할코프

약쟁이 작가의 소설이 영화와 만났을 때, 네이키드 런치(Naked Lunch, 1991)

 
*이 글은 영화 '네이키드 런치(1991)'의 결말을 포함하고 있습니다.
 
  "자네가 아내를 죽였다고 들었는데."
  "죽이다뇨? 그건 죽인 게(murder) 아니라 사고(accident)였단 말입니다."

  남자는 정색을 하며 대답한다. 정말로 남자는 피치 못할 사고로 아내를 잃은 것일까? 데이비드 크로넨버그 감독의 1991년작 '네이키드 런치(Naked Lunch)'는 미국의 비트 문학(Beat literature)의 대표 작가 윌리엄 S. 버로우즈(William S. Burroughs)의 동명 소설을 바탕으로 한다. 크로넨버그는 소설의 주요 내용과 함께 버로우즈의 인생사를 결합시켜서 자신만의 오리지널 시나리오를 써냈다. 영화 초반부에 주인공 윌리엄 리(피터 웰러 분)는 약물에 취한 상태에서 총으로 아내를 죽이게 된다. 이른바 '윌리엄 텔' 묘기를 하려다 그렇게 된 것이다. 아들의 머리에 사과를 올려놓고 활을 쏘아야만 했던 프리드리히 실러의 희곡 속 주인공 빌헬름 텔. 실제로 윌리엄 버로우즈는 1951년, 영화의 그 장면처럼 아내를 총기 사고로 죽음에 이르게 만들었다.

  소설 '네이키드 런치'는 버로우즈에게 작가로서의 확고한 토대를 마련해준 작품이다. 약물 중독자인 주인공의 기괴한 모험담을 그린 이 책은 외설적인 표현과 난해한 이야기 구성 때문에 출간 이후 격렬한 논쟁을 불러일으켰다. 조부의 발명품 특허로 불어난 집안의 재산은 버로우즈에게 크나큰 자유를 선물했다. 하버드 대학까지 나온 남자는 결국 온갖 약물에 찌든 '약쟁이'가 된다. 그의 아내도 약물의 영향 아래에 함께 놓였다. 아내의 죽음은 버로우즈를 인생의 막다른 골목으로 내몬다. 살인죄로 기소되었지만, 부유한 집안의 도움 덕분에 감옥행은 피한다. 그런 그가 주목한 곳은 모로코의 '탕헤르(Tangier)'였다. 1949년에 나온 폴 보울스(Paul Vowles)의 소설 'The Sheltering Sky'가 미국에서 큰 인기를 끌었는데, 보울스가 머물던 곳이 탕헤르였다. 당시 탕헤르는 프랑스, 스페인, 영국이 공동 관리하는 국제 관리 지역으로 다양한 코스모폴리탄들의 집결지였다. 동성애자, 마약 중독자, 예술가들이 탕헤르에서 자유를 찾았다. 영화 속에서 방역 회사 직원 윌리엄이 아내를 죽인 후 도피하게 되는 '인터존(Interzone)'은 버로우즈가 5년 동안 지냈던 바로 그 탕헤르를 가리킨다.

  소설의 제목과 이야기의 큰 얼개를 빌리기는 했지만, 영화를 채우는 세부적 이야기와 묘사는 크로넨버그의 머릿속에서 나온 것이다. 주인공이 약물에 절어있다는 설정에는 변함이 없다. 윌리엄은 외계인과 같은 기괴한 형상의 Mugwumps들과 마주하는가 하면, 커다란 딱정벌레로 변한 타자기로 끊임없이 글을 써낸다. 마치 약쟁이의 뇌에서 일어나는 온갖 환상들을 늘어놓은 것처럼 보이는 그런 장면들은 원작자 버로우즈가 아닌 크로넨버그의 세계관을 보여준다. 크로넨버그 영화들에서 반복되는 테마들, 기괴한 생명체와 기계가 결합하고 실제와 환상이 뒤죽박죽 얽힌다. 그러므로 이 영화는 윌리엄 버로우즈의 '네이키드 런치'와는 다른 이야기로 영화적 궤적를 만들어 나간다. 인터존에서 윌리엄은 머그웜프의 지시대로 상부에 보고할 첩보 내용을 타자기로 써내는데, 이 타자기는 윌리엄에게 공포와 강박의 대상이 된다. 약물을 뿜어내며 기이하게 변모해가는 타자기는 스스로 글을 써내기도 한다. 타자기는 윌리엄의 또 다른 자아이며, 약물에 절어서 글을 써내는 작가 자신의 모습 그 자체이다.

  윌리엄이 인터존에서 겪는 모험담은 사실 버로우즈의 탕헤르 생활 요약편이나 다름없다. 버로우즈는 탕헤르에서 약물과 동성애, 모든 일탈을 맘껏 즐겼다. 영화 속 윌리엄을 유혹하는 젊은 남자 키키는 실제로 작가가 탕헤르에서 동거했던 소년의 이름이었다. 탕헤르는 버로우즈에게 인생의 해방구와 같은 곳이었지만, 또 다른 의미로 작가의 정체성을 얻은 곳이기도 했다. 윌리엄은 커다란 딱정벌레에게 먹혀 피투성이가 된 타자기를 버리지 못하고 결국 자신의 것으로 끌어안는다. 그것은 아내의 죽음이라는 트라우마를 가진 그가 글쓰기로 도피할 수 밖에 없는 현실을 의미한다. 결국 이 영화는 아내 살인범 버로우즈가 비트 문학 작가로 탄생하기까지의 내적 투쟁에 대한 이야기이다.

  윌리엄 버로우즈는 아내의 죽음이 자신을 작가로 만들었다고 말했다. 하워드 브루크너가 5년에 걸쳐 버로우즈를 찍은 다큐 'Burroughs: The Movie(1983)'에서 작가가 그 비극적 사건에 대해 담담하게 말하는 장면을 볼 수 있다. 거기에서도 그는 영화 '네이키드 런치'에서 윌리엄이 말했듯, 아내의 죽음은 '사고(accident)'였다고 강조한다. 영화의 마지막, 인터존에서 탈출해서 다른 자유 지대 아넥시아로 가려는 윌리엄은 검문소에서 질문을 받는다. 직업을 묻는 질문에 '작가'라고 하자, 검문을 하던 군인은 그것을 증명해 보라고 한다. 윌리엄의 차에는 인터존에서 만난, 죽은 아내와 꼭 닮은 외모의 조안이 타고 있다. 그는 또 다시 한 번 윌리엄 텔 묘기를 선보이고, 조안은 아내와 같은 모습으로 죽는다. 그제서야 군인은 '통과', 라고 외친다. 약에 취해 아내를 죽음에 이르게 만들었던 윌리엄의 과오는 작가적 정체성을 획득하기 위한 전제조건으로 치환된다. 해충 구제 회사 직원(exterminator: 박멸하는 사람) 윌리엄의 죄의식은 그렇게 소멸된다. 그리고 그는 이제 진정한 작가로 태어난다.

  버로우즈는 책의 제목 'Naked Lunch'에 대해 이렇게 설명했다.

  "The title means exactly what the words say: naked lunch, a frozen moment when everyone sees what is on the end of every fork(제목은 단어 그 자체를 의미할 뿐입니다. 벌거벗은 점심, 모든 사람들이 자신들의 포크 끝을 바라보는 얼어붙은 순간)."

  평생을 헤로인 중독자로 살았던 이 작가의 약에 절은 문학 세계를 제대로 이해하는 사람이 이 세상에 과연 얼마나 될까? 소설 'Naked Lunch'의 영화화 판권을 샀던 콘라드 룩스(Conrad Rooks)는 정작 영화를 만들지는 않았다. 그는 크로넨버그가 만든 이 영화를 보고, 진짜 약쟁이가 아닌 사람이 '네이키드 런치'를 만든다는 것은 말이 되지 않는다고 평했다. 룩스의 말대로 영화 '네이키드 런치'는 약쟁이 작가의 뇌내 망상에 대한 이야기가 아니다. 작가 버로우즈의 삶에 대한 크로넨버그식 영화적 성찰이라고 할 수 있는 이 영화는 약쟁이 작가의 기괴한 문학 세계의 소개글로도 나름의 의미가 있다.  

*사진 출처: horrornews.net