[정이] 야심차게 출발했으나, 신파로 끝난

한국형 SF.... 그리고 신파?

SF란 사이언스 픽션(Science Fiction)의 줄임말이다. 가상의 이야기를 하되 그 안에 구현된 현실이 어느 정도 과학적인 뒷받침이 되어야 한다는 특징이 있다. 물론 이 때 과학적 뒷받침이라는 게 꼭 현실적이어야 하는 건 아닌데, 대표적인 예가 증기기관의 발전이 극대화된 현실을 그리는 스팀펑크류이다.

영화는 미래 재앙으로 지구를 떠나 지구와 달 사이에 식민지를 건설한 인류가 서로 내전을 벌이는 상황을 배경으로 한다. 전투 중 큰 부상을 입은 용병대장의 뇌를 복제해 더 우수한 전투형 AI를 만들려고 하는 연구소가 영화의 주 무대. 뇌 복제와 안드로이드라는 첨단 기술이 주요 소재이고, 덕분에 온통 금속으로 만들어진 공간과 뭔가 첨단인 듯한 슈트 등 볼꺼리가 등장한다.

그렇게 최첨단의 소재들을 사용하고 있지만, 영화는 오래된 공식을 반복하는 듯하다. 강수연이 맡은 “정이”의 복제 뇌 데이터를 사용해 새로운 AI를 만드는 연구소의 실질적인 책임자(부소장)인 서현이 실은 정이의 딸이었다는 설정과, 딸의 수술비를 마련하기 위해 끝없는 전투에 나가야 했다는 정이의 개인사가 어우러지면서, 영화는 엄마와 딸의 관계에 집중한다.

자신을 위해 전투에 나갔다가 결국 죽음을 맞이한 엄마를 그리워하는 (이제는 엄마보다 나이가 든) 딸과 언제까지나 죽을 당시의 그 (젊은) 모습을 유지하고 있는 정이(의 복제품)의 모습을 함께 잡으면서 감독은 어떤 감정을 불러일으키기 위해 애쓴다. 서현은 엄마의 뇌 데이터가 들어간 안드로이드를 연구소에서 ‘탈출’ 시키기로 하고, 이 과정에서 방해가 있고, 서로를 지키기 위해 희생을 하고, 급박한 상황에서 오래 전 엄마와 나누던 볼 부비기까지... 전형적인 신파적 코드들이 잔뜩 삽입되어 약간 헛웃음까지 나오는...

자아와 뇌 복제와 인공지능.

영화의 완성도와는 별개로, 영화 속에는 생각해 볼만한 철학적 주제들이 여럿 등장한다. 인간의 자아란 무엇인지, 우리를 특정한 인간으로 특정 짓는 그 요소는 무엇인지, 뇌를 정확하게 복제할 수 있게 된다면 그렇게 복제한 뇌를 가진 존재는 원래의 존재와 같은 존재인지, 인공지능이 충분히 발전하면 그것과 인간은 어떻게 구분할 수 있을지 하는 것들.

물론 이런 주제들을 다루는 책이나 영화들도 많지만, 여전히 쉽게 풀리지 않는 주제였기에, 이 문제를 제대로 다뤘다면 꽤 흥미로운 작품이 될 수도 있지 않을까 싶다. 하지만 감독은 문제를 풀어나가는 대신, 먼저 답을 내리고 그 답으로 시청자들을 끌고 간다. 뇌 데이터가 자아이며, 만약 원본 데이터가 삭제되었다면 복제 데이터를 가지고 있는 그 존재가 바로 ‘그’라는 것.

그런데 이렇게 결론을 내버리고 나면 영화에 더 이상 궁금한 게 없어져 버린다. 이제 서현은 정이를 엄마를 대하듯 애착을 갖게 될 것이고, 그로 인해 뭔가 규칙을 깨뜨릴 것이고, 나중에는 둘이 부둥켜 앉을 것이라는 게 거의 보이니까. 물론 한 시간 반 정도의 시간에 문제에 얼마나 깊이 들어갈 수 있을까 싶긴 하지만, 그게 연출력이 아니겠는가.

인공지능과 자본주의.

그나마 인상적이었던 포인트는 회상 장면에 나온다. 정이가 심각한 부상을 당해 회복하기 어려운 상태가 되자, 그녀의 뇌를 복제 후 어떻게 할 것인지를 선택하는 부분이다. 영화 속에는 A, B, C 타입이 나오는데, A는 새로운 육체에서 자유롭게 삶을 이어갈 수 있는 것이고, B는 결혼, 출산, 이동 같은 영역에서 제한이 있고, 뇌 데이터를 정부가 가져가고, C는 민간기업에서 데이터를 소유하게 된다는 것.

당연히 A는 가장 비용이 들고, C는 기업에 뇌 데이터를 파는 것이니 무료다. 대신 현실에서는 사실상 식물인간 상태로 있는 육신을 유지하는 데 들어가는 비용을 기업에서 대준다. 딸의 병원비를 위해 목숨을 걸고 전투에 나갈 수밖에 없었던 정이의 가족에게는 별다른 선택지가 없었다. (개인적으론 뇌사를 선택하고 죽음을 받아들이는 선택지도 있을 것 같은데, 이 부분에 대한 고민은 역시 보이지 않는다.)

죽음을 극복하는 하나의 방안으로써 뇌 데이터 이식이라는 소재가 등장한 건 오래됐고, 수명을 늘려가는 일이 결국 돈과 관련되어 있다는 것 역시 충분히 예상할 수 있는 부분이다. 사실 이미 부자일수록 건강관리와 유지에 더 많은 돈을 사용하면서, 상대적으로 장수하는 것이 현실이니까.

기술이 발전하고, 사회의 경제력이 전반적으로 성장하다보면 언젠가 낙수효과로 이런 것들이 저소득층에까지 혜택을 줄지도 모른다는 낙관적인 전망은 좀처럼 현실이 될 것 같지 않다. 역사적으로 성장하는 모든 나라는 내부든 외부든 식민지 정책을 펴왔고, 따라서 부는 결코 평등하게 나눠진 적이 없다.

질풍노도의 시기를 지나고 있는 한 여고생의 모험

레이디 버드
그레타 거윅 감독, 시얼샤 로넌 외 출연 / 유니버설픽쳐스 / 2018년 8월

모든 게 답답했던 시기.

십대. 사춘기를 지나고 자의식이 강해지고, 주변 사람들(특히 어른들)이 하는 말이 다 귀찮고, 하찮게 느껴지는 시기, 자신이라면 뭐든지 다 할 수 있을 것 같기도 하고, 자신이 언제나 가장 현명한 판단을 내리고 있다는 생각도 드는 그런 시기.

이 영화의 주인공 “레이디 버드”는 그런 고등학생이다. 레이디 버드라는 이름은 그녀의 본명은 아니고, 부모님이 지어주신 크리스틴이라는 이름이 있지만 어느 날 그녀는 자신을 “레이디 버드”라고 할 거라고 선언한다. 뭔가 잔뜩 불만이 있는 것 같은 그녀의 표정과 말투는 앞으로 진행될 영화가 어떤 분위기로 흘러갈지 살짝 보여준다.

영화 내내 주인공은 주변의 어른들(부모와 교사)에게 틱틱대고 불만을 터트린다. 하지만 또 그게 아주 엇나가겠다는 건 아니라서, 또 안심이 되긴 한다. 비록 금사빠라서 만나는 남자애마다 평생의 사랑을 만난 것처럼 다 줄 듯 연애를 하고, 그 나이 또래가 그렇듯 조금은 허영심도 가지고 있지만, “우리 애가 착하긴 해요.”

그리고 틱틱 댄다지만 은근 부모와의 관계도 그럭저럭 꾸려가고 있으니, 이 정도면 우당탕탕 그 답답했던 시기를 잘 넘어가고 있었다.

정말 막막한 시기.

사실 주인공 크리스틴이 처해 있는 상황은 정말로 조금 답답해 보이긴 하다. 아빠는 직장에서 구조조정으로 해고를 당했고, 엄마는 생계를 위해 매일처럼 직장에서 야간근무를 하고 있다. 하나 있는 오빠는 명문대를 졸업하고서도 무슨 이유 때문인지 여자친구와 함께 마트에서 일하면서 시간을 보내고 있고.

그런데 이런 상황 속에서도 주인공이 아주 엇나가지 않을 수 있었던 건, 그녀의 주변에 대화할 사람들이 있었기 때문이었던 것 같다. 엄격하기만 할 것 같은 가톨릭 계열의 고등학교에서는 줄리라는 친구가 있었고, 아빠는 늘 딸에게 힘든 내색을 하지 않고 힘이 되어주려고 한다. 그리고 늘 티격태격 대는 엄마와도 가끔 대화는 되고 있으니까.

역시 사람은 대화가 필요한 법이다. 사람을 지탱해주는 건 돈도 명예도 아니고, 결국 사람이다.

조금 덜 흔들렸으면.

그래도 아쉬운 건 질풍노도의 시기를 보내고 있는 주인공의 시행착오들이다. 또래들과의 사이에서 모든 정보를 얻고, 그렇게 얻은 부족한 정보를 바탕으로 선택하고 결정을 하니 시행착오가 나오는 건 당연할 수밖에. 뻔히 멍청한 선택을 하는 게 보이지만, 막상 그 상황 속에 들어가면 다른 길이 잘 보이지 않는 게 인생이다.

그렇다면 조금 더 경험을 해 본 사람들의 조언에 귀를 기울이면 되는데, 그게 또 답답하게만 여겨지니...(결국 마지막엔 조언에서 크게 벗어나지도 않는데) 하지만 어쩌겠나, 이 또한 그 시절을 지나온 세대들이 갖는 우려인 거고, 그런 시행착오들을 온몸으로 맞부딪히는 것도 그 세대들의 특권일 것을.

수없이 흔들리면서도 결국 뿌리를 잘 박고 일어선 주인공에게 박수를 보내며, 그가 경험한 여러 새로운 모험들을 조금은 킥킥대면서 지켜볼 만한 영화다.

[영웅] 뮤지컬 영화의 한계와 장점을 다 보여준 듯

뮤지컬 영화.

뮤지컬과 영화는 공통적으로 어떤 이야기를 보여주는 극이지만, 상영(혹은 공연)되는 장소라든지 이야기를 그려내는 방식이라든지 하는 많은 부분에서 차이점도 가지고 있다. 그 중에서도 가장 눈에 띄는 특징이라면 아마도 ‘노래’일 것이다. 영화 속에서 노래는 매우 제한적으로 특정한 분위기를 내기 위해 배우들이 부르거나 한다면, 뮤지컬은 이야기 전개 자체의 중요한 축으로 노래를 사용한다.

또 하나 중요한 차이점은 무대다. 카메라를 자유자재로 움직여서 관객이 배우들 바로 옆에 있는 것 같은 느낌을 줄 수도 있는 영화와 달리, 뮤지컬은 아무리 잘 설계한다고 해도 관객과 무대 사이의 물리적 거리를 어떻게 할 수가 없다. 그리고 어쩌면 이런 특징 때문에 관객들은 더욱 배우들의 노래에 집중하게 되는 것 같기도 하다. 조금은 과장된 움직임과 노래들은 무대 위에 있을 때 그 진가를 발휘한다.

때문에 이 둘이 합쳐졌을 때, 정확히는 영화 스크린 위에서 뮤지컬이 공연될 때 느끼는 이질감은 어쩔 수 없는 것 같다. 그리고 이런 이질감은 단지 어색한 ‘느낌’을 주기만 하는 게 아니라 실제로도 어색함을 준다. 물론 개인적으로는 스크린 위에서 공연되는 뮤지컬을 즐기자는 마음으로 영화관에 앉았지만, 총을 맞고 죽어가면서도 이게 사랑일까를 노래하는 장면에서 피식할 수밖에 없었다.

물론 모든 부분이 어색하기만 한 건 아니었고, 특히 여러 배우들이 등장해서 노래하는 몇몇 장면에서는 웅장함이 느껴지기도 했고, 설희 역의 김고은이 부르는 노래들은 유독 가슴을 움직인다. 그리고 아마 한 곡이었던 걸로 기억하는데, 안중근 의사의 어머니인 조마리아 역을 맡은 나문희의 노래는 울렸다.

개그와 신파.

개인적으로 뮤지컬 원작을 보지 못해서, 얼마만큼을 영화로 옮겼는지, 어떤 부분이 삭제되거나 추가되었는지는 모르겠다. 기본적으로 뮤지컬에서 했던 것을 대부분 영화로 옮겨놨다는 가정 아래, 꼭 들어갔어야 했나 싶은 부분이 좀 보인다.

대표적으로 안중근과 함께 거사에 참여한 3인방을 사용하는 방식이 거슬린다. 억지 개그와 신파라는, 한국영화 특유의 문제로 지적되는 게 다 등장한다. 제일 어린 유동하는 마진주라는 인물을 만들어 연애를 하도록 만들고, 나머지 인물들은 뭔가 나사가 하나 빠진 것처럼 모자란 캐릭터로 묘사되어 긴장감을 깬다.

만약 이런 장면이 무대 위 뮤지컬에 있었다면 조금은 달랐을까 하는 생각도 살짝 들긴 했다. 사실 공연장에서는 아무리 집중을 한다고 해서 조금은 느슨해지는 지점이 있기 마련인데, 이런 부분에서는 그냥 별 생각 없이 넘길 수 있으니까. 하지만 카메라를 통해 관객을 그 자리에 당겨놓을 수 있는 영화에서는 이게 좀 덜컹거리는 부분이다.

불타는 욱일기.

이야기는 중반까지 두 개의 장소를 중심으로 진행된다. 하나는 안중근과 그의 동료들이 거사를 계획하는 곳이고, 다른 하나는 설희가 이토 히로부미의 여자가 되어 그의 동선을 파악해 독립군에게 알려주는 곳이다.

그 중에서도 인상적이었던 부분은 아마도 총독부에서 열렸던 연회에서 복수를 다짐하는 설희의 상상 속 노래 부분이었는데, 홀 중앙에 걸린 거대한 욱일기가 불에 타서 재가 되는 장며을 CG로 넣었더랬다. 명성황후를 모시던 궁녀였던 설희가 억울하게 죽은 황후의 복수를 위해 모든 걸 바쳐가며 공작을 하고 있다는 상황과 목 놓아 부르는 노래가 절묘하게 어울린다.

동양평화니, 대동아공영이니 하는 같잖은 구호를 외치며 수많은 사람들을 착취하고 죽음으로 몰아넣었던 깃발이 바로 욱일기였다. 진작 개소리꾼들과 함께 사라졌어야 할 그 깃발이 여전히 반성 없는 일본인들에 의해 휘날리고 있는 상황에서(그리고 그 깃발에 우리나라 군인들더러 경례를 하라고 명령하는 얼빠진 지휘관들이 있는 나라에서), 영화 속에서라도 정의가 실현되는 모습을 보는 게 통쾌했다.

아, 김고은이 은근 노래를 잘 하더라.

80년대 아일랜드를 배경으로 한 청춘 음악영화

[블루레이] 싱 스트리트 : 스틸북 한정판 풀슬립 B (2disc: 본편BD + OST) - 부클릿(40p)+명대사 엽서(7종)
존 카니 감독, 퍼디아 월시 필로 외 출연 / SM LDG / 2019년 12월

80년대 감성.

추천받지 않았더라면 이런 영화가 있는 줄도 몰랐을 것 같다. 좀처럼 레이더망에 들어오지 않았을 것 같은, 80년대 감성의 음악 영화, 그것도 아일랜드를 배경으로 한 작품이다. 사실 이렇게 이야기하지만 80년대 생인 나로서도 그 시절은 아주 어린 시절 어렴풋하게 인상만 남아있던 시기다. 요새는 좀 더 젊은 세대도 몇몇 드라마로 그 시절 감성이 무엇인지 살짝 엿볼 수 있기도 하지만.

그런데 1980년대 아일랜드의 분위기는 또 우리나라와 비슷하면서도 다른 면이 많다. 우선 정치적으로 불안한 시기였다는 점은 공통적이다. 우리나라는 전두환 군부독재로 80년대가 시작되었다면 아일랜드는 이웃한 잉글랜드와의 정치적인 대립으로 어려움을 겪고 있었다. 그 유명한 IRA 같은 무장 단체들이 폭력적인 투쟁을 활발히 하던 시기이기도 하고.

하지만 당시 우리나라는 세계적인 3저 호황기와 맞물려 국가주도적 경제정책으로 크게 성장하고 있었다. 반면 아일랜드는 극심한 경제침체로 유럽의 병자라고 불릴 정도였으니 경제적인 부분에서는 크게 분위기가 달랐던 셈. 영화 속에서도 주인공들은 정체되기만 하는 아일랜드를 떠나 런던으로 가려고 한다.

시대물답게 그 시절의 배경과 복장, 그리고 음악에 공을 많이 들였다. 앞에서 설명한 것과 같은 이유로 전반적으로 퇴락한 분위기의 건물들과 거리 풍경, 그리고 그런 분위기를 앞장서 깨고 싶다는 것처럼 보이는 조금은 과장된 화장 같은 것들.

음악영화.

역시 이 영화는 음악을 주요 소재로 하고 있는 영화다보니, 감독도 이 쪽에 많이 집중한 모양이다. 우선 감독인 존 카니의 적작 중에 “원스”나 “비긴 어게인” 같은 어느 정도 성공한 음악영화가 있기도 했으니, 이 분야에 대해 일가견이 있다고 봐야 할 듯.

찾아보니 영화 속 사용된 밴드의 음악을 만들기 위해, 실제로 80년데 밴드활동을 했던 작곡가에게 곡을 만들어 달라고 부탁했다고 한다. 덕분에 단순히 리메이크가 아니라 정말 이런 밴드가 있었나 싶을 정도의 실감나는 노래들이 삽입될 수 있었다. 뭔가 막연한 향수 같은 걸 불러일으킬 수 있는 그런.

단지 새로운 노래만이 아니라 그 시절 널리 불렸던 여러 곡들도 들어있다고 한다. 이쪽 노래들을 좋아하는 사람에게는 또 하나의 관람 포인트가 될 수도 있을 듯.

청춘.

영화의 주인공들이 고등학생이라는 설정이다. 주인공 코너는 이혼 위기의 가정의 둘째 아들로, 경제적인 문제로 빈민가의 학교로 전학을 가게 된다. 흥미로운 건 이 학교가 가톨릭 계통의 학교라고 묘사되는데, 프랑스어 수업 시간에 술을 홀짝이며 라틴어를 가르치고 있는 늙은 교사나, 강압적으로 학생들을 통치하려는 교장 모두 신부들이다.(사실 이 동네에서는 가톨릭 계통 학교의 악명이 일종의 밈처럼 작용할 때가 많다.)

암담해 보이는 가정과 학교에서 무엇 하나 희망을 찾기 어려울 것 같았지만, 우연히 만난 라피나를 보고 그녀에게 잘 보이기 위해 충동적으로 밴드를 결성하기로 하면서 모든 게 달라지기 시작한다. 그야말로 청춘이다.

영화는 그렇게 사랑과 음악이란 두 개의 코드로 진행을 해 나가는데, 음악 쪽은 계속 발전해 나가는 듯하지만, 사랑사업은 쉽게 이루어지지 않는다. 10대의 연애라는 게 대개 그렇듯 미숙하고, 예측하지 못할 만한 상황들이 늘 일어나곤 하니까. 그런 것 때문에 흔들리는 모습들, 그리고 영화의 결말부에 나오는 모험, 그리고 배경으로 깔리는, 끊임없이 지금 도전하라고 외치는 노래가사까지.. 조금은 유치하게 느껴질 수도 있지만, 또 그런 게 젊음인 것 같기도 하고.

사랑과 꿈으로 얼마든지 현실을 극복할 수 있을 것 같은, 그런 나날들을 떠올리며 유쾌하게 볼 수 있었던 영화. 아, 조금씩 세련되어져 가는 주인공의 모습을 보는 것도 재미 포인트.

[몬스터 콜] 괴물은 누가 만들었던 걸까

몬스터 콜
후안 안토니오 바요나 감독, 시고니 위버 외 출연 / 비디오여행 / 2018년 6월

예상 못한 판타지물.

영화 제목에 ‘몬스터’가 들어가 있긴 했지만, 그게 실제로 화면에 나타날 지는 예상하지 못했다. 영화 전반에 걸쳐서 정말로 나무 괴물이 등장해서 주인공 코너와 “대화”를 시도한다. 그렇다. 괴물이지만 막 때려 부수는 게 아니라 소년과 대화를 시도하는 괴물이다. 덩치가 크니 움직일 때마다 뭔가 부서져 나가긴 하지만, 대화가 끝나면 다시 원상복귀 되는 것으로 보아 현실 세계의 괴물이 아니라는 걸 금세 짐작할 수 있다.

주인공 코너는 부모가 이혼한 후 어머니와 함께 살고 있는 소년이다. 그런데 그 어머니마저 큰 병에 걸려 죽어가고 있는 상황이고, 학교에서는 왜소한 체구의 코너를 괴롭히는 패거리들이 있다. 여기에 코너를 자신에 집에서 생활하게 하려는 엄격한 외할머니까지.

앞서 말한 괴물이 결국 소년의 상상 속 판타지였다면, 그건 그에게 영향을 끼친 무엇이 형상화된 것일 가능성이 높았다. 그럼 과연 괴물의 정체는 과연 뭐였을까. 물론 영화 말미에 그 정체는 어느 정도 드러난다.

괴물이 소개하는 이야기.

밤 12시가 조금 지난 시각이면, 나무 괴물은 소년을 만나러 온다. 그리고 소년에게 자신과 관련이 있는 옛날이야기를 네 편(세 번째 이야기는 조금 성격이 다르지만) 들려준다. 그런데 그 이야기의 내용이 평범하지 않다. 마녀 여왕을 물리친 왕자의 이야기에서 정말로 나쁜 캐릭터는 마녀가 아니었고, 젊은 목사와 의심쩍은 약제사 이야기에서 문제는 목사에게 있었다. 이야기의 결말에 이르면 누가 옳고 누가 나쁜 사람인지 헷갈리게 만든다.

짐작할 수 있다시피 결국 이 이야기는 소년, 즉 코너의 이야기다. 앞서 그의 앞에 나타난 이 괴물이 그를 둘러싼 괴물들 중 누구를 형상화한 것일까를 물었었다. 십대 소년이 감당하기 어려운 문제(부모의 이혼과 어머니의 불치병)를 겪느라 안 그래도 힘이 든 그에게 그 모든 것이 버겁기만 했을 것이고, 모두 충분히 괴물처럼 느껴질 수 있었다.

그런데 영화는 그런 단순한 결말로 마무리 되지 않는다. 네 번째 이야기에서 괴물은 반복해서 ‘진실’을 말하라고 오히려 코너에게 요구했고, 결국 코너가 그 진실을 입 밖에 내버렸을 때 비로소 흩어졌던 퍼즐들이 맞춰지면서 문제가 해결된다. 그런데 사실 그 진실이라는 것도 실은 그 나이 또래의 소년이 충분히 해볼만한(사실은 그보다 나이가 들어서도) 생각이었으니, 코너를 괴롭혔던 것은 주변 환경도 환경이지만 본인 자신이었을 지도 모르겠다.

생각해 보면 우리를 괴롭히는 많은 문제들의 근원이, 우리 안에 있었음을 깨닫는 건 그리 드문 일이 아니다. 누군가에게 그걸 솔직하게 말해버리고, 그게 아무 것도 아니라는 걸 확인하는 게 그걸 치유하는 지름길이고.