더 포스터 북 by 아방

더 포스터 북 by 아방 ㅣ 아트 포스터 시리즈
아방(ABANG) 지음 / arte(아르테) / 2019년 10월

별거 아닐수도 있지만 의외로 큰 인테리어 효과를 낼 수 있는게 바로 그림 한 점이라고 생각한다. 게다가 그림이란 우리가 미술심리치료에도 활용되듯이 단순히 보기 좋거나 주변 분위기에 어울리는 소품을 넘어서서 심리적으로 각 장소(예를 들면 아이들 방에 마음을 침착하게 한다거나 집중력을 높이는 등의)에 어울리는 그림을 걸어두면 소품 이상의 효과를 낼 수 있다고 생각한다.

그래서인지 최근에는 그림을 대여하는 서비스도 어렵지 않게 만나볼 수 있는데 만약 소장하기엔 부담스럽다면 이런 서비스를 이용해도 좋고, 또 그보다 좀더 부담을 줄이고 싶다면 arte(아르테)에서 출간되고 있는 '아트 포스터 시리즈'를 추천해주고 싶다.

개인적으로는 『더 포스터 북 by 키미앤일이』에 이어서 두 번째로 만나보는 포스터 북이 바로 이 책 『더 포스터 북 by 아방』이다.

아트 포스터라는 말에 걸맞게 이 책의 크기는 대략 스케치북보다 조금 더 큰 크기. 총 10개의 아박 작가님의 작품이 수록되어 있는데 시리즈로는 최신작이기도 한 8번째 도서이다.

이 작품을 활용하는 방법은 여러가지일 것이다. 먼저 잘 포장된 선물처럼 겉표지를 좌우로 펼치면 가운데에 작품이 수록되어 있는 형식인데 한 장씩 뜯어내서 그대로 벽에 걸어도 좋고 아니면 잘 어울리는 액자를 구해 장소별로 컨셉에 맞게 걸어도 좋을 것이다.

아니면 붙여진 그대로 써도 좋은데 액자에 넣지 않고 벽에 기대어 바닥에 살짝 내려놓으면 자연스러운 분위기를 연출할 수 있어서 좋다.

한 명의 작가가 그린 10점의 작품집이기도 하기 때문에 그림풍은 비슷하다. 그러나 그림은 각기 다르니 무려 10장에 걸쳐 선택의 폭이 넓어져서 좋다. 책의 겉표지에는 작품 소개도 실려 있다. 제목과 함께 간략한 설명이 그것인데 그림만 보는 것도 묘미이고 작품에 대한 정보를 알고 그림을 다시 보는 것도 묘미이다.

개인적으로 마음에 들었던 것은 가장 첫번째 나오는 작품으로 제목은 「하얀 꽃과 재떨이」이다. 사실 처음 그림만 보고선 그림 하단에 있는 빨간 하트가 소품이나 아니면 장식용 도자기인줄 알았다. 어떻게 보면 이 강렬한 빨간색이 전체 그림의 포인트인데 말이다. 이렇게 작품 소개를 읽고 그림을 다시 보면 생각지 못했던 부분을 알게 되는 것이다.

현재까지 시리즈가 8편까지 나왔는데 아마도 더 나올것 같다. 여러 일러스트 작가분들의 작품을 만나볼 수 있는 좋은 기회가 될 수도 있는데다가 최근 셀프인테리어에 대한 관심이 많아지고 있는 가운데 자신의 취향에 따라 선택해 집을 꾸미는데 적극 활용해도 좋을것 같기 때문이다.

그래서 과연 이후 시리즈는 어떤 작가의 어떤 작품들이 나올지 너무나 기대됩니다.

한 권으로 읽는 명화와 현대 미술

한 권으로 읽는 명화와 현대 미술 - 그림 속 상징과 테마, 그리고 예술가의 삶
파트릭 데 링크 외 지음, 박누리 옮김 / 마로니에북스 / 2019년 9월

산드로 보티첼리의 <비너스의 탄생>과 에드워드 호퍼의 <밤의 사람들>이 표지를 분할해 상하를 차지하고 있는 『한 권으로 읽는 명화와 현대 미술』는 마치 이 두 그림이 책의 목차이기도 한 고전 명화와 근현대 미술을 대변하는것 같다는 생각도 들게 한다.

책은 14세기의 고전 명화와 20세기 후반까지의 근현대 미술을 담고 있는데 작품 중심이라기 보다는 이 시대의 화가를 중심으로 정리되어 있다고 하면 좋을것 같다.

먼저 화가가 나오고 생애, 그리고 그 화가의 대표에 대한 정보(작품명, 제작연도, 크기, 소장 장소)가 간략하게 정리되어 있고 이어서 그 작품에 대한 분석이 나오는데 흥미로운 점은 하나의 그림을 분할을 해서 각각의 부분이 담고 있는 의미가 무엇인가를 분석하는 식이다.

가장 처음 나오는 화가와 작품은 조토의 <모든 성인의 성모>다. 솔직히 그림 이름은 몰랐지만 그림을 본 적은 있다. 그런데 이 그림을 중심이 되는 성모의 얼굴, 하단에 그려진 천사, 성모 왼쪽에 있는 예언자, 성모 바로 옆의 천사로 나눠서 그림을 설명하는데 작품 자체에 대한 설명(그림의 종류, 의미, 구도 등)을 먼저 알려주고 이어서 이렇게 세분화해서 설명을 해주니 그냥 어떤 그림이다, 어떤 목적에서 그렸다라는 정도만 알고 지나치는 것과는 차원이 다르게 그림을 깊게 볼 수 있어서 좋았다.

책 속에 나오는 그림들 중에는 작가가 명확하지 않은, 그러나 작품이 지닌 가치가 높은 그림도 포함되어 있어서 흥미롭기도 했다. 아무래도 고전 명화에는 종교화가 많은것 같다. 종교가 사회적으로도 중요한 위치에 있었기에 가능했으리라.

그리고 전투의 장면을 그린 그림도 있고 신화 속 풍경을 담은 그림도 제법 있다. 확실히 근현대 미술과는 주제에서 확연한 차이가 난다. 그래서일까? 오히려 성경이나 신화 속 이야기임에도 불구하고 디테일이나 묘사에 있어서 사실감이 느껴진다고 해야 할까...

인물(신을 포함)들의 표정이나 동작이 상당히 생동감과 사실감이 느껴진다. 마치 살아 움직이는 장면을 보는 기분이 들 때도 있다. 특히나 그림에 대한 설명을 듣고 나면 그림 속 여러 물건의 배치나 인물들의 움직임들이 허투로 보이지 않는다.

정지된 그림에 살아 있는 이야기가 덧입혀져 단순한 감상의 묘미를 넘어서서 그속에 담긴 스토리에 집중하게 만드는 묘미가 있는것 같다. 이러한 부분은 근현대 미술에서도 마찬가지다. 좀더 추상적으로 변한 그림, 직설적으로 어떤 장면을 해설하듯 담아낸 그림이라기 보다는 그 안에 담긴 작가의 의도를 좀더 파악해야 하는 수고스러움을 있지만 이는 또 이대로의 매력이 있는지라 200여 점에 이르는 유명 화가들의 작품을 고전 명화에서 근현대 미술의 변화를 지켜보는 묘미가 있는 책이였다.

치유미술관

치유미술관 - 아픔은 어떻게 명화가 되었나?
김소울 지음 / 일리 / 2019년 10월

미술이 심리치료에 이용된다는 이야기는 들어 본 적이 있을 것이다. 감상을 통해서일수도 있고 때로는 내담자가 그린 그림을 통해서 그 사람의 심리를 분석해서 그에 맞는 치료를 하기도 한다. 이외에도 미술 작품에 대한 커다란 지식이 없더라도, 또 심리적으로 심각한 문제가 있는 경우가 아니더라도 어떤 장소에는 어떤 그림을 그리는 것이 좋다는 식으로 단순히 인테리어 소품을 넘어서는 심리에 긍정적인 작용을 하도록 하는 방법도 있는 것이다.

『치유미술관』는 프랑스 소설가 스탕달이 귀도 레니의 <베아트리체 첸치>의 그림을 보고 느꼈다는 황홀경에 대한 묘사에서 나온 '스탕달 신드롬'에서 '그림의 힘'에 대해 이야기 한다.

'소울마음연구소'를 찾은 내담자들-유명화가가 그 주인공이다-과 닥터 소울이라는 미술심리치료 전문가의 내담 일지를 묶은 형식인데 내담자도 실존 인물이며 심지어 한국인들도 좋아하고 세계적으로도 유명한 화가들이다. 그리고 닥터 소울 역시도 현재 서울에서 미술치료실을 운영하는 전문가라고 한다.

내담 형식은 분명 픽션이다. 그러나 내담 일지에 나온 주요한 내용들은 논픽션이다. 평탄한 삶을 살았던 화가들이 아니라 때로는 문제화가로까지 불리기도 했던 주인공들을 등장시켜 그들이 지니고 있던 다양한 문제들을 풀어가는 것이다.

내담에 등장하는 화가들은 16세기 말에서 20세기 초까지의총 15명. 픽션의 형식을 빌려 왔지만 내용은 논픽션이라고 보면 된다. 15명의 화가에는 절규(비록 작품명은 몰라도 작품은 알 것이다)를 그린 뭉크, 작가 자체의 능력보다 왠지 로댕과 묶여서 늘 저평가 받는것 같은 클로델, 드가, 마네, 르누아르, 세잔과 고갱, 고흐, 고야, 실레 등이다.

사실 로트렉와 젠틸레스키, 모리조를 제외하고는 익숙한 인물들이다. 책은 내담자의 사진과 정보(그러니깐 화가의 이름, 생일, 국적, 그가 겪고 있던 심리적 문제들, 그의 상담에서 주목해야 할 그가 겪은 주요 사건들)가 먼저 나오고 이어서 내담자가 소울마음연구소를 찾아오는 것에서부터 시작된다.

현재의 기분 상태를 묻고 어떤 심리적 문제가 있는가를 천천히 풀어가는 방식은 그야말로 일반적인 심리치료소의 모습을 보는것 같다. 단순히 글로 해당 화가의 상태나 심리 분석, 치료 방법을 나열했다면 분명 지루했을지도 모를 내용이나 이렇게 실제 내담일지처럼 쓰여져 있어서인지 더욱 몰입해서 읽게 되었던것 같다.

그리고 상담 과정에서 그 심리나 상황 등과 밀접한 관련이 있는 그림도 함께 실어놓았기 때문에 왠지 작품 해석을 보는 기분도 든다. 게다가 화가의 심리를 알고 그림을 보니 그림에 대한 깊이나 이해도가 높아지는 것도 사실이며 그림에 대한 의미도 상당히 크게 와닿아서 좋았다.

멋진 기획이라는 생각이 든다. 유명화가의 생애를 전부 알았다고는 할 순 없지만 그가 살아생전 어떤 고통이 있었고 어떤 점에서 소위 문제화가로 불렸고 어떤 이유로 그런 그림들을 그렸는지 등에 대해 알게 된것 같아 미술을 잘 모르는 사람도, 그 화가에 대해 정보가 없는 사람도 충분히 흥미롭게 읽을 수 있는 책이라고 생각한다.

손그림 연습장

손그림 연습장 - 펜 하나면 누구나 그릴 수 있는 쉽고 귀여운 일러스트
사라 알베르토 지음, 최다인 옮김 / 한빛라이프 / 2019년 8월

개인적으로 그림을 잘 그린다고 할 수 없는 입장인데 아이는 그림을 잘 그리는것 같다. 보고 그리는 것도 잘하지만 머릿속의 상상을 그림으로 표현하는게 신기할 정도인데 그런 아이가 그림 그리는데 있어서 보다 다양한 표본들을 보고 그리기를 연습하다보면 그것이 발전해 자신만의 스타일로 그리기도 하기 때문에 먼저 표현하기를 배울 수 있기를 바라는 마음에 보게 된 책이 바로 『손그림 연습장』이다.

물론 아이들만을 위한 책은 아니다. 아기자기하고 귀엽기 때문에 그림을 배워보고 싶은 어른들도 충분히 도전해봐도 좋다.

펜 하나만 있으면 누구라도 그릴 수 있다는 점, 그리고 쉽고 귀여운 일러스트를 연습해볼 수 있다는 점이 이 책이 말하는 장점일텐데 실제로 그렇다. 그림이 일단 간결하다. 그라니 밋밋하지 않다. 포인트를 잘 잡아냈기 때문에 기초 수준에서 연습한다 생각하고 그리기를 하면 좋을 책이다.

먼저 손그림에 필요한 도구를 알려주는데 위와 같다. 젤 펜(흑색), 연필은 밑그림 도구가 되며 색칠 도구에는 같은 젤 펜이나 색깔이 있는 것, 마커 등을 소개한다.

이후 나오는 내용은 바로 직접 그림을 그려볼 수 있는 단계로 주제별로 분류가 되어 있는데 얼굴과 사람,음식, 동물, 상상의 세계, 계절과 기념일, 일상생활이다. 각 주제별로 어떤 포인트에 맞춰 그리기를 하면 되는지 먼저 총괄적인 설명이 나온 뒤에 본격적으로 그 주제에 해당하는 다양한 그림들을 그려볼 있는데 왼쪽 페이지에는 작가님이 먼저 그려놓은 그림, 오른쪽에는 왼쪽을 보고 그려볼 수 있는 빈공간이 마련된다.

보통 왼쪽에 있는 그림의 경우에는 단계별 변화나 그림이 그려지는 과정을 보여주는데 대체적으로 단계가 많지 않다. 이 말인즉슨, 아주 간단하게 그릴 수 있다는 것이다. 점과 선으로도 충분히 그리기가 가능한 책이다.  

그림에 소질이 없어도 그릴 수 있다. 조금 더 연습하면 충분히 귀엽고 깜찍하게 그릴 수 있다. 그리고 색칠까지 하면 확실히 밑그림이 보완되는 느낌이 들 것이다.

미술사 연대기

미술사 연대기 - 세계사의 결정적 순간과 위대한 미술의 만남
이언 자체크 엮음, 이기수 옮김 / 마로니에북스 / 2019년 9월

『미술사 연대기』라는 책을 보면서 다시 한번 느끼는 점은 어디에든 딱 그 분야만의 이야기가 담겨져 있지는 않다는 것이다. 분명 미술사에 대해 이야기하고 있는 책이고 그 내용이 주가 되는 건 사실이지만 미술사와 세계사, 특히나 세계사 속에서 눈여겨 볼만한 굵직굵직한 사건들을 함께 읽어 볼 수 있다는 점은 미술과 역사를 동시에 만나게 되는 멋진 구성이라는 생각이 들었기 때문이다.

연대기라는 말에 걸맞게 고대의 미술사를 시작으로 시대순으로 한 권의 책에 너무나 자세히, 잘 담아내고 있는데 우리가 미술시간에 교과서를 통해서 보았던 유명 작품들은 물론 세계사에서도 보았던 미술 작품들이 그야말로 통합교과처럼 합쳐져서 만들어낸 이야기는 상당히 흥미롭다.

지금도 미술 작품이 시대를 반영하고 있는 경우는 많다. 그러나 고대의 미술을 보면 특히나 이런 부분이 강해서 남겨져 있는 작품들도 필연적으로 역사와 밀접한 관련이 있는 것들이라는 점에서 초반에는 확실히 미술사 그 자체만의 이야기라기 보다는 오히려 역사쪽에 더 가깝게 느껴지는 것도 사실이다.

물론 수록된 미술 작품에 대해서 예술적 의미의 접근도 하고 있기는 하다. 예를 들면 책에서 가장 먼저 실리고 있는 <네페르티티의 흉상>의 경우 당시 작자 미상인 경우가 많았던 점을 고려하면 고대 이집트의 투트모세라는 유명 예술가가 명시되어 있다는 점에서 흥미로운데 어쩌면 이 작품 자체가 지닌 의미 때문일지도 모르겠다.

공식적인 왕실 조각가라는 명확한 신분도 그랬겠지만 여왕의 흉상이라는 점 때문에라도 분명 작품 자체도 그 작가에 대한 부분도 잘 보존되지 않았을까 싶다.

작가의 생애, 작품에 대한 설명과 해석, 그 작품이 탄생하게 된 배경이 함께 나오며 연대기라는 점이 부각될 수 있도록 연표를 만들고 각 시대별 유명 미술작품과 함께 그 당시에 일어났던 역사적 사건을 한 눈에 볼 수 있도록 정리하고 있는 이 책은 수록된 작품들을 컬러 이미지를 활용해 실고 있기 때문에 더욱 소장가치가 높아 보인다.

개인적으로 좋아하는 시대는 중세이다. 역사적인 관점에서도 흥미롭게 생각하는 시대이고 예술적인 측면에서도 르네상스와 바로크, 로코코 시대의 작품들을 보는 것을 좋아하는데 그 이유는 특히 그림들을 보고 있으면 인물들 속에 어떤 이야기가 담겨져 있는것 같은 정형화된 모습을 탈피하고 있어서이다.

또 한가지 흥미로웠던 부분은 18세기에 예술사에서 풍자가 엿보였다는 것이다. 어느 시대에나 분명 다양한 방식으로 풍자는 있었을거라 생각하지만 예술의 한 장르로서 풍자의 기법을 사용하고 있는 점이 인상적이였다.

현대로 넘어오면서 아무래도 추상적이거나 오히려 반대로 단조로움을 보여주는 그림들을 볼 수 있고 설치 미술, 패러디 분야와 함께 그래피티와 같은 거리미술처럼 표현과 함께 표현의 장소가 고정화에서 탈티한 느낌을 받을 수 있었던것 같다.

미술에 문외한인 사람도 충분히 흥미롭게 볼 수 있고 또 그런 경우라면 오히려 이 한권으로 전체적인 흐름을 파악할 수 있다는 점에서 오히려 더욱 유익하지 않을까 싶다.