메소드

메소드 : 20세기를 지배한 연기 테크닉 - 20세기를 지배한 연기 테크닉
아이작 버틀러 지음, 윤철희 옮김, 전종혁 감수 / 에포크 / 2023년 12월

이 책은 스타니슬랍스키가 고안한 메소드 연기 이론이 20세기 러시아 탄생시기부터 1980년대 미국의 메소드 분화시기까지 이어지는 변천 역사를 통해, 배우와 연기, 연극과 영화 예술에 관한 다양한 개념과 관점들을 서술한 책이다.

책의 내용과 구성은 스타니슬랍스키의 메소드 이론의 탄생과 전파 과정 시기를 기준으로 3단계로 나누어 이루어져 있다: 20세기초 러시아 연극 예술에서의 탄생 과정; 20세기 초반 1차 세계대전 이후 미국 브로드웨이 연극계으로의 이식과 정착 과정; 20세기 중반 2차 세계 대전 이후 영화계의 새로운 세대에 의한 메소드 이론의 발산 시기.

저자는 평론가이자 연출가인 아이작 버틀러이다.

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여러가지 면에서 이 책은 놀라운 책이다: 단순히 내용면에서 보자면, 배우 연기 이론과 연출의 연출 이론에 관한 관점과 방식의 내용으로 구체적인 훈련과 지도 방식과 차이점들을 다루고 있다.

그러나 한 단계 더 살펴 보면 연극이나 영화에서 관객들에게 보여지는 배우들의 연기나 무대 장치나 배경들이 왜 필요하고, 어떤 기준에 의해서 필요한 것인지를, 즉, 다시 말하면, 연극이나 영화를 보고 관객들이 무엇에 의해 감동을 받게 되는지, 더 나아가 연극이나 영화 같은 예술이 우리 인간과 사회에 무슨 목적과 의미가 있고 어떤 역할이 있는지에 대해서도 밝히고 있다.

무엇보다 놀라운 것은, 20세기 전체를 지배했던 연기이론인 메소드 혹은 시스템 이론을 스타니슬랍스키가 러시아에서 만들어내게 된 근원적인 이유가 당시 연극계의 일반적인 관행과 스타일에서 느낀 불만족을 해소하기 위한 것이었다는 점이다. 어찌 보면 지극히 평범하고 사소한 이유처럼 보일 수도 있지만, 마치 빙산의 꼭대기 부분처럼, 근본적인 해결을 위해서는 단순히 연극 극단 운영과 배우의 연기 스타일의 변화만에서 그치지 않고, 연극 예술을 바라보는 철학적 가치관과 변함없는 실천의지력이 필수적으로 요구된다는 점에서 매우 어렵다고 할 수 있다.

배우의 연기와 훈련 방법, 연출가의 연출 방식, 극단의 운영과 기획 능력 등 소위 현대적 연극 극단의 분업화되고 전문화된 운영 방식의 시초가 되는 모형을 제시한 셈이다.

재미있는 점은, 러시아인 스타니슬랍스키가 개발한 연기 이론과 러시아어 연극 공연을 1920년대 미국에서 처음 접한 미국인 관객은 대사를 전혀 이해못한 상황이지만 연기의 훌륭함과 연출의 위대함을 충분히 느끼고 전달받았다는 반응이다. 진정한 예술은 언어와 국경을 초월하는 강력한 수단이라는 점을 다시 한번 느끼게 된다.

개인적으로 관심있게 본 대목은 새로운 이념이나 사회적 운동이 일정 기간이 지나 사회적으로 어느 정도 정착이 되고 보편화되어, 어느덧 고착화되었을 때 자신을 새롭게 개혁하려는 움직임과 동력에 관한 부분이다: 스타니슬랍스키도 러시아에서 3차례에 걸친 시스템 연기 이론의 개혁과 실험을 펼쳤고, 미국에서 퍼뜨린 스타니슬랍스키의 시스템 이론이 리 스트라스버그와 스텔라 애들러에 의해 일부 변형된 버전으로 전승되고, 한편으로 미국적인 특성을 살려 진실된 상황적 경험이면서도 예술적으로 통제된 감정적 진실의 연기론이 등장하기도 한다.

역시 예술의 혁신에 가장 영향을 많이 끼치는 요소는 사회적 분위기와 시대적 배경이 절대적이라고 할 수 밖에 없다: 1980년대 이후부터는 관객의 관심과 기준이 다양해지면서 메소드 이론이라는 것이 배우 중심이 아닌 연출의 작가 중심으로 변하게 되는 환경에서는 더욱 논쟁적인 주제가 되어버린다.

전반적으로 연극과 영화 연기의 핵심 이론인 메소드 연기뿐만 아니라 연극과 영화 예술에 관해 이해를 높여주는 책이라는 생각이 든다.

디자인의 안목과 이해를 높여주는 책

디자인 미학 - 미적 안목을 기르고 싶은 현대인을 위한 최소한의 디자인 미학 지식
최경원 지음 / 인물과사상사 / 2023년 9월

이 책은 디자인과 미학에 관해 역사적인 발전 과정 속에서 양측의 관점에서 지향하는 목표와 작용하는 원리들을 설명하고 개념과 원리들을 구체화한 결과물인 디자인 작품들을 소개함으로써 디자인에 대한 이해를 높여주는 책이다.

책의 내용과 구성은 3부분으로 나누어, 먼저 개념적인 용어와 미학과 디자인의 역사적 변천 과정을 설명하고, 두번째로 미학적인 관점에서 디자인을 분류하고 디자인이 가지는 의미와 역할에 대해 기술하고, 세번째로 디자인의 관점에서 디자인 속에 포함되어 있고 표현되어 있는 미학적인 요소들을 설명하고 다양한 분야의 디자이너들의 실제 작품들의 사례를 통해 작품의 의미와 작가의 의도가 어떻게 해석되고 수용되는지를 소개한다.

저자는 성균관대 디자인학부 최경원 겸임교수이다.

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디자인이라는 단어가 적힌 광고 문구를 일상에서 쉽고 흔하게 접할 수 있는 과도한 디자인의 시대(?)에 우리는 살고 있지만, 디자인의 역할이나 역사에 관해서는 둘째 치더라도 의미에 대해서조차 관심을 가지지 않는다:

최신 유행하는 의류나 액세서리 상품이나 값비싼 명품을 제외하고는 디자인에 대해 특별히 관심을 기울이지 않는 것이 일반적인 경우라고 할 수 있다.

왜 디자인이 대중으로부터 관심을 얻지 못할까? 디자인이라는 것이 무엇이고 왜 중요할까? 값비싼 명품이 아니더라도 유명한 예술 작품과 동일한 기준과 잣대를 디자인 작품에는 적용하지 못하는 것일까? 보다 근본적으로 디자인을 이해하려면 무엇을 어떻게 바라보고 인식해야 할까?

이 책은 디자인을 이해하기 위해 예술사와 미학적인 관점에서 접근하여 디자인의 의미와 중요성을 서술하고 있다:

디자인의 태생이 어쩔 수 없이 전쟁과 관련이 있기 때문에 대량 생산과 생존 기능의 요인에 매몰되어 심미성을 잃어버리게 되지만, 1980년대 이후 탈산업화 시대에 들어가면서 디자인으로서의 역할과 위상이 달라지게 되는 변천 과정을 미학적 내용과 다양한 작가들의 작품과 함께 소개한다. 주로 우리의 일상적인 환경에서 만나게 되는 디자인 작품을 바라보는 시선이 어떤 디자인의 요소들을 파악하고 의미들을 해석해야 하는 지를 알려준다:

예를 들면, 너무 난해하여 미래지향적 모양의 자하 하디드나 거의 관람용 작품 수준인 하이메 이욘, 보는 것만으로도 즐거워지는 스태파노 지오반노니, 알고나면 감동이 배가 되는 안도 타다오의 작품이 대표적이다.

전반적으로 가장 근본적인 개념인 기능성을 잃지 않으면서도 기존의 고정적인 관념을 깨뜨리고 상식과 철학과 사상을 확장시킨 디자인 작품을 만나게 되는 즐거움을 깨닫게 해주는 책이 아닌가 싶다.

NFT 아트와 투자 방법에 관한 가이드 북

누구나 할 수 있는 NFT 아트테크 - 미술과 재테크를 몰라도
강희정 지음 / 아라크네 / 2023년 3월

이 책은 최근 몇 년 사이에 활성화된 NFT 아트와 NFT 아트워크 시장에 대해 기본적인 개념과 작동 환경에 대해 소개하고, NFT 아트를 이용한 투자 원리와 기법에 대해 이야기하는 책이다.

책의 내용과 구성은 NFT 아트와 NFT 아트테크의 구성요소와 환경, 투자를 위한 준비 작업과 투자 방법에 대해 총 4개의 단원에 걸쳐 서술하고 있다: 누구나 하는 NFT 아트테크; NFT가 살아 남을 수밖에 없는 이유; NFT 아트테크 준비하기; NFT 아트테크를 하는 3가지 방법.

저자는 강희정 국제 NFT 아트&디자인 교육연구소장이다.

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현재 한국을 포함해 전세계적으로 인기를 얻고 있는 새로운 미술 분야가 NFT아트가 있다: 좀더 정확하게는 NFT(non-fungible token)라는 위조방지를 위한 블록체인 기반 암호화폐의 디지털 기술과 디지털 아트가 접목되어 새롭게 생겨난 디지털 예술 작품 형태와 거래 방식 체계를 일컫는다.

디지털 암호화폐와 예술 작품의 결합이라니 말만 들어도 복잡하고 기괴하게 들릴 수 있다: 실제 NFT 아트워크에는 디지털 기술과 환경을 사용하여 제작한 디지털 작품도 있지만 기존의 아날로그적 비디지털 현실 세계에서 제작한 물리적 예술 작품을 단순 디지털화 한 것들도 포함되기도 한다.

그런데, 굳이 왜 이렇게 복잡해 보이고 또한 기존의 전통적인 예술 작품 세계 와도 많은 차이가 날 것 같은 신생 미술 작품에 대해 관심을 가져야 하고 심지어 제작 방식과 거래 방법까지 알아야 할 필요가 있을까?

바로 이에 대한 해답이 이 책에서 이야기하는 주된 주제이기도 하다.

코로나 시기를 지나는 동안 미술 시장에서 NFT 아트의 비중이 성장한 점과 소위 젊은 세대의 구매층의 확대가 미술 시장의 변화 양상을 보여준다고 저자는 지적하고 있다.

NFT 기술을 장착한 NFT 아트는 1960년대부터 디지털 장치와 기술을 활용하여 작품을 제작하는 디지털 아트 분야와도 2000년대 생겨난 온라인 미술 시장과도 분명한 차이가 존재한다: 기존의 갤러리나 아트 페어 같은 중간 판매 단계가 사라지고 오직 작가와 구매자 사이의 직접 거래만이 존재하는 환경이 되어 버렸다: 대신에 커뮤니티가 기존의 컬렉터와 갤러리, 후원자 등의 역할을 대체하게 된 것도 일반적인 매체의 디지털라이징 변환 현상의 결과로 나타난게 아닌가 하는 생각도 든다.

저자는 NFT 아트 투자에 가장 큰 문제는 NFT 아트 작품이 가진 복잡성으로 인한 투자 위험이 존재하기 때문에 반드시 디지털 아트와 암호화폐에 관한 충분한 지식과 정보를 얻은 후에 투자하는 것을 권고하고 있다: 암호화 화폐 시장의 추세와 디지털 아트 시장의 트렌드 양쪽 모두에 능통해져야 투자 실패의 위험을 줄일 수 있다는 저자의 주장은 현실적이며 합리적인 조언이다.

소액으로도 충분히 투자가 가능하기 때문에 디지털 아트에 관한 관심과 애정이 있다면 금전적인 이득보다 디지털 아트의 2차 재생산 참여 활동을 통한 즐거움이 더 크다는 점에서 투자의 첫 시작에 대한 위험부담은 줄어들 것 같다는 생각도 해보게 된다.

전반적으로 생소한 분야인 NFT 아트와 투자 방법에 대해 개괄적으로 소개하는 책이라는 생각이 든다.  

프랑스 절대 왕정 시기의 역사와 함께 하는 예술 문화

명화로 읽는 부르봉 역사 ㅣ 역사가 흐르는 미술관 2
나카노 교코 지음, 이유라 옮김 / 한경arte / 2023년 2월

이 책은 프랑스 16세기 후반부터 19세기 초반까지 프랑스를 통치했던 부르봉 왕조 시대의 예술 작품들을 통해 왕정 역사와 궁정 귀족들의 문화를 이야기하는 책이다.

책의 내용은 부르봉 왕가가 시작되는 1500년대 후반 앙리 4세부터 왕손이 끊기고 공화정이 시작되는 1800년대 중반까지의 대략 250 여년 동안의 기간을 12개 시기로 나누어 각 시기동안 활동했던 인물과 당대의 역사적 사건들을 서술하고 있다.

저자는 일본의 독일 문학과 서양 문화 전문가 나카노 교코이다.

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오늘날의 프랑스 문화 유산의 대부분이 프랑스 근대 17~18세기의 왕정시대의 유산이라는 사실에서 당대 부르봉 왕조의 지대한 영향력을 가늠해볼 수 있다: 베르사이유 궁전과 수많은 왕족과 귀족들의 초상화나 화려한 예술 작품들이 만들어진 시기이기도 하다.

이 책에서는 프랑스 근대 시기에 존립했던 부르봉 왕조 시대의 역사와 문화 그리고 당대 활약했던 인물들에 대해 관련된 예술 작품들을 통해 묘사하고 있다.

초상화나 풍경화의 미술 작품 속에 등장하는 인물이나 소품, 형상들에 대해 작가가 표현하고자 하는 의미와 의도에 대해 당시 시대의 사회와 역사적 맥락에서 해설하고 있다: 예를 들면, 각종 신화 속 등장 인물이나 이야기, 권위를 상징하는 물건들을 그림 속에 배치함으로써 왕권에 대한 신성함을 표현하고자 한다는 것이다.

흥미로운 점은 아주 평범한 작가들의 작품들이 아니라 당대 유럽 전체에서 최고로 유명한 화가들을 초빙하거나 의뢰하여 작품들을 만들었다는 것이다: 즉, 수준이 높은 아름다운 작품들은 가격과 제작 비용이 비싸다는 의미라는 것이다: 예를 들면, 루벤스, 반 다이크, 벨라스케스, 고야 등은 프랑스뿐만 아니라 유럽 전체에서 명성이 알려진 작가들이어서 제작 비용도 비싸고 작품들도 비싼 가격이 매겨지게 되었다는 사실도 흥미롭다.

물론 부르봉 왕조의 화려함도 격변의 혁명을 거치면서 끝내 사라지게 되었지만, 아이러니하게도 이 모든 것이 예술적 심미안을 가지고 있던 루이 14세로부터 시작된 것이라는 점도 인상적이다: 자신의 조국이 문화적 후진국임을 깨닫고 외국의 예술과 문화를 받아들이기 위해 인재 수용과 교류를 하며, 소위 ‘예술가와 귀족 후원자’ 체제를 만드는 한편, 수준 높은 예술 작품들을 사서 모으는 노력의 산물이 오늘날의 프랑스의 문화 유산으로 남게 되었다는 사실이다.

또 다른 흥미로운 것은 아무래도 예술작품이라는 것이 시대의 정신이나 상황을 반영한다는 진리를 다시 한번 확인하게 된다는 점이다: 예를 들면, 오로지 화려함과 미화된 아름다움만이 표현되고 강조되었던 절대왕정 시기의 왕족들의 초상화에 비해 혁명의 발생과 함께 왕조의 권위가 무너지는 18세기 후반에 그려진 왕족들의 초상화는 세간의 평가가 그대로 반영된 사실적 묘사의 그림들도 나타난다.

전반적으로 프랑스 근대 절대왕정 시기의 화려한 문화 예술의 작품들에 대해 역사 전개와 함께 쉽게 접근할 수 있도록 도와주는 역사 문화 해설서라는 생각이 든다.

*** 이 글은 리뷰어스 클럽의 소개로 출판사로부터 도서를 제공받아 주관적으로 작성한 리뷰입니다.  ***

조각 미술의 친절한 입문서

조각의 세계사 - 1000개의 조각 1000가지 공감
차홍규 엮음, 김성진 아트디렉터, 이경아 감수 / 아이템하우스 / 2022년 12월

이 책은 서양 조각 작품들을 다양한 기준과 관점에서(시대와 작가와 주제별로) 소개하고 서양 조각 미술의 변천사와 의미를 야야기하는 책이다.

책의 내용과 구성은 크게 두 부분으로 나누어, 원시 시대부터 중세시대까지 다루는 조각 미술의 역사 부분과 90여명이 넘는 조각가들의 작품들을 소개하는 조각가 열전 부분으로 이루어져 있다.

저자는 차홍규 한중미술협회장이다.

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개인적 경험으로 유럽이나 미국의 주요 대도시에 위치해 있는 박물관이나 미술관을 방문할 때 회화작품 못지 않게 많은 조각 작품들을 만나곤 하는데, 도록이나 자료에서 설명 부분이 생략되거나 간략한 경우가 많아서 상대적으로 감상 시간을 줄이고 지나치게 된다. 특히, 도시의 건물 밖에 설치되어 있는 작품들의 경우에는 조각가와 조각 작품에 대한 설명이 부족함을 느낄 때가 많아서 아쉬움이 생기곤 했다. 생각보다 조각 작품들을 접할 기회가 많은 데도 충분히 감상하지 못하는 경우가 발생한다.

예를 들면, 이탈리아 피렌체 광장에 있는 바르톨로메오 암만나티의 [포세이돈 분수]나 잠 볼로냐의 [사비니 여인들의 납치] 조각 작품은 지나치기 쉽상이고, 프랑스 파리의 퐁디에나 다리 위에 설치되어 있는 오귀스트 프레오의 여러 전사 조각상 작품들도 해설을 알기 쉽지 않다.

조각 작품의 매력은 무엇일까? 조각 작품을 감상하려면 어떻게 해야 할까?

저자의 의견대로, 아마도 사물의 입체적인 표현에서 오는 감동이 주된 매력이라는 점에 깊이 공감한다.

그렇다면, 어떤 식으로 조각 작품들을 감상해야 할까? 작품 감상법에는 여러가지 방식이 있겠지만, 이 책에서 소개하는 것처럼 3가지 접근법이 무난하지 않을까 싶다: 시대별로 조각 기법과 예술 표현 양식의 특징을 파악하여 감상하거나, 세계적인 조각가 10명의 거장들의 작품들을 기준으로 당대 유사한 시기의 다른 작품들과 비교하여 감상하거나, 또는 특정한 주제별로 비슷한 조각 작품들을 한데 모아서 비교하여 차이점을 발견하는 방식에 대해 소개하고 있다.

무엇보다 이 책이 가지는 장점이자 매력은 1,000점이 넘는 조각 작품들의 해설도 물론 훌륭하지만 컬러 사진을 그대로 수록하고 있다는 점이다: 이것만 가지고도 충분한 소장 가치는 있다고 할 수 있다.

개인적으로 흥미로운 조각가들을 이 책을 통해 알게 된 것이 만족스러웠다: 예를 들면, 오귀스트 로댕이 왜 위대한 조각가인지를 그의 작품 세계에 대한 해설을 통해 깨닫게 되었고, 에드모니아 루이스나 카미유 클로델처럼 여성 조각가들의 활동도 조각 미술사에 분명한 업적을 남겼다는 사실도 인상적이었다.

전반적으로 서양 조각 미술뿐만 아니라 서양 미술 사조에 대한 이해와 변천의 역사를 높여주는 책이라는 생각이 든다.